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Popkultur

10 Jahre „Blunderbuss“: Jack Whites erste richtige Feuertaufe

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Jack White
Foto: Theo Wargo/Getty Images

Zu zweit bei den White Stripes, als Band bei den Raconteurs: Bis 2012 hat Gitarrengottheit Jack White alle Konstellationen durchdekliniert und längst Musikgeschichte geschrieben. Nur ein richtiges Soloalbum fehlt ihm noch. Blunderbuss erscheint heute vor zehn Jahren – und wird zum Triumphzug eines einfallsreichen und von der Liebe gebrandmarkten Solitärs.

von Björn Springorum

 Hier könnt ihr euch Blunderbuss anhören:

2012 hat Jack White eigentlich alles erreicht, was man als US-amerikanischer Rockstar mit Mitte 30 erreichen kann. Zwischen 1997 und 2007 betreibt er mit seiner Exfrau Meg White eines der erfolgreichsten Duo-Unternehmen der Rockgeschichte. The White Stripes verhelfen dem Garage Rock zu einem Revival, spendieren den Fußballarenen der Welt mit Seven Nation Army die größte Hymne überhaupt, verkaufen Millionen Platten, bekommen reihenweise Grammys hinterhergeschmissen und bringen Detroits Musikerbe einmal mehr zum Glänzen. Ganz neben bei liefert er 2008 mit Alicia Keys das einzige Bond-Duett, gründet 2005 The Raconteurs und später The Dead Weather.

Fehlt nur noch der Alleingang

Alles, was ihm jetzt noch fehlt, ist ein wahrhaftiges Soloalbum. Das soll sich 2012 ändern. Was vor zehn Jahren unter dem Namen Blunderbuss erscheint, ist die Kulmination all dessen, was Jack White in den letzten 15 Jahren getan, aufgesaugt und gesagt hat. Typisch Jack White eben: Auch wenn seine Musik oft roh, unkontrolliert und improvisiert wirkt, ist hinter den Kulissen alles genauestens durchgeplant. Sein Solodebüt kommt keine Sekunde zu früh: White hat mittlerweile einen ikonischen Status als Musiker, Produzent, Plattenboss und Gitarrensammler. Wenn er spricht, das ist ihm klar, hört ihm die Welt zu.

Also schreibt er ein wuchtiges und dennoch vielschichtiges, anspruchsvoll komponiertes und dennoch eingängiges Album, auf dem er von Blues Rock über Country, Soul, Hip-Hop und Outlaw Folk so ziemlich alles abgrast, was ihm lieb und teuer ist. Blunderbuss schafft es sogar, Aromen von Bowie und den Beatles unterzubringen ohne dass man sofort daran erinnert wird. So ist das eben, wenn Musiknerds großes kompositorisches Talent besitzen. Entsprechend tobt sich White aus: Er nimmt rein weibliche und rein männliche Backing-Bands auf und untersucht, ob sie den Vibe eines Songs verändern; er befehligt eine ganze Armada an angeheuerten Musiker*innen; er lässt ständig etwas aufnehmen, während er wie besessen weiter komponiert.

Wu-Tang-Clan sei Dank!

Dass sich so viele musikbegabte Menschen in seiner Nähe aufhalten, ist in Nashville einerseits natürlich kein Zufall; andererseits liegt es an Wu-Tang-Clan-Mitglied RZA, der eine bereits gebuchte und geplante Aufnahmesession kurzfristig absagt. Und nach Hause will White die ganzen Leute jetzt auch nicht unbedingt schicken, so ganz unverrichteter Dinge. Also arbeitet er kurzerhand an eigenen Songs. Entsprechend lang liest sich die Credit-Liste der Platte. Außer White sind 18 Künstler*innen an den Aufnahmen beteiligt.

Geschrieben und aufgenommen in seinem Third Man Studio in Nashville, Tennessee, ist Blunderbuss lyrisch gesehen ein Album des Todes. Der Tod, er zieht sich als schwarzer Faden durch die Stücke, es geht um Verlust, um Abschied, um Trennung und um Auflösung im Nichts. Nicht wenige interpretieren sein Solodebüt deswegen als Scheidungsalbum: Erst im Juni 2011 gaben White und Karen Elson bekannt, sich scheiden lassen zu wollen – fette Scheidungsparty inklusive.

Kontroverses Frauenbild

Die entsprechende Kontroverse ließ nicht lang auf sich warten: White wurde eine herabwürdigende Haltung gegenüber Frauen vorgeworfen. Das muss man sich natürlich näher ansehen und ist nicht so ohne Weiteres aus der Welt zu schaffen. Was aber auffällt, ist, dass White sowohl männliche als auch weibliche Figuren nicht gerade vorteilhaft zeichnet und sich eher auf Unterschiede zwischen den Geschlechtern festlegt – bestimmt nicht völlig frei von seiner zurückliegenden, in die Brüche gegangenen Beziehung.

Den Erfolg des Albums kann das nicht verhindern. Blunderbuss hievt sich aus dem Stand auf die Eins der US-Billboard-Charts, mehrere Grammy-Nominierungen und viel Lob von der Fachpresse. Zu Recht, wie wir auch zehn Jahre später finden: Der lockere Swagger und Groove von Sixteen Saltines erinnert überdeutlich an die seligen White Stripes, die nonchalante Coolness von Love Interruption hat bis heute niemand besser hinbekommen und der Japan-Bonustrack Love Is Blindness ist an Drama und Verve nicht zu überbieten. Vielleicht ist der Nachfolger Lazaretto etwas stringenter, mehr aus einem Guss. Dafür ist Blunderbuss ein Zeugnis seines eklektischen Genies. Und eines der beeindruckendsten, ausgereiftesten Solodebüts der Rockgeschichte.

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Popkultur

Apple Boutique: Vor 55 Jahren versuchen sich die Beatles erfolglos als Einzelhändler

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Apple Boutique
Foto: Evening Standard/Hulton Archive/Getty Images

Selbst in Sachen Einzelhandel waren die Beatles ihrer Zeit voraus: Ihre Apple Boutique in London kann als Vorläufer des modernen Concept Stores gelten. 1967 ging diese Rechnung aber noch nicht auf – und die Beatles verloren Millionen.

von Björn Springorum

Das wilde Jahr 1967 neigt sich dem Ende zu. Die psychedelische Rockmusik ist diesseits und jenseits des Atlantik explodiert, The Doors, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, The Byrds und Cream haben wegweisende Alben veröffentlicht. Getoppt wird das Ganze – natürlich – von den Beatles, die mit Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band eines der besten Alben aller Zeiten veröffentlicht haben.

Ein psychedelischer Garten Eden

Im Sommer läuft in ganz London gefühlt kein anderes Album, 23 Wochen lang behauptet es sich an der Spitze der britischen Charts. Den Summer of Love verbringen die Beatles mit Filmprojekten und ihrer Reise ins indische Bangor, bis der Tod von Brian Epstein am 27. August 1967 alle rosaroten Wolken platzen lässt. Hinter den Kulissen sind aber längst Dinge im Gange, die die Band auch ohne ihren Manager und Mentor weiterlaufen lässt – der Flop-Film Magical Mystery Tour und ihr eigener Store, die Apple Boutique.

Die soll laut Harrison ein „psychedelischer Garten Eden“ sein und erstreckt sich auf drei Stockwerke. Hinter dem grandiosen Street-Art-Bild auf der Fassade steckt das niederländische Designkollektiv The Fool, die George Harrisons Frau Pattie Boyd der Band vorgestellt hat. Schon in den Monaten vor der Eröffnung der Boutique gestalten The Fool Artworks, Outfits, Sets und Instrumente für die Beatles, für aus heutiger Rechnung über 1,5 Millionen Euro verwandeln sie die Fassade des historischen Townhouses in der Baker Street 94 an zwei Novembertagen in ein psychedelisches Kunstwerk.

Bowie und Clapton kommen zur Eröffnung

Mit dem Store dahinter versuchen die Beatles, den Einzelhandel ebenso zu revolutionieren wie die Musik. Ihr sehr visionäres Konzept: Alles, was es in diesem Laden gibt, steht zum Verkauf. „Ein hübscher Ort, an dem hübsche Menschen hübsche Dinge kaufen können“, so beschreibt Paul McCartney das Konzept, das man von zeitgeistigen Concept Stores kennt. An der Baker Street im Jahr 1967 ist das neu.

Der Laden öffnet am 7. Dezember 1967 erstmals seine Tore. Schon zwei Tage zuvor laden John Lennon und George Harrison zu einer Launch Party, bei der zwar Paul McCartney und Ringo Starr fehlen (sie weilen in Liverpool respektive Rom), aber dafür jede Menge Berühmtheiten und Bohemiens in das psychedelische Wunderland strömen, um Kleidung, Accessoires, Bücher und Schmuck zu bestaunen – darunter David Bowie, Eric Clapton und Harrisons Frau Pattie Boyd.

Getrunken wird Apfelsaft

Auf den Einladungen steht geschrieben: „Kommt um 7:46. Modenschau um 8:16.“ Und zumindest zur Eröffnungsparty kommen sie. The Fool, die auch viele Designs für die Beatles, die Hollies oder Procol Harum realisiert haben, ziehen wie ein psychedelischer Wanderzirkus mit Instrumenten durch die Boutique, alle schlürfen Apfelsaft, weil der Store keine Schanklizenz hat. Vielleicht gibt es andere Dinge zum Konsumieren… Es ist ja immerhin 1967.

Apple Boutique

Foto: E. Milsom/Evening Standard/Hulton Archive/Getty Images

Zwei Tage später eröffnet die Boutique offiziell, gemanaged von Lennons Freund Peter Shotton und Pattie Boyds Schwester Jenny Boyd. Doch die Sache wird zum legendären finanziellen Desaster. Taschendiebstähle geraten außer Kontrolle, selbst Angestellte stecken sich reihenweise Sachen ein, so wirklich weiß niemand, womit die Kunden den Laden betreten oder wieder verlassen haben. Zur Anzeige gebracht wird kein Diebstahl: Das passt einfach nicht in den Freigeist des Konzepts.

Antikapitalistische Einzelhändler

Auch sonst läuft es schleppend: Baker Street ist einfach zu weit vom Londoner Mode-Epizentrum entfernt, die Apple Boutique fährt hohe Verluste ein. Mitte 1968 sind das schon mehr als 200.000 Britische Pfund (heute mehr als vier Millionen Euro) und die Beatles entscheiden, den Laden am 31. Juli 1968 – kein Jahr nach der Eröffnung – zu schließen. Für McCartney ist der Shop dennoch ein Erfolg. „Den größten Verlust machten wir damit, alles zu verschenken“, sagt er in einem Statement zur Schließung. „Aber das war unsere freie Entscheidung. Wir wollten verschenken, nicht verkaufen.“

Die wahren Gründe liegen natürlich auch darin, dass die Beatles keine Geschäftsleute sein wollen. Sondern Musiker, Filmemacher, Entertainer. Am Tag der Schließung öffnen die Beatles die Boutique ein letztes Mal für die Menschen, die zu Hunderten gierig in den Laden strömen, sich alles unter den Nagel reißen und Randale machen. Die Polizei muss eingreifen und beendet dieses abstruse Kapitel der Beatles-Geschichte relativ unrühmlich.

Schon im Mai 1968 hatte man die Fassade weiß übermalt und das Wort Apple kursiv darauf geschrieben – ein ähnlich drastischer Übergang wie bei den Artworks von Sgt. Pepper’s und The Beatles. 1974 wird das Gebäude abgerissen. Aber da gibt es die Beatles schon lange nicht mehr.

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Wie „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ die Musikwelt veränderte

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Popkultur

Zeitsprung: Am 7.12.1949 kommt Sänger und Songwriter Tom Waits zur Welt.

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Foto: Michael Ochs Archives/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 7.12.1949.


von Frank Thießies und Christof Leim

Am 7. Dezember 1949 erblickt der Sänger und Songwriter Tom Waits das Licht der Welt. Mit seiner knurrenden Charakterstimme und ebenso knarzigen Songs begeistert der kauzige Kalifornier seit den frühen Siebzigern. Wir gratulieren dem amerikanischen Unikat und Genre-Grenzgänger zum Geburtstag!

Hier könnt ihr euch Tom Waits’ Debütalbum Closing Time (1973) anhören:

1949 in Pomona, Kalifornien als Thomas Alan Waits und Sohn eines Lehrerehepaars geboren, verschlägt es den jungen Mann nach kurzem Liebäugeln mit einem Studio der Fotografie im Alter von zwanzig Jahren nach San Diego. Fasziniert von der dortigen Folk-Szene nimmt er in einem Kaffeehaus-Club namens Heritage einen Aushilfsjob als Türsteher an, beginnt dort aber auch an seinem eigenen Bühnenrepertoire zu feilen, welches anfänglich noch hauptsächlich aus Covermaterial und kruder Comedy besteht. Sein beachtliches Talent als Songschreiber führt ihn in Folge jedoch schnell über die limitierend kleine San-Diego-Szene hinaus und dorthin, wo es alle verlorenen Künstlerseelen hinzieht: nach Los Angeles.

Bukowski am Bar-Piano

Bei einer Open-Stage-Nacht in Doug Westons renommierten Schuppen Troubadour in West Hollywood wird Waits 1972 entdeckt und ergattert zunächst einen Job als Songwriter bei Frank Zappas Plattenfirma Bizarre Records. Nur kurze Zeit später hat er einen eigenen Plattenvertrag bei David Geffens Asylum Records in der Tasche. Waits Debüt Closing Time erregt 1973 jedoch nur wenig Aufsehen in der breiten Öffentlichkeit. Dafür erkennen (nicht nur) die Eagles die Qualität von Komposition wie Ol’ 55. Ihr Cover der Waits-Nummer auf dem Album On The Border ein Jahr darauf sichert dem jungen Künstler zumindest die finanzielle Annehmlichkeit in Form von Tantiemen-Zahlungen. In seiner späteren Karriere werden Waits’ Lieder noch oft von anderen Leuten neu aufgelegt werden; Rod Stewarts Fassung von Downtown Train etwa ist legendär.

Ist Waits‘ Debüt noch von einem Folk-Vibe beseelt, bewegen sich die Folgewerke in den Siebzigern noch stärker zwischen verrauchtem Bar-Jazz, Charles Bukowski und Beat-Poeten wie Jack Kerouac, die Waits schon länger bewundert. Sich selbst mit Schiebermütze oder Trilby, ewigem Glimmstängel und Spitzbärtchen zu einem glamourösen, versoffenem Gossen-Troubadour stilisierend, klingen Waits‘ Alben, als könnten sie die Jukebox in Edward Hoppers berühmten Gemälde Nighthawks bestücken. 

Gekappte Wurzeln

Die künstlerische und private Kehrtwende erfolgt schließlich mit dem Dekadenwechsel: Im August 1980 heiratet der Sänger Kathleen Brennan, die künftig auch in kreativer Hinsicht seine Stütze und Partnerin wird. Das 1983 veröffentliche Album Swordfishtrombones, welches er mit Brennan schreibt und produziert, stößt die Tür zu einer zuweilen herrlich unkonventionellen, so experimentellen wie kaputten Klangwelt auf, die fortan zu Waits‘ musikalischem Markenzeichen werden soll. Mit der Trennung von seinem Management und der alten Plattenfirma stehen alle Zeichen auf Neuerfindung.

Zum erweiterten Repertoire des Sängers und Geschichtenerzählers zählt bald auch die Schauspielerei. So spielt er zu Beginn der Achtziger gleich in drei Filmen von Francis Ford Coppola (Rumble Fish, Die Outsider, Cotton Club) kleine, aber höchst überzeugende (Neben-)Rollen und brilliert in Jim Jarmuschs Down By Law 1986 an der Seite Roberto Benignis. Die Nebentätigkeit als Schauspieler hält er sich bis heute warm. Unlängst war Waits in dem Anthologie-Western der Coen Brüder The Ballad Of Buster Scruggs noch in einer Paraderolle als verschrobener ergrauter Goldgräber zu bewundern. Darüber hinaus wirkt Waits seit Ende der Achtziger auch auf der Theaterbühne: Mit Regisseur Robert Wilson realisiert er Stücke wie The Black Rider oder das auf Alice im Wunderland basierende Alice.

Waits, der Eremit 

Mit Beginn der Neunziger werden die klassischen Albumveröffentlichungen von Waits  sporadischer. Mule Variations (1999), das Doppelwerk Blood Money und Alice (2002) oder Real Gone (2004) lassen jedoch nichts vom musikalischen Pioniergeist vermissen, der Waits zwischen Americana- und Roots-Musik, gehusteter Folklore und Vaudeville sowie avantgardistischer Klangkunst heimisch geworden zeigt. Seine letzte Plattenveröffentlichung (Stand 2019) namens Bad As Me datiert auf das Jahr 2011 zurück. Womit so langsam eigentlich mal wieder Nachschub fällig wäre aus dem Hause Waits/Brennan. Doch das soll von Waits‘ Ehrentag nicht abhalten. Und so darf man heute gern ein bisschen tiefer in die Sakko-Tasche greifen und eine extra große Portion Konfetti herausfischen, während man auf dem rostigen Eisenbahnschienen für Tom Waits ein staubiges „Happy Birthday“ steppt. Herzlichen Glückwunsch.

Zeitsprung: Am 14.7.2015 erlebt Nick Cave eine Tragödie & verarbeitet sie mit Musik.

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Protected: „White Christmas“, „All I Want For Christmas Is You“ und mehr: Verrückte Fakten zu den größten Weihnachtssongs

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Mariah Carey
Foto: Gilbert Carrasquillo /Getty Images

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