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Popkultur

10 Songs von PJ Harvey, die man kennen sollte

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PJ Harvey
Foto: Ian Gavan/Getty Images

Polly Jean Harvey zählt zu den besten Songwriter*innen der letzten 30 Jahre. Das ist keine Meinung, sondern institutionell verbürgt: Als einzigem Act überhaupt gelang es ihr, zwei Mal den Mercury Prize zu gewinnen, den wichtigsten Musikpreis ihrer britischen Heimat.

von Michael Döringer

Seit dem ungezähmten Alternative-Sound ihrer Anfangstage ist viel passiert und mit jedem Album konnte PJ Harvey ihren Sound wieder ein wenig neu erfinden. Einen solchen Spannungsbogen über eine so lange Karriere aufrecht zu erhalten, gelingt nur selten. Wo soll man anfangen, wo weitermachen? Wir haben ihr Werk in 10 Songs zusammengefasst.

1. Sheela-Na-Gig (von Dry, 1992)

Dass PJ Harvey eine der talentiertesten Songwriterin der 1990er-Jahre werden würde, war schon auf ihrem Debütalbum offensichtlich. Sheela-Na-Gig war ihre zweite Single und bringt den Sound der frühen Harvey auf den Punkt: Irgendwo zwischen Post-Punk und Blues-Rock fährt sie emotional-nervöse Geschütze auf, in denen sie zwar nicht so vordergründig politisch wird wie die in den USA gleichzeitig stattfindende Riot-Grrrl-Bewegung, aber ganz klar auf weibliche Konventionen abzielt. PJ Harvey praktiziert Ermächtigung – das empfinden viele befreiend, und manche natürlich als unbequem.


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2. Rid Of Me (von Rid Of Me, 1993)

Rid Of Me führt den Sound des Debüts fort. Harvey und ihre Band (die ersten beiden Alben entstanden in Trio-Besetzung mit Drummer Rob Ellis und Bassist Steve Vaughan) bekamen im Studio Unterstützung von Steve Albini, der mit seiner extrem dynamischen Produktion den Songs noch mehr Kante, noch mehr Intensität verlieh. Der Titelsong ist das beste Beispiel dafür, wie gut PJ Harvey auch darin ist, eine Spannung aufzubauen, die unweigerlich zur Eruption führt, und wie leicht sie sich damit tut, auch ohne konventionelle Songstrukturen eine rockige Dramaturgie zu erzeugen.

 3. Down By The Water (von To Bring You My Love, 1995)

To Bring You My Love markiert PJ Harveys Durchbruch im Mainstream und Down By The Water ist einer ihrer bekanntesten Songs. Auf diesen Song in einer Playlist ihrer Songs zu verzichten, wäre so, als würde man in einer Biographie von Leonardo da Vinci die Mona Lisa nicht erwähnen, kommentiert die Zeitung The Guardian dieses Meisterwerk. Der Song erzählt von einer Mutter, die ihre Tochter in einem Fluss ertränkt, eine brummende Orgel und ein gespenstisches Cello machen deutlich, dass PJ Harvey längst größere Ambitionen als aggressiven Alternative-Rock hat. Die Vergleiche mit Nick Cave waren mehr als angebracht.

4. Civil War Correspondent (von Dance Hall At Louse Point mit John Parish, 1996)

Ihr nächstes Solowerk schob Harvey auf und veröffentlichte zunächst ein gemeinsames Album mit John Parish, der schon bei der Produktion von To Bring You My Love half. Doch die Platte war mehr als nur eine Kollaboration, und schon gar nicht Parishs Album, auf dem Harvey nur gastierte: Sie schrieb alle Texte, übernahm die Co-Produktion und machte mit Vocals wie denen von Civil War Correspondent so gut wie jeden Song zu ihrem eigenen. Musikalisch entsteht durch Parishs ästhetische Vorlieben ein spannender Mix, der dieses Album zu einem wichtigen Eckpunkt in Harveys Diskografie macht.

5. Angelene (von Is This Desire?, 1998)

Harveys viertes Studioalbum Is This Desire? entstand während einer Phase der Isolation in ihrem Heimatort, der kleinen Stadt Yeovil im englischen Süden. Sie zog sich zurück vom Tourstress, der vielen Aufmerksamkeit und musikalischen Trends, und das hört man auf dieser Platte: Subtil instrumentiert erkundet sie die Möglichkeiten des literarischen und narrativen Songwritings. Mit Songs wie Angelene ist Is This Desire? vielleicht der beste Einstieg für alle, die eine ruhige und schwelgerische Atmosphäre bevorzugen, in der dennoch Feuer und Bedeutung brodeln.

6. The Mess We’re In (von Stories From The City, Stories From The Sea, 2000)

Es fühlt sich ein bisschen ungerecht an, ausgerechnet dieses Duett mit Thom Yorke stellvertretend für Harveys definitives Pop-Album zu wählen, denn es gibt so viele tolle Songs, mit denen sie auf dieser von New York City beeinflussten Platte allein im Rampenlicht steht: das treibende Good Fortune, das noch rockigere This Is Love. Der Radiohead-Frontmann färbt typisch bedrückend/beglückend auf die Stimmung von The Mess We’re In ab, im Klagen und Murmeln der beiden entsteht einer der besten weil stolzesten Trennungssongs, die je geschrieben wurden.

7. Shame (von Uh Huh Her, 2004)

Oh oh, sie schon wieder – so kann man den Titel von Harveys nächstem Album verstehen. Es drückt die latente Antihaltung aus, mit der PJ Harvey sich in ihrer Karriere oft konfrontiert sah. Mit ihrer ständigen Neuerfindung entzog sie sich immer wieder einfachen Zuordnungen und provozierte als immer unabhängiger agierende Künstlerin die ganze Industrie. Harvey gehört alleine deshalb zu den ganz Großen, weil sie nie eine – keine einzige – schwächere Platte gemacht hat. Auf Uh Huh Her wurden ihre Songs nach Stories wieder düsterer und roher, Shame brummt und galoppiert mit Folk- und Grunge-Elementen in ein weites, offenes Feld, das sie auf späteren Alben noch genauer erkunden sollte.

8. White Chalk (von White Chalk, 2007)

Zunächst schlug sie allerdings wieder einen unerwarteten Haken: White Chalk steht ganz im Zeichen britischer Folk- und Gothic-Romantik. Auf dem Cover wirkt sie wie ein bleicher Geist, doch in den Songs und leisen Balladen fließt pochend das Blut, auch wenn sie noch so zart und zurückhaltend mit Klavier und sanften Gitarrenstreichern instrumentiert sind. Es ist eines der Alben, auf denen sie eine vollendet erzählte kleine Welt entstehen lässt.

9. The Last Living Rose (von Let England Shake, 2011)

Auf Let England Shake zeigt PJ Harvey erneut, wie wandelbar und erfindungsreich sie als Künstlerin und Songwriterin ist, wie sie sich scheinbar mühelos neuen großen Themen annehmen kann. Hier nimmt sie das Verhältnis zu ihrem Heimatland unter die Lupe und macht daraus ein Konzeptalbum über den Ersten Weltkrieg. Das Album ist voller tragisch-schöner Anti-Nationalhymnen, die politische Fragen unter historischem Deckmantel stellen. Und Harvey schafft es auch noch, sich dabei selbst zu zitieren – The Last Living Rose erinnert in seiner musikalischen Unbekümmertheit an ihre frühen Jahre.

10. The Sandman feat. Gillian Anderson (von All About Eve OST, 2019)

Auf ihrem bis dato letzten Studioalbum The Hope Six Demolition Project (2016) entwickelte Harvey das historisch-politische Konzept von Let England Shake brillant weiter. Eine ihrer aktuellsten Veröffentlichung ist aber der Soundtrack zur Bühnenadaption des Filmklassikers All About Eve. Für zwei der Songs, unter anderem The Sandman, ließ Harvey die Vocals von den Hauptdarstellerinnen Lily James bzw. hier Gillian Anderson einsingen. Einfach wundervoll. Ein neues Album von PJ Harvey ist zur Zeit noch nicht angekündigt, doch solche dramatisch inspirierten Auftragsarbeiten – zuletzt auch für die TV-Serie The Virtues – zeigen, wo die Reise hingehen und wie viel Talent hier immer noch entfesselt werden kann.

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Das Duett: 10 schlagkräftige Argumente für die Sonderform des Pop-Hits

Popkultur

Zeitsprung: Am 5.7.1954 nimmt Elvis Presley seinen ersten Hit „That’s All Right“ auf.

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Michael Ochs Archives/Getty

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 5.7.1954.

von Tom Küppers und Christof Leim

Natürlich spielt Gevatter Zufall auch im Rock’n’Roll eine wesentliche Rolle. Selbst Elvis Presley, der „King“ höchstselbst, verdankt seinen Karrierestart einem kurzen, absolut ungeplanten Moment…

Hier könnt ihr euch zur Lektüre die Nummer und andere Elvis-Klassiker anhören:

Sam Phillips ist ein umtriebiger Geschäftsmann. Unter dem Banner Sun Records veröffentlicht er Anfang der Fünfziger Tonträger von Künstlern wie B.B. King oder Howlin’ Wolf und betreibt auch das dazugehörige Aufnahmestudio. Schnell kommt er auf die Idee, dieses auch Hobbymusikern zugänglich zu machen, die dann beispielsweise ihren Gesang auf einem rasch gepressten Acetat-Tonträger mit nach Hause nehmen können. Das gefällt auch dem gerade mal zwanzig Jahre jungen Elvis Aron Presley. Der kommt eines Tages in das Studio und möchte als Geburtstagsgeschenk für seine Mutter zwei Songs aufnehmen. Der Kunde ist König, Elvis bekommt seine Platte. Vor allem aber ist Parker recht angetan von dem, was er hört, und lädt den jungen Musiker zu weiteren Aufnahmen ein. 

Zunächst springt der musikalische Funke nicht richtig über, dann hat der Legende nach Parkers Sekretärin Marion Keisker den Geistesblitz, Presley mit dem Gitarristen Scotty Moore bekannt zu machen. Die erste Reaktion des erfahrenen Musikers ist pures Gold: „Elvis Presley? Was zum Geier soll denn das für ein Name sein?“ Nach einer gemeinsamen Probe ändert sich seine Meinung, umgehend wird für den 5. Juli 1954 eine weitere Aufnahmesession angesetzt. Doch die angedachten Interpretationen zeitgenössischer Pop-Hits zünden nicht wirklich. 

Während der Rest der Anwesenden während einer Pause ratlos dreinblickt, schnappt sich Elvis einfach eine Gitarre und beginnt, eine flotte Version von That’s All Right zu singen, einen Proto-Blues von Arthur Crudup. Später wird Presley erzählen, dass er eigentlich lediglich einmal kurz den Clown geben wollte, um die Stimmung aufzuheitern. Kontrabassist Bill Black steigt allerdings zupfenderweise auf den Witz ein, und da geht Parker plötzlich ein Licht auf: Das ist genau der neue Sound, nach dem alle suchen, und er hat ihn gerade eben gefunden. Moore stürzt zurück in den Aufnahmeraum, sucht ein paar Akkorde zusammen, und fertig ist die Nummer. 

Drei Tage später läuft That’s All Right dann zum ersten Mal im Radio bei Sendern, die Philipps mit einer Vorabpressung versorgt hat. Der Erfolg lässt nicht lange auf sich warten; in einem Studio glühen die Telefone solange, bis sich der DJ genötigt sieht, die Platte während seiner zweistündigen Show immer und immer wieder aufzulegen. Elvis wird sogar zu einem Liveinterview eingeladen.

Am 19. Juli 1954 steht That’s All Right dann als Single in den Läden mit Blue Moon Of Kentucky als B-Seite, den die drei Musiker auf ähnliche Weise eingespielt hatten: Gesang, Gitarre, Bass, fertig. Und damit beginnt eine bis heute unvergleichliche Weltkarriere.

Und das soll alles darauf basieren, das Presley nur mal kurz einen Witz reißen wollte? Ein paar Jahre vor seinem Tod beantwortet Scotty Moore genau diese Frage mit einem Lachen im Gesicht und einem eindeutigen „Absolut!“ Manche Geschichten kann man sich echt nicht ausdenken…

Zeitsprung: Am 26.8.1969 kann Elvis Presley auf der Bühne nicht aufhören zu lachen.

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Popkultur

Sex, Prügel, Mordversuche: Vor 40 Jahren heiraten Ozzy und Sharon Osbourne

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Sharon & Ozzy Osbourne
Foto: Dave Hogan/Getty Images

Wie die Ehe zwischen zwei absolut unberechenbaren Neurotiker*innen wie Ozzy und Sharon Osbourne wohl so verläuft? Heftiger und exzessiver als sich das jede*r von uns vorstellen kann. Chronik einer sehr wilden Ehe.

von Björn Springorum

Im April 1979 wird Ozzy Osbourne nach katastrophalen Konzerten und unproduktiven Studioaufenthalten bei Black Sabbath vor die Tür gesetzt. Für ihn ist die Sache klar: Ihr Manager Don Arden braucht nur einen Sündenbock, erwischt hat es eben ihn. Arden, ein kompromissloser, brutaler Typ mit Mafiamethoden und einer langen Liste von Feinden und Kontroversen, lenkt damals schon seit einigen Jahren die Geschicke der Band. An der Rezeption sitzt damals seine Tochter Sharon Arden.

Liebe auf den ersten Kick

Auf die hat Ozzy schon seit Beginn der Siebziger ein Auge geworfen, bekommt es jedoch irgendwie hin, die Beziehung die ganzen Jahre über professionell zu halten – und das in einem Jahrzehnt, in dem man sich durchaus fragen kann, wie ein Begriff wie „professionell“ überhaupt in Ozzys Habitus passt. Vielleicht liegt es ja daran, dass er davon ausgeht, sie hielte ihn für einen „Wahnsinnigen“, wie er mal recht luzide reflektierte.

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Damals weiß er noch nicht, dass seine Zukünftige aus dysfunktionalen Verhältnissen stammt: Ihr Vater ist gewalttätig, sie ist oft Zeugin seiner Ausraster, als eine sehr junge schwangere Sharon Osbourne mal ihre Mutter besucht, ruft die ihre aggressiven Hunde nicht zurück, die über ihre Tochter herfallen. Sie verliert das Kind. So ein Ozzy auf welcher Droge auch immer wirkt im Gegenzug eher wie ein Spaziergang.

100.000 Pfund für Drogen

Obwohl Arden den Sänger gefeuert hat, nimmt er ihn auf sein Label Jet Records und entsendet seine Tochter Sharon nach Los Angeles, um dessen Solokarriere aufzubauen. Dort hat sich Ozzy mit seinen rund 100.000 Pfund Anteilen am Namen Black Sabbath (heute wären das über eine halbe Million Pfund) zurückgezogen, um in Frieden alles für Drogen und Suff auszugeben – „bevor ich zurück nach Birmingham kehren und mich arbeitslos melden würde“, so erinnert er sich. Ein folgenschwerer Fehler für den ach so taktierenden Manager: Die beiden verlieben sich, formen eine gemeinsame Front gegen Arden, der daraufhin schwere Geschütze auffährt, um die beiden auseinanderzubringen.

Ozzys erste Frau

Don Arden raubt seine Tochter aus, versucht sie umzubringen und erzählt Ozzy einmal sogar, dass seine Tochter ihren eigenen Vater verführen wollte. Familien… Man kann sie sich eben nicht aussuchen. Ozzy und Sharon bleiben stark, aber da gibt es natürlich noch ein anderes Problem: Ozzy ist seit 1971 mit einer gewissen Thelma Riley verheiratet, die beiden haben sogar zwei Kinder. Um den Weg für die neue Liebe frei zu machen, lässt sich Ozzy 1982 von Riley scheiden und tritt am 4. Juli 1982 mit Sharon Arden vor den Traualtar. Natürlich darf man sich fragen, wie die beiden jemals auch nur annehmen konnten, eine ruhige, harmonische Ehe zu führen, aber es ist natürlich nicht an uns, das zu beurteilen.

 

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Während Ozzy sehr bald danach wieder in einem Schleier aus Drogen und Alkohol durch die Welt stolpert und Sharon Osbourne in ihrer neuen Rolle als Managerin mehr und mehr wird wie ihr brutaler Vater, ist zumindest ihr Hochzeitstag eine romantische Sache: Ozzy im weißen Anzug, mit Fliege und Lorbeerkranz (wie ein römischer Kaiser), Sharon im weißen Kleid mit Schleier. Weiß, die Farbe der Unschuld… Das kommt schon 1982 nicht mehr hin.

Keine großbusige Beutefrau

Was folgt, wissen wir alle: eine wilde Ehe voller Exzesse, Streitereien und physischer Gewalt. Sie überfährt ihn mit dem Auto, er sie mit dem Rasenmäher, 1989 versucht er nach vier Flaschen Wodka, sie zu erwürgen. Dafür kommt er sogar ein paar Monate in den Knast. Sharon hält zu ihm. Die ganze Zeit. 2016 trennen sie sich zwar kurz, als Ozzys Affäre mit der Haarstylistin Michelle Pugh ans Licht kommt, doch nach Dutzenden Affären ist Sharon wohl abgehärtet, schon im Jahr darauf sind sie wieder zusammen. Und nicht nur das: Sie baut ihn über die Jahre zum Nationalheiligtum auf, zur bekanntesten Marke im Heavy Metal. Für Ozzy, klar. Aber auch für sich selbst. „Ich hörte damals immer nur: Ihr werdet das nie schaffen“, erinnerte sie sich mal. „Alle sahen ihn eher mit einer großbusigen Beutefrau, doch er bekam mich: eine kleine, fette, haarige Halbjüdin. Ich musste sehr viel kämpfen.“

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Mittlerweile haben es sogar die beiden geschafft, ihre Ehe in ruhigere Fahrwasser zu steuern. Zu ihrem 40. Hochzeitstag werden die beiden ihr Eheversprechen erneuern – das zweite Mal nach 2017. Und sich dann auf ihren Umzug zurück nach England vorbereiten. Happy anniversary!

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Popkultur

Zeitsprung: Am 4.7.1934 kommt DJ-Legende Mal Sondock zur Welt.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 4.7.1934.

von Timon Menge und Christof Leim

Er gilt als „Vater aller Discjockeys“, zumindest in Deutschland. In den Sechzigern und Siebzigern moderiert er die Diskothek im WDR, in den Achtzigern folgt Mal Sondocks Hitparade. Am 4. Juli hätte Mal Sondock seinen Geburtstag gefeiert. Werfen wir einen Blick auf das Leben des Amerikaners, der das deutsche Radio revolutionierte.

Hört euch hier Hey, Annabella Susann von Mal Sondock an:

Es gab eine Zeit in der Welt des Musikhörens, von denen Eltern ihren Kindern heute bloß noch erzählen können. YouTube und Spotify waren noch nicht erfunden, MP3-Dateien ebenfalls nicht. Ja, sogar die Entwicklung der CD lag noch in weiter Ferne. Wir sprechen von einer Zeit, in der man genau vier Möglichkeiten hatte, neue Musik zu entdecken: per Blindkauf, per Fachpresse, per Freundeskreis oder per Radio. Letzteres Medium prägt in Deutschland vor allem ein Mann: Mal Sondock.

Zur Welt kommt Malcolm Ronald „Mal“ Sondock am 4. Juli 1934 in Houston, Texas. Gemeinsam mit einer Schwester wächst er als Sohn eines Zahnarztes auf. Bereits im Alter von 17 Jahren arbeitet er als Discjockey in Oklahoma City, während der College-Zeit heuert er bei mehreren Radiosendern und einer Plattenfirma an. 

1957 verschlägt es Sondock nach Deutschland. Als amerikanischer GI lebt er in Frankfurt am Main, Bremerhaven und München. Um seinen Sold von 75 US-Dollar aufzubessern, organisiert er Tanzveranstaltungen, bei denen er nicht, wie sonst üblich, eine Musikgruppe aufspielen lässt, sondern Schallplatten auflegt. Heute sagt man, dass es sich bei diesen Partys um die ersten Diskotheken Deutschlands gehandelt haben muss. 

Sondock kommt auf den Geschmack und bewirbt sich bei der ARD. Von dort aus landet er beim WDR, zunächst als Urlaubsvertretung für den Briten Chris Howland alias Mr. Pumpernickel. Ab 1961 moderiert Sondock die Montagnachmittagsmelodie, ab 1966 den Diskothekenbummel, aus dem sich 1967 die Sendung entwickelt, mit der er Radiogeschichte schreiben soll: Diskothek im WDR.

Ein großer Teil des Erfolgsrezeptes: Sondocks bescheidene Art. So garniert er seine Sendungen mit selbstironischen Sprüchen wie: „Weil er Deutsch nicht reden kann, schleppt er noch mehr Platten an.“ Er gilt aber auch als Arbeitstier. Laut eigener Aussage hört er für eine bis zwei Sendestunden sechs Tage pro Woche Musik, vier bis fünf Stunden täglich. Oft spielt er die kommenden Hits zum ersten Mal, manchmal sogar als Weltpremiere.

Revolutioniert über Dekaden hinweg das deutsche Radio: Mal Sondock

Ganze 13 Jahre lang bleibt Sondock mit dem beliebten Format auf Sendung und prägt drei bis vier Generationen an Musikhörern. Anders gesagt: Was er nicht spielt, ist auch nicht passiert. Aufgezeichnet wird die Diskothek live vor jugendlichem Publikum, aus dem zu Beginn jeder Show eine fünfköpfige Jury ausgewählt wird. Diese entscheidet im Verlauf der Sendung darüber, ob die vorgestellten Neuerscheinungen „Hit oder Niete“ werden. Die Zuhörer zuhause können außerdem Postkarten mit Musikvorschlägen einschicken, die nach Beliebtheit sortiert gespielt werden. 

Anfang 1981 wird die Diskothek durch Mal Sondocks Hitparade ersetzt. Die Rubrik „Hit oder Niete“ bleibt erhalten, diesmal allerdings per Telefonabstimmung. Knapp vier Jahre später wird die Sendung abgesetzt. Die offizielle Begründung: zu niedrige Einschaltquoten. Kaum jemand glaubt das, denn schließlich hören sie ihn alle, den alten M.A.L. vom WDR. Dennoch: Am 19. Dezember 1984 läuft die letzte Folge — mit Weihnachtsgrüßen von Freddie Mercury, Alan Parsons und Billy Ocean.

Was man sich heute kaum noch vorstellen kann: Sondocks Reichweite. Obwohl seine Sendung nur in Nordrhein-Westfalen und Umgebung ausgestrahlt wird, spielt er die Songs, die wenig später das ganze Land begeistern. Moderne Formen des Musikkonsums wie Spotify oder YouTube gibt es noch nicht, man muss sich anders behelfen. Wer in den Sechzigern, Siebzigern und Achtzigern die Hits der Woche konservieren möchte, hängt mit zwei Fingern am Kassettenrecorder und drückt nach den Anmoderationen blitzschnell auf „Play“ und „Record“. Wenn man Glück hat, quatscht Mal nicht in den Song. „Nur bei Sachen, die zwei-, dreimal liefen, habe ich reingesprochen“, verteidigt sich Sondock später, wie der WDR berichtet. „Und das nur, um das Tempo dieser Sendung zu halten. Das hatte ich in Amerika gelernt.“

Neben seinem Job als Radiomoderator betätigt sich Sondock über die Jahre auch als Produzent, Sänger und Schauspieler. So entdeckt er nicht nur den Schlagerstar Michael Holm (Tränen lügen nicht), sondern singt auch selbst einige Platten ein. Seine erfolgreichsten Songs: Hey, Annabella Susann (1962), Das Mädchen mit dem traurigen Blick (1964) und Ich mach’ mir Sorgen um dich (1965). Im Film Stadt ohne Mitleid (1961) spielt er eine Nebenrolle. Zusätzlich tourt der Amerikaner jahrelang als mobiler Discjockey durch Deutschland.

Am 9. Juni 2009 stirbt Sondock im Alter von 74 Jahren in einem Kölner Krankenhaus. Er hinterlässt eine Frau, einen Sohn sowie eine Tochter. Beerdigt wird er auf dem Palm Cemetery in Orange County, Florida. Laut Welt hat Sondock einmal gesagt: „Ich verbreite keine Kultur. Ich bin ein Ami mit schlechtem Deutsch, der die Kinder mit Rock’n’Roll versaut.“ Musikdeutschland dankt ihm dafür. Rest in peace, alter Jockdiscey M.A.L.!

Zeitsprung: Am 25.9.1965 geht der „Beat-Club“ auf Sendung

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