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Popkultur

10 Hits der 60er, die heute keiner mehr kennt

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Die einen wurden zu Evergreens, die anderen gerieten in Vergessenheit: Nicht alle beliebten Songs aus einem Jahrzehnt bleiben im kollektiven Gedächtnis hängen, das gilt auch für die so aufregenden 1960er-Jahre. Ob dabei alleine die Qualität entscheidet, ist höchst fraglich, wie man an dieser Liste der vergessenen Hits sieht. Wir haben tief gegraben und echte Perlen an die Oberfläche gehievt, die teilweise nur echten Liebhaber*innen und Expert*innen ein Begriff sein dürften. Aber man lernt ja nie aus. „Best of the 60s“ mal anders, aber mindestens genau so gut.

Hör hier unsere 10 Hits der 60er, die heute keiner mehr kennt:

1. The Human Beinz – Nobody But Me

Vergebenes Potenzial oder doch One Hit Wonder? Diese Band aus Ohio stürmte 1967 mit ihrer Debütsingle Nobody But Me die US-Charts, einer mächtig nach vorne gehenden Nummer zwischen Garagenrock und britischem Beat. Sowohl das folgende Album als auch spätere Singles von The Human Beinz floppten allerdings in ihrer Heimat. Kurioserweise landeten sie mit Turn On Your Love Light einen Nummer-eins-Hit in Japan, doch das konnte ihre Karriere auch nicht mehr retten. Quentin Tarantino, ein Connaisseur verschollener Rock-Hits, verwendete Nobody But Me in seinem Klassiker Kill Bill: Vol. 1, was den Kultstatus des Songs nur unterstreicht.

2. Johnny Rivers – Secret Agent Man

Johnny Rivers war während der 1960er-Jahre eine amtliche Hit-Maschine, doch seine großen Erfolge sind heute nur noch wenigen bekannt. Secret Agent Man war einer seiner größten Songs, ein Rock’n’Roll-Hammer, der jede 60s-Party sprengt und sich ebenfalls gut in einem Tarantino-Film machen würde – das Gitarrenriff am Anfang erinnert jedenfalls stark an Pulp Fiction. Secret Agent Man wurde ursprünglich als Theme-Song zur britischen TV-Serie Danger Man aufgenommen, doch die Nummer war so populär, dass Rivers 1966 eine normale Single-Version davon einspielte, mit der er Platz 3 der Billboard-Charts erreichte.

3. Claudine Clark – Party Lights

Verschollene Soul-Klassiker aus den 1960ern gibt es wie Sand am Meer. Immer wieder werden neue alte Perlen ausgegraben, die über die Jahre in Vergessenheit gerieten. Party Lights von Claudine Clark ist ein Favorit von Soul-Nerds, und man fragt sich schon, wieso es die Nummer nicht in die Evergreen-Listen der Radiosender geschafft hat. Die Karriere der Künstlerin aus Philadelphia lief Anfang der 1960er-Jahre recht gut, doch irgendwann begann sie abzuflauen. Party Lights war ihr erstes selbstkomponiertes und -getextetes Stück, mit dem sie damals auch am erfolgreichsten war und 15 Wochen in den Top 100 verbrachte.

4. Strawberry Alarm Clock – Incense And Peppermints

Kennt noch irgendjemand Strawberry Alarm Clock? Allein der Bandname hätte eigentlich dafür sorgen müssen, dass man sich an diese Psychedelic-Truppe aus Los Angeles erinnert. Für mehr als zwei Top-40-Hits und eher belanglose Alben hat es aber leider nicht gereicht für die 1967 gegründete Band, die seit 1982 wieder aktiv ist. Incense And Peppermints war ihr großer Hit aus dem Jahr 1967, mit dem sie in den USA direkt auf Platz 1 gingen. Stilistisch ist der Song nicht weit weg von den Doors, doch in der Musikgeschichte ist offenbar doch meistens nur Platz für die Sieger.

5. The High Numbers – Zoot Suit

Dieser Song ist eine Kuriosität: Bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1964 interessierte sich niemand für Zoot Suit. Deshalb beschlossen The High Numbers, wieder ihren ursprünglich angedachten Bandnamen zu verwenden – The Who. Ein Jahr später veröffentlichten sie My Generation, und der Rest der Geschichte dürfte bekannt sein. Fans von The Who und Mod-Liebhaber*innen kennen Zoot Suit natürlich trotzdem, denn die Beat-Hymne wurde 1979 im Kultfilm Quadrophenia eingesetzt und 1980 als Single wiederveröffentlicht, dieses Mal mit einschlagendem Erfolg.

6. The Zombies – She’s Not There

Keine Summer-Of-Love-Compilation kommt ohne Time Of The Season von The Zombies aus. Ziemlich in Vergessenheit geraten ist dagegen die Debütsingle der britischen Band: She’s Not There war ein massiver Hit sowohl auf der Insel als auch in den Vereinigten Staaten. Immerhin listete der Rolling Stone She’s Not There auf Platz 297 der 500 größten Songs aller Zeiten. Das muss den Leuten mal jemand erzählen!

7. Nancy Sinatra & Lee Hazlewood – Some Velvet Morning

Echte Musikexpert*innen kennen natürlich vieles aus dieser Liste, und ganz bestimmt auch diesen Klassiker, der schon von Künstler*innen wie Primal Scream und Kate Moss, Slowdive oder Lydia Lunch und Rowland S. Howard gecovert wurde – eine echte Outlaw-Hymne sozusagen. Das Original von Some Velvet Morning stammt von Nancy Sinatra und Lee Hazlewood, die 1967 damit einige Platten verkaufen konnten.

8. Shocking Blue – Mighty Joe

Wenn ein Hit die gesamte Karriere überschattet – noch viel tragischer als bei den Zombies ist dieses Missverhältnis bei Shocking Blue, der niederländischen Band, die mit Venus aus dem Jahr 1969 unsterblich wurde. Nur kurze Zeit später schickten sie mit Mighty Joe einen Kracher nach, der wohl zu roh und rockig für die Oldie-Hitlisten war, auf denen Venus seinen festen Platz hat. Mighty Joe schaffte es damals sogar in den deutschen Charts auf Platz 6. Shocking Blue scheinen auch den ein oder anderen einflussreichen Fan gehabt zu haben: Ihren Song Love Buzz, ebenfalls von 1969, coverte knapp 20 Jahre später eine junge Band namens Nirvana und veröffentlichte den Song als ihre Debütsingle.

9. The Troggs – I Can’t Control Myself

Okay, noch einer aus dieser Kategorie. The Troggs sind natürlich keine Unbekannten, sondern werden für viel mehr geliebt und verehrt als nur ihren Klassiker Wild Thing. Dennoch sind ihre anderen Hits in der breiten Öffentlichkeit völlig in Vergessenheit geraten, zum Beispiel ihre dritte Single aus dem Jahr 1966 namens I Can’t Control Myself, mit der The Troggs damals ähnliche Erfolge feierten wie mit ihrem Signature-Hit. Pures 60s-Feeling.

10. The Creation – Making Time

Und zuletzt eine Band, die wirklich keine Sau mehr kennen würde, wäre da nicht dieser eine Song. Making Time von The Creation passt perfekt zum Sound von The Troggs oder Shocking Blue und es ist einfach nur jammerschade, dass aus The Creation nicht mehr geworden ist. Aber auch so gilt Making Time bei Liebhaber*innen von charmantem, charakterstarken 60s-Sound als absoluter Klassiker. Zum Beispiel bei Wes Anderson, der den Song in seinem Film Rushmore (1998) verwendete. Da ist diese Perle bestens aufgehoben.

Vergessene Supergroups der Rockgeschichte

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Zeitsprung: Am 2.12.1969 nehmen die Rolling Stones drei Klassiker auf.

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Foto: Stroud/Daily Express/Hulton Archive/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 2.12.1969.


von Frank Thießies und Christof Leim

Am 02. Dezember 1969 verschlägt es die Rolling Stones auf ihrer US-Tour in die Muscle Shoals Sound Studios nach Alabama. Die drei Songs, die sie dort in nur drei Tagen aufnehmen, fangen nicht nur perfekt den Country-, Blues- und Roots-Vibe des amerikanischen Südens ein, sondern bilden auch den ersten Grundstock an künftigen Klassikern für das im April 1971 veröffentlichte Album Sticky Fingers

Hier könnt ihr euch Sticky Fingers anhören:

Dass die Stones ein ausgemachtes Faible für die musikalische Ursuppe der USA hegen und somit eine große Liebe zu (Rhythm and) Blues, Country und Soul verspüren, hatten sie bereits auf Platten wie Beggars Banquet  (1968) und Let It Bleed (1969) mit ihrer Adaption des Ami-Sounds eindrucksvoll unter Beweis gestellt. Deshalb wäre es unverzeihlich gewesen, ein paar freie Tage während der US-Tour Ende 1969 nicht zu nutzen, um in den heiligen Hallen des Muscle Shoals Sound Studios Station zu machen.

Der Sound des Südens

Der Mythos des Örtchens Muscle Shoals geht bereits auf die frühen Sechziger zurück, als in den programmatisch benannten FAME Studios Stars wie Wilson Pickett, Percy Sledge, Etta James oder Aretha Franklin etliche Hits einspielen. Begleitet werden sie bei diesen Sessions von einer höchst patenten Backing-Band, der Muscle Shoals Rhythm Section, bestehend aus Keyboarder Barry Beckett (Keyboards), Schlagzeuger Roger Hawkins, Gitarrist Jimmy Johnson und Bassist David Hood (Vater des Drive-By Truckers-Bandleaders Patterson Hood). Diese Koryphäen sollten später auch als die Swampers bekannt und in Lynyrd Skynyrds Sweet Home Alabama mit den schönen Zeilen „Now Muscle Shoals has got the Swampers/And they’ve been known to pick a song or two“ bewundernd besungen werden. 1969 hatten sie just beschlossen, sich selbstständig zu machen und ihr eigenes Tonstudio zu gründen: die Muscle Shoals Sound Studios

Tradition verpflichtet

Als die Stones dort am 2. Dezember aufschlagen, fehlt von Produzent Jimmy Miller jede Spur, weshalb man kurzerhand Swamper Jimmy Johnson als Tontechniker vor Ort verpflichtet. Nachdem sich die Band warmgespielt hat, geht es ans Eingemachte: You Gotta Move, das Cover eines alten Spirituals, welches erst 1965 vom Blueser Mississippi Fred McDowell gecovert wurde, ist in dieser Umgebung natürlich Pflicht.

An den zwei darauffolgenden Tagen schließt sich die Kür an, zunächst in Form des kompositorisch hauptsächlich Mick Jagger zuzuschreibenden Brown Sugar, eine verschmitzt verschwitzte, funkige Ode an Heroin und die holde Weiblichkeit gleichermaßen. Für den finalen Abend der Aufnahmen glänzt Keith Richards mit einem weiteren künftigen Klassiker im Stones-Katalog – dem akustischen Wild Horses

Bis heute eine Reise wert

Während Wild Horses von Keith-Kumpel und Country-Rock-Vorreiter Gram Parsons und dessen Band, den Flying Burrito Brothers, bereits auf deren Album Burrito Deluxe (1970) unorthodoxerweise –  als bis dato unveröffentlichter Stones-Song gecovert wird, soll es noch bis zum April 1971 dauern, bis alle drei Stücke der Südstaaten-Session der Stones in voller Muscle-Shoals-Pracht auf dem Album Sticky Fingers erstrahlen. Nach den Stones machen in den Folgejahren unter anderen noch Rod Stewart, Bob Seger, Lynyrd Skynyrd und die Black Keys in den Studios halt. Und auch nach den Restaurationsarbeiten und der Wiedereröffnung 2017 nehmen in der Hausnummer 3614 Jackson Highway, die tagsüber zur Touristenattraktion und nachts abermals zum Tonstudio mutiert, heute wieder junge Rockhoffnungsträger wie jüngst die Rival Sons oder die Allman Betts Band auf.

Zeitsprung: Am 5.12.1968 feiern die Rolling Stones “Beggar’s Banquet” – mit einer Tortenschlacht.

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Popkultur

Komplex, überraschend, mitreißend: „Octopus“ der Prog-Legenden Gentle Giant wird 50!

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Gentle Giant
Foto: Jorgen Angel/Getty Images

Am 1.12.1972 veröffentlichten Gentle Giant ihr Album „Octopus“ — ein grandioses Werk zwischen Komplexität, Überraschung und Eingängigkeit.

 von Markus Brandstetter

Hier könnt ihr euch Octopus anhören:

Es gibt Alben, die schwere Geburten sind. Und es gibt Alben, bei denen von Anfang an alles rundzulaufen scheint — die Ideen, der Vibe, die Stimmung im Studio. Als Gentle Giant am 24. Juli 1972 ins Tonstudio gingen, um ihr viertes Album aufzunehmen, war zweiteres der Fall. „Ich erinnere mich, dass wir uns ziemlich sicher fühlten, als wir dieses Album aufnahmen”, erinnert sich  Gitarrist Gary Green in den Liner Notes der Neuauflage des Albums. „Wir hatten einen guten Haufen Melodien und unsere Studiotechnik (besonders die von Ray) wurde mit jeder Platte besser. Wir experimentierten weiter mit Instrumentenkombinationen, Sounds und Effekten und tauschten unsere Ideen mit dem Tontechniker Martin Rushent aus, der unsere verrückten Ideen voll und ganz unterstützte“.

Großes Selbstvertrauen, große Inspiration

Die Inspiration war so groß wie das Selbstvertrauen, die Band brauchte nicht lange, um dorthin zu kommen, wo sie hin wollte: Am 5. August 1972 waren die Aufnahmesessions schon wieder zu Ende. Herausgekommen ist in diesen wenigen, höchst kreativen Tagen dabei eines der komplexesten, vielschichtigsten und bemerkenswertesten Alben der Prog-Geschichte. Wohin die Reise auf Octopus gehen würde, macht bereits der Opener The Advent Of Purge klar. Extrem vielschichtig, vertrackt, überbordend vor Ideen und Richtungen. Octopus geht seinen eigensinnigen Weg zwischen Prog, Jazz und Klassik. Manchmal meint man auch, etwas Folk-Einflüsse durchzusehen. Es setzt auf Gesangsschichtungen, Kontrapunkte und überraschende  Wendungen, auf das Spiel mit Dissonanzen und Brüchen — nur um wenige Sekunden später wieder plötzlich völlig eingängig daherzukommen.

Literarische und philosophische Inspirationen

Natürlich musste das nicht nur musikalisch, sondern auch lyrisch Anspruch und einen roten Faden haben. So ließ man sich von literarischen und philosophischen Werken inspirieren — unter anderem von den französischen Schriftsteller François Rabelais und Albert Camus. Die Band selbst war zufrieden mit dem Ergebnis. „Octopus war wahrscheinlich unser bestes Album, mit Ausnahme von Acquiring the Taste vielleicht“, erklärte Gründungsmitglied und Multiinstrumentalist Ray Shulman einmal.

Zur Genese des Albums erzählt er: „Wir begannen mit der Idee, einen Song über jedes Mitglied der Band zu schreiben. Ein Konzept im Kopf zu haben, war ein guter Ausgangspunkt für das Schreiben. Ich weiß nicht, warum, aber trotz des Einflusses von The Who’s Tommy und Quadrophenia wurden Konzeptalben fast über Nacht plötzlich als langweilig und prätentiös empfunden.“ Dass die Platte Octopus heißt, soll der Ehefrau von Shulmans Bruder und Bandkollegen Phil Shulman geschuldet sein. Die brachte Octopus als Anspielung auf die Zahl acht (die Anzahl der Tracks) und das Wort Opus ins Spiel.

Ein geniales gut gealtertes Werk

Oft ist es bei Alben, die zu jener Zeit als avantgardistisch gelten ja so, dass man Jahrzehnte später bemerkt, dass sie irgendwie schlechter gealtert sind oder anachronistisch klingen. Bei Octopus ist dies nicht der Fall — das kreative Wagnis von Garry Green, Kerry Minnear, Derek, Ray und Phil Shulman sowie John Weathers klingt heute sogar noch überraschend frisch. Octopus quillt nur so über voller musikalischer Abenteuerlust — und klingt bei aller Raffinesse und allem Intellekt nie verkopft. Im Gegenteil: Manchmal, wie in „Dog’s Life“ geht es textlich geradezu leichtfüßig zur Sache.

2015 hat sich Prog-Superstar Steven Wilson der Platte angenommen und den Mix überarbeitet — so erstrahlte Octopus in Wilsons Remix/Remaster noch besserer Soundqualität. Aber in welcher Version auch immer: Octopus ist ein mitreißendes Abenteuer, das im Plattenregal jedes Prog-Fans stehen sollte. Octopus zeigt auch den besonderen Status, den Gentle Giant in der Proggeschichte haben. Sie wurden keine Superstars wie andere ihrer Kollegen und Kolleginnen — leider! — aber gelten als wichtiger Einfluss für viele Bands, die danach kamen.

Eine großartige Platte und eine unbedingte Empfehlung!

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Popkultur

„Happy Xmas (War Is Over)“: Wie der Protestsong zu einem Weihnachtsklassiker wurde

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John Lennon und Yoko Ono

„And so this is Christmas“: Man könnte mit dem Zitieren des Textes hier aufhören und hätte seinem Gegenüber bereits einen Ohrwurm verpasst. Längst ist der Song aus der Feder von John Lennon und Yoko Ono ein Klassiker in Sachen Weihnachts- und Protestsong – normalerweise nicht unbedingt miteinander verwandte Genres.

von Markus Brandstetter

Dabei sah es zumindest bei der Erstveröffentlichung in den USA zunächst nicht danach aus, als hätte man es hier mit einem zukünftigen Klassiker zu tun. Denn als Happy Xmas (War Is Over) am 1. Dezember 1971 in den Vereinigten Staaten erschien, schaffte der Song zunächst nur mäßige Chartplatzierungen. Gut, der Platz drei bei den Billboard Christmas Singles Chart mal ausgenommen. Das hatte einerseits damit zu tun, dass man Weihnachtssongs, zumindest damals, für gewöhnlich mit etwas mehr zeitlichem Vorlauf veröffentlichen sollte, andererseits schien auch die PR-Abteilung nur wenig motiviert.

Erfolg in Großbritannien

In Lennons Heimat Großbritannien sah das schon besser aus. Allerdings dauerte es bis zum Release dort eine ganze Weile. Aufgrund von einem Streit um Publishing-Rechte mit Northern Songs erschien der Song dort erst am 24. November 1972. Happy Xmas (War Is Over)  schaffte es bis auf Platz vier der Single-Charts, die Platte musste bald nachgepresst werden. Zunächst erschien der Song nur als Single, auf einem Album landete er erst 1975 – auf der Compilation Shaved Fish.

Ewiger Klassiker

Aber was macht Happy Xmas (War Is Over) so bemerkenswert und erinnerungswürdig? Den Slogan ansich hatten Lennon und Ono nicht erfunden, der tauchte bereits in anderen Stücken auf – bei The Doors und John Ochs. Lennon und Ono waren zu dem Zeitpunkt bereits bekannte Aktivist*innen, hatten mit den Bed-Ins, bei denen sie im Bett vor Medienvertreter*innen für den Weltfrieden demonstrierten, bereits für weltweite Aufmerksamkeit gesorgt. Lennon und Ono ließen in zwölf großen Städten Plakate mit den Worten „WAR IS OVER! If You Want It – Happy Christmas from John & Yoko“ errichten.

Bei dem Stück trifft eine eingängige, durchaus weihnachtstaugliche Melodie auf Sozialkritik. Diese kommt aber nicht von oben herab, sondern eher mit besorgt-freundlichem, sanft optimistischen Ton. Lennon wollte Kitsch vermeiden, aber die soziale Message in etwas Eingängiges packen. Es war Lennons und Onos Statement gegen den Vietnamkrieg, der noch bis 1975 wütete und viele Opfer fordern sollte. Man könnte sagen, der Song setzte dort an, wo Give Peace A Chance 1969 aufgehört hatte. „And so happy Christmas / For black and for white / For yellow and red ones / Let’s stop all the fights / A very merry Christmas / And a happy New Year / Let’s hope it’s a good one / Without any fears“ heißt es darin. Unterstützt werden Lennon und Ono gesanglich vom Harlem Community Choir, den Lennon für die Aufnahmen leitete.

Eigenleben

Happy Xmas (War Is Over), produziert von Phil Spector, nahm über die Jahre ein Eigenleben an. Es kam immer wieder in die Charts – die höchste Platzierung erfuhr es nach der Ermordung Lennons 1980 mit Platz zwei der britischen Single-Charts (Platz eins ging damals an Imagine). Er wurde tausende Male gecovert – von Celine Dion und Neil Diamond, von Carly Simon und REO Speedwagon, von Laura Pausini und Miley Cyrus, von Jimmy Buffett, John Legend und Jessica Simpson.

Längst gehört Happy Xmas (War Is Over) in den Kanon der Weihnachtsklassiker – und jener der Protestsongs. Man kann den Fokus beim Hören legen wie man möchte. Happy Xmas (War Is Over) funktioniert als nachdenklicher, altruistischer Weihnachtssong, als Statement gegen Krieg – und als ewig gültige und stets nötige Hoffnung, dass sich die Welt vielleicht doch ein Stück bessert.

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„Imagine“: Wie der kontroverse Song von John und Yoko zur Friedenshymne wurde

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