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Popkultur

Alice Cooper im Interview: „Rock’n‘Roll ist endlich wieder da, wo er hingehört”

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Foto: Grant Lamos IV/Getty Images

Alice Cooper klingelt um Mitternacht. Nicht an der Tür, aber am Telefon. Standesgemäße Uhrzeit für den einzig wahren Schock-Rocker, den man weder vorstellen muss noch kann – und eigentlich reicht die unvergessene Huldigung in Wayne‘s World, um seinen Status begreiflich zu machen. Wer es genauer wissen will, wird erfahren, dass ihm Salvador Dalí ein Hologramm widmete, er ein Charakter in einem Marvel-Comic war und auch schon mal eine Simpsons-Halloweenfolge schrieb. Jetzt feiert das Monster des Rock‘n‘Roll sein 50. Bühnenjubiläum. Vor seiner anstehenden Arenatournee sprachen wir mit der grauen Schock-Rock-Eminenz Vincent Damon Furnier (71) über das Altern, den Rock‘n‘Roll, die Kunst des Gruselns und seine Hollywood Vampires.

von Björn Springorum

Erst kürzlich gerieten Sie mal wieder in die Schlagzeilen der Boulevardpresse weil Sie einen angeblichen Todespakt mit ihrer Frau geschlossen haben sollen. Steckt man Sie also bis heute in diese morbide Schublade, Mr. Cooper?

Das ist doch wirklich zum Haare raufen, nicht wahr? Ich denke auch, es muss damit zu tun haben, dass ich für viele Leute immer noch der Boogeyman bin. Als sie mich in dem Interview fragten, was nach 43 Ehejahren passieren würde, wenn meine Frau oder ich sterben würden, dann sagte ich: Wir machen eh immer alles zusammen, also wahrscheinlich auch das. Ich wollte nur ausdrücken, dass wir wahrscheinlich eh nebeneinander in dem Flugzeug sitzen, das abstürzt. Das nächste, was ich in den Zeitungen lese, war: Todespakt! Und seither muss ich allen erklären, dass es eigentlich gar nicht so gemeint war. Na ja, ich bin nun mal Alice Cooper… [lacht dröhnend]

Zeitsprung: Am 25.8.1982 kann sich Alice Cooper nicht an sein neues Album erinnern.

Dabei schocken die News heutzutage eigentlich viel mehr als ein Rocker mit schwarz geschminkten Augen, oder?

Ich liebe, was Shock-Rock in den Siebzigern war. Er hat die Leute wirklich schockiert, hat ihnen Angst gemacht. Aber Sie haben schon Recht: Heute ist CNN weitaus schockierender als Marilyn Manson, Alice Cooper und Rob Zombie zusammen. Damals steckte ich meinen Kopf in eine falsche Guillotine und ließ mich zum Schein köpfen. Heute ist das Internet voller Videos, in denen Terroristen das tatsächlich tun. Das ist schockierend!

Sie hatten es allerdings nicht immer leicht, als Sie noch der Schrecken der Musikwelt waren…

Sagen wir es so: Heute zumindest ist es deutlich einfacher als damals. Das liegt daran, dass ich zu einer Tradition geworden bin. Wenn Alice Cooper in die Stadt kommt, ist das fast so, als wenn der Cirque de Soleil kommt. Ich gehöre zu den USA wie Halloween. Niemand sperrt mehr seine Kinder weg, wenn ich komme. Liegt natürlich auch an der Generation: Wenn du heute um die 70 bist, bist du wahrscheinlich Beatles-Fan. Früher warst du in dem Alter Sinatra-Fan. Rock‘n‘Roll ist ganz schön alt geworden. Bei Konzerten habe ich heute Großeltern, Eltern und Kinder im Publikum. Und alle stehen auf Hard Rock! Alle sind mit dieser Musik aufgewachsen, das gab es noch nie.

Wie unterscheidet sich der Alice Cooper solo eigentlich vom Alice Cooper bei den Hollywood Vampires?

Bei einer Alice-Cooper-Show verwandle ich mich in Alice. Ein fiktiver Charakter, der nicht mit dem Publikum interagiert. Bei den Vampires sieht das ganz anders aus. Wir starteten die Band ja als Tribut an all unsere toten Freunde, mit denen wir herumhingen und tranken. Jim Morrison, Jimi Hendrix, John Lennon… Wenn wir also einen Song von den Doors spielen, erzähle ich irgendeine Anekdote über die Doors. Alice Cooper würde so etwas nie tun! Soll heißen: Bei den Vampires habe ich ein klein wenig mehr Freiheit und kann mir mehr erlauben.

Sie feiern ja dieser Tage Ihrem 50. Bühnengeburtstag. Wie fühlt sich das an?

Das kann ich Ihnen sagen: Als wir unsere erste Platte veröffentlichten, gaben uns die Leute zwei Wochen. Niemand sah Potential in uns. Damals waren Buffalo Springfield und solche Sachen angesagt, es war das Jahr von Woodstock und all diesem Kram. Schlappe 50 Jahre und 28 Platten später haben wir dann so langsam allen gezeigt, dass sie falsch lagen. [lacht] Mir ging es immer nur darum, ein Rock‘n‘Roll-Entertainer zu sein wie Mick Jagger. Das bedeutet: Man reißt sich den Arsch auf für gute Songs und gute Shows. Wenn du das tust, wirst du durchhalten. Du darfst dein Publikum nie enttäuschen.

Hätten Sie gedacht, dass sich die Kunstfigur Alice Cooper 50 Jahre halten würde?

Man darf ja nicht vergessen: In diesen Zeiten starben all unsere Freunde mit 27. Für uns war es also schon ein Wunder, dass wir überhaupt mal 30 wurden. An ein Leben mit über 70 wagte damals nicht mal jemand zu denken. Im Rock‘n‘Roll war ein solches Alter vollkommen utopisch! Jetzt sind wir über 70, und meiner Meinung nach bin ich besser als ich je war.

Zeitsprung: Am 12.7.1994 veröffentlicht Alice Cooper „The Last Temptation“.

Ihre Gedanken zur Zukunft des Rock‘n‘Roll?

Alles verläuft zyklisch. Als wir vor zwei Jahren mit den Vampires bei den Grammys spielten, waren wir die einzige Hard-Rock-Band im Bühnenprogramm. Alles andere war Kram wie Ariana Grande. Mir zeigt das, dass wir wieder die Outlaws sind. Wir sind nicht mehr Mainstream wie wir in den Achtzigern waren. Das ist großartig, denn Rock‘n‘Roll war nie dazu vorgesehen, Mainstream zu sein. Rock‘n‘Roll ist für die Außenseiter, die Rebellen, die Outlaws. Rock‘n‘Roll ist also alles andere als tot. Er ist endlich wieder da, wo er hingehört. Die nächste Rebellion läuft.

Alice Cooper geht im September und Oktober auf Ol’ Black Eyes is Back-Tour (Gast: Black Stone Cherry):

  • 11. September 2019 Mannheim, SAP Arena
  • 13. September 2019 Berlin, Max-Schmeling-Halle
  • 18. September 2019 Stuttgart, Porsche-Arena
  • 23. September 2019 Hamburg, Barclaycard Arena
  • 30. September 2019 Leipzig, Arena
  • 1. Oktober 2019 München, Olympiahalle

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Zeitsprung: Am 1.4.2008 feuern Velvet Revolver ihren Sänger Scott Weiland.

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Header-Bild Credit: Kreepin Deth/Wiki Commons

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 1.4.2008.

von Christof Leim

Das sah schon nach „Supergroup“ aus, was sich da 2002 zusammenbraute: Drei Musiker von Guns N’ Roses und der Sänger von den Stone Temple Pilots gründen Velvet Revolver. Doch sechs Jahre später ist der Ofen aus und Scott Weiland raus. Vorher gab es noch eine lahme Platte, Streit im Internet und die ganz kalte Schulter.

Hört euch hier das Velvet-Revolver-Debüt Contraband an:

Natürlich hat die ganze Welt mit Spannung zugehört, als Slash, Duff McKagan und Matt Sorum zusammen mit dem Gitarristen Dave Kushner und dem Frontmann der Stone Temple Pilots, Scott Weiland, eine Band gründen. Beim Debüt Contraband von 2004 kommen nicht ganz unerwartet zwei musikalisch benachbarte Welten zusammen: Classic Rock und alternative-lastiger Grunge-Sound. Die Scheibe wird zum Erfolg, doch der Nachfolger Libertad bleibt 2007 weit hinter den Erwartungen zurück.

Ein Bild aus besseren Zeiten: Velvet Revolver live 2007. Foto: Kreepin Deth/Wiki Commons.

Den weltweiten Touren der Band tut das keinen Abbruch, diverse Aufenthalte in Entzugskliniken, Visa-Probleme und kurzzeitige Verhaftungen durchkreuzen einige Pläne allerdings schon. Als Velvet Revolver im Januar 2008 ihre Rock’n’Roll As It Should Be-Tour durch Europa starten, hängt der Haussegen bereits schief. Am 20. März 2008 verkündet Weiland sogar auf offener Bühne in Glasgow: „Ihr seht hier etwas Besonderes: Die letzte Tour von Velvet Revolver.“

Längt beschlossene Sache

Was er nicht weiß: Seine Kollegen haben da längst beschlossen, ohne ihn weiterzumachen, wie Slash später in einem Interview eröffnet. Das liegt unter anderem daran, dass Weiland ständig die Fans ewig lang warten lässt, und das können die Guns N’ Roses-Jungs nach dem Dauerdrama mit dem notorisch verspäteten Axl Rose nicht mehr akzeptieren. Slash, der zottelhaarige Gitarrengott, berichtet auch, dass die Bandmitglieder während der UK-Shows so gut wie kein Wort mit ihrem Sänger wechseln. „Wir haben ihm die kalte Schulter gezeigt, dass es nur so eine Art hatte.“

Kein einfacher Zeitgenosse: Scott Weiland. Credit: CRL.

Nach dem Debakel von Glasgow, das in einer halbherzigen Performance gipfelte, tragen die Musiker zudem ihren Zank in die Öffentlichkeit: Drummer Matt Sorum veröffentlicht ein Statement, das ohne Namen zu nennen deutlich mit dem Finger auf Weiland zeigt. Der wird in seiner Antwort ein gutes Stück bissiger und ziemlich persönlich. Dass das alles nicht weitergehen kann, liegt auf der Hand. Am 1. April 2008 schließlich verkünden Velvet Revolver offiziell, dass Scott Weiland nicht mehr zur Band gehört.

Wie sich rausstellt, endet damit auch die Geschichte dieser Supergroup, sieht man von einer einmaligen Live-Reunion am 12. Januar 2012 bei einem Benefizkonzert ab. Denn leider können die Herren jahrelang keinen geeigneten Nachfolger finden, obwohl Könner wie Myles Kennedy von Slashs Soloband und Alter Bridge, Sebastian Bach (ehemals Skid Row), Lenny Kravitz und Chester Bennington (Linkin Park) als Kandidaten gehandelt werden. Slash und McKagan kehren schließlich zu Guns N’ Roses zurück, während Weiland bis 2013 bei den Stone Temple Pilots singt und anschließend mit seiner eigenen Band The Wildabouts unterwegs ist. Am 3. Dezember 2015 wird er tot in deren Tourbus gefunden. Rest in peace.

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Zeitsprung: Am 15.5.1995 klicken bei Scott Weiland zum ersten Mal die Handschellen.

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Popkultur

„The Record“: Was kann das Debüt der Supergroup Boygenius?

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Boygenius HEADER
Foto: Noam Galai/Getty Images

Supergroups kennt man ja eher von Männern. Phoebe Bridgers, Julien Baker und Lucy Dacus, die drei prominenten Damen hinter Boygenius, ändern das. Ihr Debüt The Record klingt zumeist sanft, verträumt, melancholisch, bricht aber manchmal wie entfesselt los. Indie-Album des Jahres? Gut möglich.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch The Record anhören:

Phoebe Bridgers, Julien Baker und Lucy Dacus sind jede für sich Ikonen, einflussreiche Künstlerinnen, die es mit unter 30 zu prominenten Figuren gebracht haben. Bei Boygenius bündeln die drei ihr kreatives Genie in einem Trio, das es in der Indie-Welt so noch nicht gegeben hat – und das ist angenehmerweise mal keine hohle PR-Übertreibung. Jede von ihnen kann als Stimme ihrer Generation gewertet werden, jede von ihnen gehört zu einer neuen Ära von selbstbestimmten Künstlerinnen, die auf ihre Weise den Boys-Club der Rockmusik unterwandern, aushöhlen, obsolet machen wollen.

Wie einst Nirvana

Das tun Boygenius auf ihrem Debüt The Record nicht etwa laut, schrill, wütend. Sondern mit Sanftmut, melancholischer Ruhe und bockstarken Songs. Ist doch eh cleverer und nachhaltiger, das geballte Talent sprechen zu lassen, das die drei Künstlerinnen auch im Verbund auf wundersame Weise zu kanalisieren wissen. Und dann sind da eben noch die subtilen kleinen Spitzen, die Hinweise: Auf dem Cover ihrer ersten EP, die bereits 2018 erschien und ein langes Schweigen einläutete, sitzen sie genau so da wie Crosby, Stills & Nash auf ihrem Debüt. Und auf dem Rolling-Stones-Cover Anfang des Jahres stellen sie die Pose des Nirvana-Covershoots von 1994 nach. Kurt Cobain hätte das gefallen.

Warum wir eine reine Girl-Supergroup gebracht haben, wird schnell klar: Wo männliche Supergroups dann eben doch irgendwann an den exorbitanten Alpha-Male-Egos zerschellen wie Hagelkörner auf Asphalt, gehen Bridgers, Baker und Dacus die Sache beeindruckend egalitär und basisdemokratisch an. Niemand drängt sich in den Vordergrund, weil alle gleichberechtigt sind. Keine Frontfrau, keine Divaallüren. „Wir ziehen uns gegenseitig hoch“, so sagte Bridgers damals dem Rolling Stone. „Wir sind alle Leadsängerinnen und feiern uns gegenseitig dafür.“ Männer bekommen das eben irgendwie deutlich schlechter hin, ist einfach so.

Die Avengers der Indie-Welt

Das alles wäre natürlich nicht viel wert, wenn The Record nicht alle hohen Erwartungen spielend überflügeln würde. Es ist ein Album, um es kurz zu machen, das einem den Glauben an die Zukunft der Gitarrenmusik zurückbringt. Es ist mal laut, mal ahnungsvoll, mal zart, mal ruppig. Vor allem aber ist es ein homogenes, reifes Werk, das in seiner Lässigkeit die Jahrzehnte transzendiert. Offenkundig sind die Einflüsse der „Avegners der Indie-Welt“, wie eine enge Freundin der Band das mal auf den Punkt brachte: Classic Rock, die Laurel-Canyon-Szene, Grunge, der Folk von Crosby, Stills & Nash, von denen sie gleich auch die verschiedenen Gesangsharmonien haben.

Eins der ganz großen Highlights ist $20, ein furioser Rocker mit schroffer Lo-Fi-Gitarre, der sich plötzlich öffnet und von allen drei Stimmen ins Ziel getragen wird. Die Mehrheit des Materials ist ruhig, verträumt, am ehesten trifft es wohl lakonisch. Emily I’m Sorry etwa oder das kurze Leonard Cohen, inspiriert von einer unfreiwilligen Geisterfahrt der Drei auf einer kalifornischen Interstate. Die Ausbrüche wie Anti-Curse, in denen Baker von einer Nahtoderffahrung im Pazifik singt, läuten deswegen umso lauter, dringlicher. Dynamik ist König, das wissen die drei. Oder besser Königin.

Musste Rick Rubin draußen bleiben?

Sie wissen eh sehr viel. Wie schwer sie es haben würden, zum Beispiel. So kamen sie überhaupt erst auf ihren Namen Boygenius: Nach zahlreichen schlechten Erfahrungen mit vor Selbstbewusstsein nur so strotzenden männlichen Kollaborateuren, die von der ganzen Welt gefeiert werden, nannten sie sich selbst so, um sich Mut zuzusprechen. Ob das auch für Rick Rubin gilt? Aufgenommen haben sie zumindest in dessen Shangri-La Studio in Malibu. Aber er hat keinen Recording Credit und durfte vielleicht nur kiffend im Garten sitzen. Vorstellbar.

The Record ist ein geniales Debüt. Es ist aber mehr, ein Instant-Klassiker, ein Album, das sich einreiht in die großen Singer/Songwriter-Momente der letzten 50 Jahre. Es ist radikal ehrlich, direkt, ungefiltert, unaufgesetzt und das Testament großen Willens. Alle Songs hätten auch auf den jeweiligen nächsten Alben der drei Solitärinnen auftauchen können. Aber dann würde ihnen etwas fehlen. The Record ist ein Album voller Risse, durch die das Licht hineingelangt, um bei Leonard Cohen zu bleiben. Ein heilsames Stück Musik, durchwirkt von Insider-Jokes, kleinen Hieben geben das Patriarchat und jeder Menge Beweise für diese besondere Freundschaft. Das wird Grammys hageln.

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boygenius: Wer steckt hinter der Indie-Supergroup?

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Popkultur

Zeitsprung: Am 31.3.1958 veröffentlicht Chuck Berry „Johnny B. Goode“.

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Chuck Berry Johnny B Goode Cover

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 31.3.1958.

von Christof Leim

Das sind die Grundlagen des Rock’n’Roll, liebe Brüder und Schwestern. Hier kommt viel der großartigen Krachmusik her, die wir im Zeitsprung feiern: Am 31. März 1958 veröffentlicht Chuck Berry den Klassiker Johnny B. Goode. Keine drei Minuten lang ist das Ding, Bluesschema in A, dazu ein flotter Backbeat und eine heiße Leadgitarre, und ab geht die Revolution. Bei Songs wie diesem haben sie alle zugehört, die Beatles, die Stones und AC/DC.

Geschrieben hatte Chuck Berry die Nummer bereits 1955 über einen „country boy“, einen Jungen vom Lande, der nicht richtig lesen und schreiben kann, aber so mühelos Gitarre spielt, als müsse er nur eine Glocke läuten. Und eines Tages wird sein Name auf allen Plakaten stehen… Wie sich später herausstellt, singt Berry hier über sich selbst. Darauf weist alleine schon der Titel hin, denn der Musiker wurde in der Goode Avenue in St. Louis geboren. Nur anfangs diente sein Pianist Johnnie Johnson als Namenspate für den Song. Der spielt jedoch nicht mal mit; bei den Aufnahmen am 6. Januar 1958 in den Chess Studios in Chicago haut Lafayette Leake in die Tasten. Den Bass bedient der nicht ganz unbekannte Blueser Willie Dixon. Das markante Eingangslick leiht sich Chuck Berry vermutlich bei Ain’t That Just Like A Woman, einer Nummer von Louis Jordan aus dem Jahr 1946, und zwar Note für Note, wie man hier hören kann. Die Originalversion der Single samt Text findet ihr hier.

Urvater des Rock’n’Roll: Chuck Berry

Aus dem Stand ein Hit

Johnny B. Goode wird zum Hit beim Publikum, und zwar unabhängig von der Hautfarbe, was Ende der Fünfziger keinesfalls als selbstverständlich gesehen werden kann. Der Track erreicht Platz zwei in den Billboard Hot R&B Sides Charts und Platz acht in den Hot 100 Charts. Wo der Unterschied zwischen diesen Hitparaden liegt, wissen wir nicht, aber fest steht: Mit der Nummer ging was. Um das zu erreichen, muss Berry eine kleine Änderung im Text vornehmen: Ursprünglich singt er von einem „little coloured boy“, ändert das aber in „little country boy“, um auch im Radio gespielt zu werden. Keine einfachen Zeiten für einen Schwarzen als Rockstar.

Die Goldene Schallplatte an Bord der Raumsonde Voyager. Johnny fliegt mit.

Heute gilt Johnny B. Goode als der wichtigste Chuck-Berry-Song. Er wird mit Preisen geehrt und in Bestenlisten aufgenommen, nicht zuletzt wird er 1977 mit der Voyager in den Weltraum geschossen. An Bord dieser Raumsonde befindet sich nämlich eine goldene Schallplatte mit Audioaufnahmen von der Erde, etwa der Stimme eines Kindes, Klassik von Johann Sebastian Bach – und eben Rock’n’Roll von Chuck Berry.

Da kommt noch mehr

Vier weitere Stück schreibt der Sänger und Gitarrist im Laufe der Jahre über den Charakter Johnny B. Goode: Bye Bye Johnny, Go Go Go, Johnny B. Blues und Lady B. Goode. Außerdem nennt er ein Album und dessen 19-minütiges instrumentales Titelstück danach: Concerto In B. Goode. Einen weiteren Popularitätsschub erhält das Lied 1985 durch Film Zurück in die Zukunft mit Michael J. Fox.

Die Liste der Coverversionen ist endlos und streift alle möglichen Genres, sie reicht von Jimi Hendrix, AC/DC und Judas Priest über NOFX und LL Cool J bis zu Motörhead und Peter Tosh. Und vermutlich fetzt noch heute irgendwo eine halbstarke Nachwuchskapelle bei ihrer dritten Probe durch das Bluesschema in A.

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Zeitsprung: Am 7.9.1955 macht Chuck Berry den „Duck Walk“. Später freut sich Angus.

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