------------

Popkultur

Zeitsprung: Am 16.1.1985 stirbt David Bowies Halbbruder Terry.

Published on

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 16.1.1985.

von Julia Segantini und Christof Leim

In seiner Kunst lotet David Bowie mitunter die Grenzen des Geistes aus und wirkt, als blicke er in andere  Sphären. Für seinen Halbbruder gehören solche Perspektiven jedoch zur Lebenswirklichkeit: Terence “Terry” Burns erkrankt schwer an Schizophrenie und setzt seinem Leben am 16. Januar 1985 ein Ende. Auch über seinen Tod hinaus inspiriert er seinen berühmten Bruder, etwa zum Song Jump They Say von 1993.

Hier könnt ihr euch das Bowie-Album Black Tie White Noise anhören:

Die beiden Männer teilen dieselbe Mutter, liegen altersmäßig aber über ein Jahrzehnt auseinander: Nachdem sich Bowies Mutter Peggy Burns in einen Franzosen verliebt, bringt sie 1935 den kleinen Terry zur Welt. Als außereheliches Kind – zu damaligen Zeiten gesellschaftlich völlig unakzeptabel – hat er es von Anfang an schwer. Er wächst bei seiner Großmutter auf, die ihm, so heißt es, wenig Zuwendung entgegen bringt, ihn womöglich emotional missbraucht. Sein Bruder David erblickt am 8. Januar 1947 das Licht der Welt, ein Jahr nach der Hochzeit von Peggy mit Bowies Vater Haywood Jones. Kurz darauf stößt Terry als Neunjähriger zur  Familie, wird aber vom Stiefvater vernachlässigt. Auch in späteren Jahren meint es das Leben nicht gut mit ihm: Einen großen Teil seines Erwachsenenlebens verbringt er in der Nervenklinik Cane Hill in South Croydon. Diagnose: Schizophrenie.

Persönliche Inspiration

Trotz – oder wegen – seiner vielen Probleme, erweist sich Terry als große Inspiration für den werdenden Popstar. Der Ältere erweckt im Jüngeren ein besonderes Interesse am tibetanischen Buddhismus, an Jazz und Autoren der Beat-Generation wie Jack Kerouac. Ganz direkt zeigt sich Terrys Einfluss auf dem US-Plattencover von The Man Who Sold The World. Dort ist die Cane-Hill-Anstalt als stilisierte Zeichnung zu sehen. Der Langspieler entsteht während einer Zeit, in der der Schizophrenie-Kranke seinen Bruder häufig in Haddon Hall besucht, ein großes Haus in Beckenham, in dem der aufstrebende Star in den späten Sechziger Jahren mit seinen Freunden wohnt.

Tribut zollt Bowie seinem Bruder später unter anderem 1971 in dem Song The Bewlay Brothers auf Hunky Dory. Außerdem basiert die Zeile „A crack in the sky and a hand reaching down to me“ im Track Oh! You Pretty Things auf einer von Terrys Visionen. Krankheiten des Geistes tauchen wiederholt als Thema in Bowies Werken auf, denn psychische Probleme scheinen in der Familie zu liegen. Neben Terry litten auch drei seiner Tanten mütterlicherseits an Psychosen. Ihren Geisteszustand und seine Angst davor, ein ähnliches Schicksal zu erleiden, verarbeitet der Künstler Bowie mehrfach in seiner Musik, zum Beispiel im Song All The Madmen, erschienen 1979 auf The Man Who Sold the World. Nicht zuletzt spiegeln sich in den folgenden Jahren die Grenzen zwischen Wahnsinn, Fiktion, Realität in seinen Kunstfiguren wieder, allen voran in seinem Alter Ego Ziggy Stardust.

Bowie “The Man Who Sold The World” Cover

Das US-Cover von “The Man Who Sold The World” zeigt die Nervenheilanstalt Cane Hill in London, in der Terry Burns behandelt wurde.

Während Davids Karriere aufblüht und er um die Welt tourt, wird sein Halbbruder schließlich ein Vollzeitpatient in Cane Hill. Einer seiner Pfleger beschreibt ihn als einen guten Mann, der keine Probleme verursacht und viel über sein berühmtes Geschwisterkind spricht. Einige Schwestern wollen sich daran erinnern, wie Terry fröhlich singend durch die Stationen läuft, während er versucht, umsonst an Zigaretten zu kommen.

Tragisches Leben, tragischer Tod 

Doch gut geht es Terry nicht: Bereits im Sommer 1982 stürzt er sich aus einem Fenster, kommt dabei allerdings mit zwei gebrochenen Gliedmaßen davon. Der Weltstar besucht den genesenen Patienten im Krankenhaus und schenkt ihm eine kleine Stereoanlage, Platten und Zigaretten.

Am 16. Januar 1985 allerdings verliert Terry schließlich den Kampf gegen seine Krankheit. Kälte und Schnee verursachen einen Personalmangel in Cane Hill, der Unglückliche entkommt unbemerkt aus der Klinik. Er läuft die kurze Strecke zur Coulsdon South Train Station, wo er zum südlichen Ende des Bahnsteigs läuft und sich auf die Gleise legt.

Terry Burns.

Posted by Bromley Bowie on Tuesday, January 15, 2019

Unter den Trauernden finden sich hauptsächlich Personal und Patienten aus Cane Hill sowie Familienangehörige. Bowie – zu diesem Zeitpunkt auf dem Höhepunkt seines Ruhmes – beschließt, der Beerdigung fernzubleiben, um einen Medienrummel zu vermeiden. Er schickt einen Korb mit Blumen und eine Notiz: „Du hast mehr Dinge gesehen, als wir uns vorstellen können, aber all diese Momente gehen verloren wie Tränen, die im Regen weggespült werden.“

„Spring, sagen sie“

Den Selbstmord seines Halbbruders verarbeitet Bowie später im Stück Jump They Say, und das bleibt nicht der einzige Versuch auf dem dazugehörigen Album Black Tie White Noise (1993), mit der Tragödie fertigzuwerden. Dem NME erzählt Bowie: „Es gibt einen persönlichen Grund für die Coverversion von I Feel Free von Cream auf dem Album. Als ich einmal mit meinem Halbbruder ausging, nahm ich ihn zu einem Cream-Konzert in Bromley mit. Etwa nach der Hälfte, ich glaube während I Feel Free lief, begann er, sich sehr, sehr schlecht zu fühlen. Er hatte noch nie etwas so Lautes gehört! Er war zehn Jahre älter als ich und hatte noch nie einem Rockclub besucht.“ Bowie berichtet weiter, dass er seinen Bruder daraufhin nach draußen begleitet habe. Dort sei dieser von Visionen von einem sich auftuenden Boden geplagt worden, aus dem Feuer emporsteigt. „Ich konnte es fast selbst sehen, weil er es so klar beschrieb“, erinnert sich der Sänger.

Jump They Say erreicht in Großbritannien Platz neun, knackt die Top Ten in Dänemark, Norwegen und Spanien und erreicht in den USA Platz sechs in den Billboard Dance Club Charts – vielleicht ein schönes Vermächtnis für Terence “Terry” Burns. Mehr zu seinem tragischen Leben findet sich in diesem Rückblick. Rest in peace.

Terry's plaque at Elmers End.TERENCE G. BURNS5TH NOV.1937-16TH JAN.1985STILL LOVED & SADLY MISSEDPAT & TONYPhoto © Roger Bahari

Posted by Bromley Bowie on Tuesday, January 15, 2019

Depressiv? Hier bekommst du Hilfe: Wenn du selbst depressiv bist oder Selbstmordgedanken hast, kontaktiere bitte umgehend die Telefonseelsorge (www.telefonseelsorge.de). Unter der kostenlosen Hotline 0800-1110111 oder 0800-1110222 erhältst du Hilfe von Beratern, die dir Auswege aus schwierigen Situationen aufzeigen können.

Zeitsprung: Am 17.12.1971 veröffentlicht David Bowie sein viertes Album: “Hunky Dory”.

Popkultur

Prince, Madonna und die Rolling Stones: Die besten Super-Bowl-Halbzeitshows aller Zeiten

Published on

Prince
Foto: Jonathan Daniel/Getty Images

Ein Auftritt im Rahmen der Super-Bowl-Halbzeitshow gleicht einem popkulturellen Ritterschlag, nirgendwo ist das TV-Publikum größer. Vielen Sternchen wurde diese Ehre in den vergangenen Jahrzehnten bereits zuteil. Von U2 bis hin zu den Rolling Stones: Diese zehn Halbzeitshows finden wir besonders gelungen.

von Timon Menge

10. The Blues Brothers, ZZ Top, James Brown (1997)

Wenn der Super Bowl in einer Blues-Metropole wie New Orleans stattfindet, muss natürlich auch eine Blues-orientierte Halbzeitshow her. Mit Everybody Needs Somebody To Love und Soul Man gaben die Blues Brothers am 26. Januar 1997 zwar vor allem Soul-Klassiker zum Besten, genau wie James Brown im Anschluss; doch spätestens ZZ Top versorgten das Publikum mit reichlich Bluesrock. Eine coole Sonnenbrillen-Party zwischen zwei Halbzeiten!

9. U2 (2002)

Den Iren U2 wurde am 3. Februar 2002 eine ganz besondere Verantwortung zuteil. Die Terroranschläge von 11. September 2001 lagen noch kein halbes Jahr zurück, da sollten Bono und Co. bei der größten Unterhaltungsveranstaltung der Welt auftreten – übrigens erneut in New Orleans. Doch U2 wurden ihrem Auftrag gerecht, lieferten ein hervorragendes Set ab und gedachten auf einer riesigen Leinwand all jenen, die am 11. September ums Leben gekommen waren.

8. The Rolling Stones (2006)

Auf eine große Bombast-Show verzichteten die Rolling Stones bei ihrem Auftritt am 5. Februar 2006 in Detroit. Doch ganz ehrlich: Wenn Mick Jagger und seine jahrzehntelangen Weggefährten eine Bühne betreten, braucht es keine Schnörkel und kein Chichi. In wenigen Minuten rockten sich die Stones durch große Hits wie Start Me Up und (I Cant Get No) Satisfaction. Einen Luxus gönnten sich die Briten dann allerdings doch: eine Bühne in Form einer riesigen roten Zunge.

7. Katy Perry (2015)

Zugegeben, für hartgesottene Rocker*innen klingt der Sound von Katy Perry etwas ungewohnt. Doch mindestens zwei Dinge kann ihr keiner nehmen: hervorragende Popsongs und einen mehr als nur gelungenen Auftritt am 1. Februar 2015. In Sachen Show macht den größten Pop-Sternchen einfach niemand etwas vor, wie wir auch im weiteren Verlauf unserer Liste feststellen werden. Als Gäste durfte Perry Hip-Hop-Legende Missy Elliott und Gitarrengott Lenny Kravitz begrüßen.

6. Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, Kendrick Lamar & 50 Cent (2022)

Diese Halbzeitshow ist noch nicht lange her, setzte am 13. Februar 2022 aber völlig neue Standards. Zum ersten Mal in der Geschichte des Super Bowl durfte sich die Hip-Hop-Welt nach Herzenslust präsentieren. Das Line-up des Abends liest sich wie ein Who‘s who: Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, Kendrick Lamar … Sie alle waren dabei und setzten dem Sprechgesang ein etwa 15-minütiges Popkultur-Denkmal. Als Gaststars tauchten 50 Cent und Anderson .Paak auf.

5. Madonna (2012)

Wenn die „Queen Of Pop“ eine Halbzeitshow gestaltet, darf man einiges erwarten. Und wie so oft wurde Madonna den Erwartungen am 5. Februar 2012 vollständig gerecht. Als griechische Göttin verkleidet, ließ sie sich von ihren Spartaner-Tänzern über die Bühne tragen und manifestierte ihren Status als größte Popkünstlerin aller Zeiten. Unterstützung erhielt sie unter anderem von Cee Lo Green, Nicki Minaj, M.I.A. und LMFAO. Den Abschluss der Show markierte ein Gospelchor, mit dem Madonna Like A Prayer zum Beten … äh … zum Besten gab.

4. Lady Gaga (2017)

Als die Verantwortlichen der NFL den Vertrag mit Lady Gaga unterzeichneten, dürften ihnen durchaus ein paar Schweißperlen auf der Stirn gestanden haben. Schließlich kann man bei der exzentrischen Künstlerin nie so genau wissen, mit welchen Show-Einlagen sie ihr Publikum überrascht. (Wir erinnern uns an das Rindfleischkleid von 2010.) Bei der Super-Bowl-Halbzeitshow am 5. Februar 2017 ging die Musikerin allerdings auf Nummer sicher und legte einen unfassbaren Auftritt hin. Die Performance ihrer LGBTQ-Hymne Born This Way ließ sich Gaga trotzdem nicht nehmen.

3. Michael Jackson (1993)

Zu den Eigenheiten der Super-Bowl-Halbzeitshow zählt unter anderem der enge Zeitplan. Selten stehen für die Performance mehr als 15 Minuten zur Verfügung; meist wird jede Sekunde davon genutzt. Michael Jackson ging das Ganze im Januar 1993 ein wenig anders an. Länger als eine Minute blieb er vor seiner fulminanten Show still auf der Bühne stehen, als sei er eine Statue – und wurde dafür auch noch bejubelt. Das sagt einiges über seinen damaligen Stand des „King Of Pop“ aus.

2. Beyoncé & Destiny’s Child (2013)

Die Super-Bowl-Halbzeitshow 2013 war in jeder Hinsicht etwas Besonderes. Nicht nur, dass mit Beyoncé eine der hochkarätigsten Künstlerinnen des 21. Jahrhunderts das Programm gestaltete. Nein, es kam auch zur lange erwarteten Reunion von Destiny’s Child, denn Kelly Rowland und Michelle Williams waren ebenfalls mit von der Partie. An jenem Abend dürften Beyoncé und ihre Kolleginnen viele Frauen und Mädchen sehr glücklich gemacht haben. Im Anschluss an ihren Auftritt fiel allerdings für mehr als eine halbe Stunde der Strom aus.

1. Prince (2007)

Der Auftritt von Prince im Rahmen der 41. Super-Bowl-Halbzeitshow ist nichts anderes als eine Lehrstunde in Sachen Rockstar-Perfektion. Scheinbar mühelos fegte der gerade einmal 1,57 Meter große Musiker am 4. Februar 2007 über die Bühne in Form seines Logos. Keine Sekunde verging, ohne dass er das Publikum fest im Griff hatte. Prince und eine Blaskapelle? Oh ja. Prince spielt Purple Rain im Regen? Absolut. Ein Abend für die Geschichtsbücher!

Du willst nichts mehr in der Rockwelt verpassen? Melde dich hier für unseren Newsletter an und werde regelmäßig von uns über die wichtigsten Neuigkeiten, die spannendsten Geschichten sowie die besten Veröffentlichungen und Aktionen informiert!

„California Love“: Die musikalischen Höhepunkte der Super-Bowl-Halbzeitshow

Continue Reading

Popkultur

50 Jahre „Raw Power“: Als die Iggy Pop und die Stooges in 34 Minuten den Punk erfinden

Published on

Iggy Pop
Foto: Michael Ochs Archives/Getty Images

33 Minuten und 57 Sekunden. Solange brauchen Iggy Pop und die Stooges, um den Punk in die Welt zu würgen. Vor 50 Jahren erscheint das lärmende, schrille Manifest Raw Power. Und ist auch ein halbes Jahrhundert die Rockplatte mit dem passendsten Namen.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch Raw Power anhören:

Ende der Sechziger tut sich was in Ann Arbor. Mitten in einer mittelgroßen Stadt in Michigan gründen James Newell osterberg (den alle nur Iggy Pop nennen) und die  Asheton-Brüder Ron und Scott The Stooges. Sie lieben die Doors und eine wenig bekannte Girl-Group namens The Untouchable, ihr neuartiger, bizarrer, fast schon aufdringlich aggressiver Mix aus Blues, R&B, Jazz und altmodischem Rock’n’Roll verstört, ihre Live-Konzerte haben schnell den Ruf, psychedelische Dröhnexzesse zu sein. Das beschert ihnen in einem auserwählten Kreis Kultstatus; der Erfolg, der bleibt bei den ersten beiden Platten The Stooges (1969) und Fun House (1970) jedoch weitgehend aus.

Flucht nach England

Die Band trennt sich kurzzeitig, Iggy Pop kümmert sich zunächst gründlich um seine Heroinsucht. Kostet ja auch Zeit und Geld. Wie ein rettender Engel schwebt David Bowie in sein Leben. Der bringt ihn bekanntermaßen mehr als einmal von den Drogen weg und nimmt ihn mit zu sich nach England, wo die beiden gemeinsam Musik machen. Was eigentlich Iggy Pops Solodebüt werden soll, wird dann im Vereinigten Königreich aber doch irgendwie zur Reunion der Stooges: Nachdem Iggy Pop und sein Stooges-Gitarrist James Williamson, den er bei sich haben wollte, keine geeignete Rhythmussektion in „ganz England“ finden, wie man wenig glaubhaft versichert, fliegen sie halt doch wieder die Asheton-Brüder ein.

Die Stooges sind wieder vereint, die Solopläne Pops zunächst mal vom Tisch. Ganz ohne Spuren bleibt der kurze Riss in der Stooges-Historie aber nicht: Fortan firmiert man als Iggy And The Stooges. Und will es noch mal wissen. Warum auch nicht? Während die Welt in ihrer Frühphase ganz eindeutig nicht bereit war für diese Art von Musik, von innigem Krach und sinnlicher Kakophonie, ist in der Musikwelt mittlerweile natürlich eine Menge passiert. Die New York Dolls sind auf den Plan getreten, The Velvet Underground haben in Sachen lauter Avantgarde so ziemlich alles gesagt.

Die härteste Gitarre weit und breit

Hochmotiviert schreiben Iggy Pop und James Williamson Songs für ein Album, das als ein Meilenstein auf der Reise zum Punk in die Annalen eingehen wird. Die Musik klingt deutlich härter und kohärenter, was vor allem an Williamsons aggressivem Spiel liegt. Muss sogar Ron Asheton einsehen, der grummelnd von der Gitarre zum Bass wechselt und Williamson das Feld überlässt.

1972 entstehen in London Songs, die beim Management der Band praktisch ohne Ausnahme für blankes Entsetzen sorgen. Die Plattenfirma Columbia zwingt die Band dazu, wenigstens zwei Balladen auf dieses rohe, blutige Stück Fleisch zu packen – wahrscheinlich in einem verzweifelten Versuch, die Ecken abzuschleifen. Gimme Danger und I Need Somebody gehen auf dieses Diktat zurück. Auch nicht gerade Tränendrüse-Nummern, aber offensichtlich okay für Columbia. Und für spätere Generationen eh ein Glücksgriff: Beide Songs sind herrliche Exempel für torkelnde Trinkerballaden.

David Bowie muss retten

Vom 10. September bis zum 6. Oktober 1972 wird das Album in den Londoner CBS Studios aufgenommen. Und dass David Bowie hier überhaupt als Co-Produzent mit an Bord geholt wird, ist tatsächlich auf einen Fauxpas von Iggy Pop selbst zurückzuführen. Der besteht darauf, die Platte selbst aufzunehmen und zu mixen, mischt aber versehentlich die Instrumente in den einen Stereokanal und den Gesang in den anderen. Mehr Punk geht echt nicht!

Und weil Iggy Pop eben Iggy Pop ist, besteht er darauf, dass Bowie zwar an den Mix gelassen werden darf; der Opener Search And Destroy soll davon aber unberührt bleiben. Was sich Bowie dabei wohl gedacht hat? Eine Menge! „Ich kam mit meinem 24-Spur-Rekorder und wir schlossen ihn an. Er hatte die Band auf einer Spur, die Leadgitarre auf einer zweiten und die Band auf der dritten. Von 24 Spuren benutzte er nur drei und er sagte: ‚Sieh mal zu, was du damit anfangen kannst!“

Als würde man einen Baumstamm verprügeln

Das sorgt für einen ganz speziellen Sound, der so keineswegs gewünscht wurde, aber zur Einzigartigkeit dieses seltsamen Albums beiträgt. Einen Tag, mehr hatte Bowie aufgrund des knappen Budgets nicht zum Mixen. Und was er rausholt, ist eine der ikonischsten Produktionen aller Zeiten. Pop selbst erinnert sich in diesem Zusammenhang an ein Zitat von Bowie: „Er sagte mir: ‚Ihr seid so primitiv, euer Schlagzeuger sollte klingen, als würde er einen Baumstamm verprügeln.“ Und irgendwie tut er das auch! Bis heute sind die verschiedenen Mixe des Albums der Stoff für Legenden: Iggy Pop selbst hat mehr als einmal seine Fassung der Songs ausgegraben und als alternative Fassung veröffentlicht, zuletzt dieses Jahr.

Der große Erfolg bleibt dennoch aus. Fürs konservative Rock-Radio sind die laut gellenden Rock-Orgien immer noch viel zu brutal, das Album macht kaum Eindruck in den Charts. Die bittere Quittung: Management und Label lassen die Stooges fallen, nach einem weiteren Jahr auf Tour löst sich die Band endgültig auf.

Rohe Kraft

Heute sind wir natürlich schlauer. Heute wissen wir, dass es eigentlich keine Rock-Platte gibt, die einen passenderen Namen trägt. Raw Power. Damit ist alles gesagt. Pop und die Stooges reduzieren den Rock auf sein urtümliches Grundgerüst, kochen ihre Musik ein auf eine Ursuppe aus schreienden Gitarren, polternden Drums und Schreie aus dem Wald. So einfach. Und doch so effektiv.

Schon damals jubelt die Presse, doch heute ist man sich selten einig: Raw Power ist das Album, ohne das es Punk erst später gegeben hätte. Steve Jones von den Sex Pistols lernte Gitarre zu diesem Album, Johnny Marr von The Smiths nennt es seine absolute Lieblingsplatte, ebenso erweisen sich Thurston Moore von Sonic Youth und Kurt Cobain als riesige Fans dieses rohen Manifests. Nicht ganz übel für knapp 34 Minuten Musik, die kommerziell vor 50 Jahren ganz fürchterlich floppen.

Du willst nichts mehr in der Rockwelt verpassen? Melde dich hier für unseren Newsletter an und werde regelmäßig von uns über die wichtigsten Neuigkeiten, die spannendsten Geschichten sowie die besten Veröffentlichungen und Aktionen informiert!

45 Jahre „Lust For Life“: Iggy Pop verlässt den Schatten von David Bowie

Continue Reading

Popkultur

Zeitsprung: Ab dem 7.2.1980 setzen Pink Floyd neue Maßstäbe mit der„The Wall“-Tour.

Published on

Foto: Denis O'Regan/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 7.2.1980.

von Victoria Schaffrath und Christof Leim

Am 7. Februar 1980 legen Pink Floyd mit ihrer Tour zu The Wall los. Dass die Konzertreihe eine tatsächliche Mauer enthält und auch sonst alle Maßstäbe umkrempelt, was wir als gute Show definieren, ahnt da keiner. Natürlich geht bei der Kiste aber auch etwas schief. Schauen wir zum Jahrestag des ersten Konzerts in die Pläne und Probleme der Unternehmung.

Hört zur Einstimmung Is There Anybody Out There?, das Livealbum zur Tour: 

„Es war verdammt schwer umzusetzen, aber wir hatten ein paar wirklich gute Leute dabei, die es möglich gemacht haben“. Diese Aussage von Roger Waters fasst das Konzept der „Tour“ zu The Wall recht gut zusammen. Wobei man sicher aufpassen muss, das Unterfangen als Tour zu bezeichnen, immerhin gastiert das Schauspiel nur in vier Städten weltweit. Dafür dürfen sich Los Angeles, die Kleinstadt Uniondale bei New York, London und Dortmund dann gleich über insgesamt 31 Shows freuen. Los geht’s am 7. Februar 1980 in Los Angeles.

Feurige Stimmung, feurige Show

Dort brennt im Memorial Sport Auditorium die Hütte, und zwar wortwörtlich: Der Opener In The Flesh? soll mit einem Feuerwerk starten. Dieses steuert jedoch zielsicher auf einen Vorhang der Arena zu und sorgt bei der Folgenummer Empty Spaces bereits für Ascheregen. Die dystopische Szenerie wirkt geplant, doch spätestens als die Band das Konzert zum Löschen unterbricht, schwant dem Publikum die Panne. Dass es innerhalb der Gruppe ohnehin schwelt, bleibt hinter den Kulissen. Beim ausufernden Konzept der Shows scheint es mehr Glück als Verstand zu sein, dass sich das Feuer zu keinem Inferno ausbreitet und auch sonst niemand zu Schaden kommt.

Roger Waters verarbeitet auf dem Album Motive der Entfremdung und fehlender Verbindung und will diese auch auf der Bühne transportieren. Das Resultat: Eine beinahe zehn Meter hohe Mauer, die während des Konzerts aus papiernen „Steinen“ zusammengesetzt und wieder eingerissen wird. Abstürzende Flugzeuge und überlebensgroße aufblasbare Puppen füllen das Bühnenbild. Mal fungiert die Mauer als Leinwand, mal singt David Gilmour auf ihr Comfortably Numb.

Überdimensionale Erlebniswelt

Plötzlich ergibt es Sinn, dass diese Produktion nicht täglich den Standort wechselt. Waters erinnert sich: „Ich wusste immer, dass es ein facettenreiches Projekt werden würde – eine Platte, gefolgt von den Shows in ausgesuchten Städten und einem Film. Wir konnten damit gar nicht reisen, es hätte ein Vermögen gekostet, das alles zu bewegen. Es war allem im Rock’n’Roll Lichtjahre voraus, und die Arbeit, die in jedes Detail floss, hatte es so noch nie gegeben.“

Ist da jemand: Das Cover zum Livealbum der „The Wall“-Tour zeigt die Masken der „falschen Pink Floyd“, die zu Beginn der Konzerte das Publikum täuschen sollten.

Eigentlich eine Schande, dass letztlich so wenig des bei den Shows gefilmten Materials an die Öffentlichkeit gelangt. Nur mäßig ausgeleuchtete Probeaufnahmen teilt man; in den geplanten Film schaffen es gerade einmal 20 Minuten der Liveaufzeichnungen.

Noch immer ein Wunderwerk

Weitere zwei Male lässt der Bassist das Epos wieder auferstehen, 1990 zur Feier der deutschen Wiedervereinigung und 2010 als dreijährige Tour. Wieder gelingt der Zauber. Die Presse titelt: „Die Tourversion von Pink Floyds ‚The Wall‘ ist eine der ehrgeizigsten und komplexesten Rockshows, die jemals auf die Bühne gebracht wurden.“

Zeitsprung: Am 31.5.1984 sorgt „The Wall“ von Pink Floyd für eine Entlassung.

Continue Reading

Latest Music News

Top Stories

Don't Miss