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Popkultur

Die 10 besten Protestsongs der Musikgeschichte

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Von kompromisslosen Berichten über Rassenhass und knallharten Tiraden gegen Ungerechtigkeit bis hin zu Forderungen nach Gleichberechtigung und sogar Stadionhymnen mit unterschwelliger Botschaft – die besten Protestsongs beschäftigen sich nicht nur mit den Fragen ihrer Zeit, sondern überdauern Generationen und werden zu zeitlosen politischen Statements. Heutzutage ist Hip-Hop wohl das politisch engagierteste Genre, aber in der Vergangenheit kamen die besten Protestsongs auch aus dem Jazz, Folk, Funk und Rock.

Viele hätten einen Platz auf dieser Liste verdient, aber hier sind zehn der besten Protestsongs der Musikgeschichte.

von Jamie Atkins

 

1. Billie Holiday: Strange Fruit (1939)

Strange Fruit ist ein Gedicht von Abel Meeropol – einem weißen, jüdischen Lehrer und Mitglied der Kommunistischen Partei. Es wurde 1937 veröffentlicht und legte den brutalen Rassismus offen, der in Amerika zu dieser Zeit grassierte. Im Grunde war es eine nüchterne, aber sehr kraftvolle Beschreibung eines Fotos, das Meeropol gesehen hatte und auf dem ein Lynchmord zu sehen war. Mit einer krassen Wortwahl stellt er die Idylle der Südstaaten gegen ungeschönte Beschreibungen von schwarzen Leichen, die an Baumästen hängen. Später vertonte er das Gedicht und das Ergebnis schockiert die Hörer auch heute noch.

Als Billie Holiday 1939 anfing, den Song im Club Café Society live zu singen, hatte sie zuerst Angst vor Anfeindungen und Repressalien. Aber Strange Fruit verschlug dem Publikum regelmäßig die Sprache, und zwar im wahrsten Sinne des Wortes. Sie durfte den Song immer erst am Ende ihres Sets spielen, wenn die Bar geschlossen wurde und der Raum schon abgedunkelt war. Holiday war sich der Wirkung des Songs bewusst und wollte ihn unbedingt aufnehmen. Sie sprach mit ihrem Label Columbia, aber dort hatte man Angst vor den Auswirkungen und gab ihr stattdesen die Erlaubnis, den Song für ein anderes Label aufzunehmen. Commodore stellte sich der Aufgabe und veröffentlichte Holidays Version. Sie verkauften eine Million Exemplare und rückten damit die unfassbare Grausamkeit und das Leid, das der Rassenhass verursachte, ins öffentliche Bewusstsein. Egal, wie oft man es hört, Strange Fruit klingt immer noch wie eine Warnung aus einer Vergangenheit, die noch gar nicht so weit zurückliegt.

2. Woody Guthrie: This Land Is Your land (1944)

Wer hätte gedacht, dass sein Song, der so tief in der amerikanischen Seele verwurzelt ist wie Woody Guthries ‘This Land Is Your Land’, ursprünglich lediglich als Antwort auf einen anderen Song gemeint war. Guthrie war zunehmend genervt von der Selbstgefälligkeit, wie er es empfand, von Irving Berlins Song ‘God Bless America’, dem man sich Ende der 1930er Jahre kaum entziehen konnte, weil Kate Smiths Version ständig im Radio lief. Also verfasste er eine Antwort, die die Schönheit der Natur der Vereinigten Staaten feierte und gleichzeitig das Konzept von privatem Grundbesitz in Frage stellte und die Armut und Ungleichheit in Amerika anprangerte. Die Melodie basierte auf dem Carter Family-Song ‘When The World’s On Fire’, der seinerseits auf das baptistische Loblied ‘Oh, My Loving Brother’ zurückging. Guthrie nannte den Song ‘God Blessed America’ und ursprünglich endeten die Strophen nicht mit “This land was made for you and me”, sondern mit “God blessed America for me”.

1944 nahm Guthrie ein Demo von dem Song auf. Dabei änderte er den Titel und ließ die politisch eindeutigste Strophe weg. Trotzdem entwickelte ‘This Land Is Your Land’ bald eine Eigendynamik und der Song wurde zu einer Art patriotischer Hymne, die am Lagerfeuer, bei Demos und in Schulen gesungen wurde. Wie alle großartigen Protestsongs, bewegt er auch heute noch die Menschen: Die intensive Performance von Pete Seeger und Bruce Springsteen bei Präsident Barack Obamas Amtseinführung im Jahr 2009 ist ein beeindruckender Beweis für seine immer noch andauernde Strahlkraft.

3. Bob Dylan: Masters Of War (1963)

Viele von Dylans frühen Abstechern ins politische Songwriting ließen Raum für Interpretationen. Aber auf Masters Of War redet der damals 21-Jährige nicht lange um den heißen Brei herum. Anlässlich der Veröffentlichung des dazugehörigen Albums The Freewheelin’ Bob Dylan sagte er zu Nat Hentoff von Village Voice: “Ich habe bisher noch nie etwas derartiges geschrieben… Ich singe normalerweise keine Lieder in denen ich Leuten den Tod wünsche, aber diesmal ist es eben so passiert. Dieser Song ist ein Verzweiflungsschlag, ein Greifen nach dem letzten Strohhalm, ein Gefühl der Hilflosigkeit.”

Es ist ein wütender Song. Es war des Gefühl der Machtlosigkeit angesichts der politischen Entwicklungen und der Tendenz der USA, sich aus fadenscheinigen Gründen in die internationale Politik – wie Kuba, Vietnam, Irak – einzumischen, das Dylan zu schaffen machte. 2001 erklärte er in einem Interview mit USA Today, dass es ein “pazifistischer Song gegen den Krieg” war und fügte hinzu: “Es ist kein Antikriegssong. Er richtete sich gegen das, was Eisenhower am Ende seiner Präsidentschaft als militärisch-industriellen Komplex bezeichnete. Diese Stimmung lag in der Luft und ich setzte mich damit auseinander.”

Das tat er. Dylan hatte die Fähigkeit, seinen Finger auf den Puls der Zeit zu legen und schrieb einige der besten Protestsongs der frühen 60er-Jahre. Und trotz des bitterbösen Zorns wurde Masters Of War von zahlreichen Künstlern gecovert – von den Staple Singers bis Cher. Und seine Wirkung lässt immer noch nicht nach. Sogar Ed Sheeran coverte den Song 2013 für die ONE Campaign gegen die weltweite Armut.

4. James Brown: Say It Loud – I’m Black And I’m Proud (1968)

Bis 1968 hatte James Brown Black Music schon mehrmals maßgeblich beeinflusst, aber mit seinem in dem Jahr erschienenen Say It Loud – I’m Black And I’m Proud äußerte er sich zum ersten Mal zur Bürgerrechtsbewegung. Und wie immer sprengte er dabei alles bisher Dagewesene: Bis dahin war der Tonfall der Bürgerrechtsbewegung eher als eine Bitte um Gleichberechtigung zu beschreiben. Browns Song allerdings war voller Trotz und Stolz. Er bittet nicht höflich darum, akzeptiert zu werden, sondern fühlt sich vollkommen wohl in seiner Haut.

Der Song ging auf Platz 10 der Billboard-Charts und diente als Blaupause für das Funk-Genre. Ähnlich wie Stevie Wonder-Klassiker in den 70ern war Say It Loud – I’m Black And I’m Proud ein politischer Song, der auch auf den Tanzflächen einschlug. Ein Knaller, der kein bisschen schüchtern war und viele Generationen beeinflusst hat.

5. Crosby, Stills, Nash & Young: Ohio (1970)

Ein altes Sprichwort sagt, das sein Bild mehr sagt als tausend Worte. Das Foto des Studenten John Filo, welches später auch im Magazin Life gedruckt wurde, hat außerdem einen der besten Protestsongs alle Zeiten inspiriert. Das Foto entstand direkt nachdem ein Ohio National Guard auf eine Gruppe von Studenten geschossen hatte, die am 4. Mai 1970 an der Kent State University gegen den Vietnamkrieg protestieren. Es zeigt die Demonstrantin Mary Vecchio, die schockiert und mit offenem Mund über der Leiche des Studenten Jeff Miller kniet und realisiert, was gerade passiert ist.

Als Neil Young das Foto sah, war er erschüttert. David Crosby gab ihm eine Gitarre und Young legte all seine Wut in diesen Song. Mit Ohio zog er eine Linie in den Sand, mit der er ‘uns’ und ‘sie’ trennte. Mit Textpassagen wie “Soldiers are cutting us down/Should have been done long ago” reflektierte er die protestfeindliche Stimmung in Teilen der amerikanischen Öffentlichkeit. In der Aufnahme von Crosby, Stills, Nash & Young wirkte der Song noch stärker: Er ist impulsiv und brodelt bis zu seinem Höhepunkt, als Crosby entsetzt und wütend schreit: “Why?” Nur die allerbesten Protestsongs durchbrechen ihr ursprüngliches Thema und lassen sich auf alle möglichen Szenarien übertragen. Ohio ist ein solcher Song.

6. Robert Wyatt: Shipbuilding (1982)

Als der Produzent Clive Langer Elvis Costello eine jazz-lastige Klaviermelodie vorspielte, zu der er keinen passenden Text fand, hatte der Falkland-Konflikt zwischen Großbritannien und Argentinien 1982 gerade erst begonnen. Costellos Text, aus dem später der Song Shipbuilding entstand, beschäftigt sich mit den möglichen Auswirkungen des Konflikts auf die traditionell vom Schiffbau geprägten Gegenden im Vereinigten Königreich. Er sinniert darüber nach, ob eine Kehrtwende im Abstieg der Schiffsindustrie gegen die potentiellen Verluste im Krieg aufgewogen werden könnte (“Is it worth it?/A new winter coat and shoes for the wife/And a bicycle on the boy’s birthday”) und er blickt mit großer Sensibilität auf die Entscheidungen, die Menschen treffen, wenn ihnen die Hände gebunden sind (“It’s all we’re skilled in/We will be shipbuilding”).

Der Song wurde quasi schon für Robert Wyatt geschrieben und er singt ihn perfekt. Sein nachdenklicher Gesang passt perfekt zu dem zwiespältigen Text. Später gab Wyatt zu bedenken, dass der Song als “die Glorifizierung der Arbeiterklasse als ‘unsere Jungs’” gelesen werden könnte, “wie sie die Konservativen gerne einsetzten, wenn sie sie in eine Uniform stecken wollten”.

7. The Specials: Free Nelson Mandela (1984)

Mit Free Nelson Mandela bewies Jerry Dammers (Gründer der englischen Ska-Band The Specials), dass politische Songs gleichzeitig tanzbar sein und zum Nachdenken anregen konnten. Free Nelson Mandela klang fröhlich und positiv und die Leute tanzten … zu einer inoffiziellen Hymne der internationalen Anti-Apartheid-Bewegung. Dass ein Song mit so einer klaren und kompromisslosen politischen Aussage ein Hit werden kann, erwartet man nicht unbedingt. Aber in Großbritannien erreichte Free Nelson Mandela Platz 6 der Charts und auch in anderen Ländern, einschließlich Südafrika, war er sehr erfolgreich.

Als Free Nelson Mandela erschien, war Mandela schon 20 Jahre wegen Sabotage und Umsturzversuchen in Haft, aber der Song wurde einer der besten Protestsongs der 80er, machte den Namen Nelson Mandela bekannter und erreichte Menschen, die sich vielleicht nicht wahnsinnig für die Weltpolitik interessierten und deshalb nicht mit seiner Geschichte vertraut waren. Der Song ermutigte sie dazu, sich mit der Situation zu beschäftigen und mehr zu erfahren. Am Tag von Mandelas Freilassung im Jahr 1990 war der Song überall zu hören – eine freudige Ode an die Freiheit.

8. Bruce Springsteen: Born In The USA

Das Album Born In The USA machte Bruce Springsteen in seiner Heimat zu einem absoluten Superstar, aber vielen entgingen die gar nicht besonders subtilen Untertöne in seinem triumphal-klingenden Titeltrack. Die Originalversion des Songs, die Springsteen während der Sessions zu dem 1982 erschienenen Album Nebraska aufnahm, ist eine verirrte und rasselnde solo Rockabilly-Version, die viel besser zum Tonfall des Textes passt. Es ist die Geschichte eines Kriegsveterans aus Vietnam, der Schweirigkeiten hat, in ein bürgerliches Leben zurückzufinden und sich von der Regierung alleingelassen fühlt.

Andererseits ist die Version, zu der so viele, die nicht richtig hingehört haben, ihre Fäuste in den Himmel recken, die vielleicht effektivere, denn so erreichte die subversive Botschaft ein Publikum, das ihm in seiner ursprünglichen Form wohl keine Aufmerksamkeit geschenkt hätte.

9. Public Enemy: Fight The Power (1989)

Nach der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden Albums It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back im Jahr 1988 waren die Hip-Hop Vorreiter Public Enemy die heißeste Band auf dem Planeten – geradeaus, musikalisch spannend und mit einem Finger am Puls der aktuellen Entwicklungen im schwarzen Teil Amerikas. Regisseur Spike Lee war in einer ähnlichen Position, als er She’s Gotta Have It und School Daze geschrieben und gedreht hatte. Beide Filme richteten sich direkt an ein schwarzes Publikum und machten auch keinen Hehl daraus.

Als Lee am Drehbuch zu seinem mit Spannung erwarteten Film Do The Right Thing arbeitete, wusste er schon, dass Public Enemy auf dem Soundtrack sein mussten. Der Film beschäftigte sich mit den Spannungen zwischen den ethnischen Gruppen in den Straßen New Yorks und Hank Shocklee vom Produktionsteam der Band, The Bomb Squad, sagte: “Ursprünglich wollte Spike, dass wir eine Hip-Hop Version des religiösen Songs Lift Every Voice And Sing aufnahmen. Da bat ich ihn, das Fenster aufzumachen und seinen Kopf rauszustrecken. ‘Was hörst du, Mann? Wenn da ein Auto mit offenen Fenstern an dir vorbeifährt, hörst du garantiert nicht jedesmal “Lift Every Voice And Sing”’. Wir mussten etwas machen, was die Straße widerspiegelte.”

Und das taten sie. Fight The Power ist eine explosive Collage aus Funk, Lärm und aggressiven Beats – das perfekte Fundament für den unverwechselbaren Text von Frontmann Chuck D & Co. Mit Zeilen wie “’Cause I’m black and I’m proud/I’m ready and hyped plus I’m amped/Most of my heroes don’t appear on no stamps”. Chuck selbst sagte, dass dies ihr wichtigster Song war, da er die sozialen und psychologischen Kämpfe zeigte, die die schwarzen Jugendlichen in Amerika jeden Tag auszutragen hatten.

10. Kendrick Lamar: Alright (2015)

In den Wochen vor Erscheinen von Kendrick Lamars Meilenstein To Pimp A Butterfly im März 2015 wurden die Vereinigten Staaten von zahlreichen Unruhen erschüttert. Im November 2014 hatte die Entscheidung, den Polizisten, der Michael Brown erschossen hatte, nicht anzuklagen, im ganzen Land zu Protesten geführt. Im selben Monat wurde der 12-jährige Tamir Rice auf offener Straße von der Polizei erschossen, weil er eine Spielzeugpistole in der Hand hielt. Die Black Lives Matter-Bewegung wurde jeden Tag stärker und als To Pimp… veröffentlicht wurde, machten die Demonstranten den Song Alright und seinem Ruf nach Hoffnung durch Solidarität und Widerstand, zu ihrer Hymne.

Auch unabhängig davon wurde Alright schnell zu einer Hymne und ist einer der besten Protestsongs seiner Zeit. Außerdem ist es ein beeindruckender Beleg für die Bedeutung der sozialen Medien für die Verbreitung einer Botschaft, denn Videos von Demonstranten, die fröhlich Kendricks Refrain “We gon’ be alright” sangen, verbreitete sich in null Komma nichts um den Globus. Damit unterstrich er einmal mehr, welchen Einfluss die Musik immer noch auf die Politik haben kann.

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Verbotene Songs: 10 kontroverse Lieder, die die Welt schockten

Popkultur

Zeitsprung: Am 6.2.1998 kommt Falco bei einem Autounfall ums Leben.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 6.2.1998.

von Christof Leim

“Österreichs einzigen Popstar von Weltrang” hat ihn einmal jemand genannt: Hans Hölzel alias Falco. Am 6.2.1998 stirbt er bei einem Autounfall in Übersee.

Hier könnt ihr euch die Greatest Hits von Falco anhören:

Falco kommt als Johann „Hans“ Hölzel 1957 in Wien zur Welt. Schon früh wird eine hohe musikalische Begabung und sogar ein absolutes Gehör festgestellt. Anfangs spielt er Gitarre, später dann Bass in Jazz-Bands. Ein Musikstudium am Wiener Konservatorium lässt er nach einem Semester links liegen, um „richtiger Musiker“ zu werden. Anfang und Mitte der Achtziger fährt Falco dann fette Erfolge ein mit Songs wie Der Kommissar und Jeanny. Rock Me Amadeus schaffte es sogar als einziges deutschsprachiges Lied an die Spitze der US-Charts. In den Neunzigern wird es jedoch sehr still um den Musiker.

Kurz vor der musikalischen Rückkehr

Doch 1998 nimmt er ein neues Album namens Out Of The Dark (Into the Light) auf. Angeblich hört er es vor seinem Tod über eine Stunde in seinem Auto, um die Reihenfolge der Songs zu bestimmen. Damals hält er sich gerade in Dominikanischen Republik auf. Gegen 16:40 Uhr an jenem 6. Februar verlässt der Sänger ein Restaurant namens Turist Disco, das an einer Straße zwischen den Städten Villa Montellano und Puerto Plata liegt. Als er vom Parkplatz fährt, kracht ein Reisebus ungebremst mit 100 km/h in seinen schwarzen Mitsubishi Pajero-Geländewagen. Der Musiker stirbt sofort, zwei Wochen vor seinem 41. Geburtstag. 

Bei der Obduktion stellt sich heraus, dass Falco nicht nur mit einem Blutalkohol von 1,5 Promille unterwegs war, sondern auch Kokain und Cannabis konsumiert hatte. Ein tragisches Ende für „Österreichs einzigen Popstar von Weltrang“, wie einmal genannt wurde. Out Of The Dark (Into the Light) erscheint am 27. Februar 1998, drei Wochen nach seinem Tod, und erreicht in Deutschland, Österreich und der Schweiz die obersten Plätze der Charts.

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Zeitsprung: Am 29.3.1986 landet Falco auf Platz eins der US-Charts

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Popkultur

Zeitsprung: Am 5.2.1935 kommt Alex Harvey zur Welt.

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Foto: Evening Standard/Hulton Archive/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 5.2.1935.

von Timon Menge und Christof Leim

Besonders geradlinig verläuft die Karriere von Alex Harvey und seiner Sensational Alex Harvey Band nicht. Dennoch gehört der schottische Musiker zu den bekannteren Gesichtern der britischen Rockmusik der Siebziger. Heute hätte er Geburtstag gefeiert. 

Hier könnt ihr euch die größten Hits von Alex Harvey anhören: 

Das Licht der Welt erblickt Alexander James Harvey am 5. Februar 1935 in einem Arbeiterstadtteil von Glasgow. Bevor er seinen Weg als professioneller Musiker einschlägt, jobbt er unter anderem als Kellner und als Dachdecker. Zeitweise graviert er sogar Grabsteine. Zu Beginn der Fünfziger begeistert er sich für Dixieland-Jazz und Skiffle, bevor er ab 1954 selbst die Bühnenbretter betritt.

Im Vorprogramm der Beatles

Ab 1958 reist Harvey mit seiner Big Soul Band durch England und Deutschland. Schnell entwickelt er sich zu einem der Aushängeschilder der britischen R&B-Szene, obwohl er auch Rocksongs zum Besten gibt. So spielt er am 20. Mai 1960 mit seiner Big Beat Band im Vorprogramm von Johnny Gentle And His Group. Hinter dem Kürzel „His Group“ verbirgt sich niemand Geringeres als die späteren Beatles, die zu jener Zeit noch aus John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Stuart Sutcliffe und Tommy Moore bestehen. Es handelt sich um den ersten Termin einer siebentägigen Schottland-Tour.

Hier tourt Alex Harvey mit. Eigentlich heißen die Beatles zu jener Zeit aber noch The Silver Beetles. Wer hat George sofort erkannt?, Foto: Buchcover

Gegen Ende der Sechziger versucht er es als Solokünstler, doch der Durchbruch bleibt aus. Der folgt dann zu Beginn der Siebziger, nach einem kleinen Umweg als Session-Musiker für die Londoner Inszenierung des Musicals Hair. Denn jetzt gründet er die Sensational Alex Harvey Band.

Die großen Erfolge

Mit der Gruppe bleibt Harvey während der gesamten Siebziger erfolgreich, steigt von 1976 bis 1978 allerdings kurzzeitig aus. Schon auf dem Debüt Framed (1972) liefert die Band Granaten wie Midnight Moses und den Titelsong Framed aus der Feder des Songschreiber-Duos Jerry Leiber und Mike Stoller ab. Zeitgleich erobert der Glam Rock das Vereinigte Königreich und später auch den Rest Europas. Harvey und seine Mitmusiker greifen den Stil auf. So entdeckt er zu jener Zeit sein legendäres, schwarz-weiß-gestreiftes Shirt. Gitarrist Zal Cleminson setzt noch einen drauf und tritt in Pantomime-Schminke und gelb-grünem Overall auf.

Mit einer Coverversion des Tom-Jones-Songs Delilah landet die Band 1975 einen Top-Ten-Hit, auch der Song The Boston Tea Party (1976) feiert große Erfolge. 1978, kurz nach Harveys Rückkehr, erscheint mit Rock Drill das letzte Album der Band. Im Anschluss veröffentlicht er zwei weitere Soloplatten und geht ab 1979 wieder auf Tour. Doch leider stirbt Alex Harvey am 4. Februar 1982 einen Tag vor seinem 47. Geburtstag an Herzversagen. Er hinterlässt zwei Söhne, einen aus jeder seiner beiden Ehen.

Zeitsprung: Am 9.1.1975 endet die Geschichte der Beatles offiziell

 

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Popkultur

10 Songs von Alice Cooper, die man kennen sollte

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Alice Cooper
Foto: Grant Lamos IV/Getty Images

Schock-Schminke, Schauer-Schlangen und schreckenerregende Songtexte: Alice Cooper hat den Schockrock zwar nicht erfunden, doch er hat ihn als erster auf die Spitze getrieben. Seit knapp 60 Jahren steht er nun auf der Bühne. Diese zehn Songs gruseln uns bis heute — auf die gute Art!

von Timon Menge

Hier könnt ihr euch einige der besten Songs von Alice Cooper anhören:

Ob Vincent Damon Furnier schon bei seiner Geburt am 4. Februar 1948 geschminkt war, ist nicht überliefert — doch wir gehen davon aus. Die Geschichte seiner ersten großen Band Alice Cooper reicht bis ins Jahr 1964 zurück. „In der Highschool haben uns alle gehasst“, erinnert er sich in einem Interview mit der Schweizer Illustrierten. „Sehr lange Zeit mochte uns wirklich niemand.“ Das ändert sich Anfang der Siebziger, denn mit ihrer Single I’m Eighteen gelingt Alice Cooper der Durchbruch. In Windeseile erobert die Gruppe die Musikwelt; ab Mitte der Siebziger spielt Furnier seine Rolle als Alice Cooper solo weiter. „Ich wollte einen Charakter spielen, der so ist, wie ich mir den besten Rockstar aller Zeiten vorstelle“, erzählt er. „Also habe ich Alice so kreiert, wie ich das wollte: ein bisschen böse, lustig, total gruselig, aber auch elegant. Alice ist mein allerliebster Rockstar.“ Unserer auch! Das sind seine zehn besten Songs.

1. I’m Eighteen (1970)

„I’m eighteen and I like it“ — Selten wurde die Volljährigkeit mit mehr Begeisterung besungen. Ursprünglich handelte es sich bei I’m Eighteen um eine achtminütige Jam-Session, doch Produzent Bob Ezrin überredete Alice Cooper dazu, den Song auf drei Minuten einzudampfen. Zum Glück — acht(zig)minütige Jam-Sessions gab es in den Sechzigern nun wirklich genug.

2. Under My Wheels (1971)

Bei Under My Wheels handelt es sich um die erste Single vom vierten Alice-Cooper-Album Killer (1971). Seitdem hat er das Stück auf wirklich jeder(!) Tour zum Besten gegeben, weshalb Under My Wheels Platz drei von Coopers meistgespielten Live-Songs belegt. 1988 nahm Cooper die Nummer übrigens noch einmal auf, und zwar mit Guns N’ Roses. Im Gegenzug ist Cooper auch in The Garden von Use Your Illusion I zu hören.

3. School’s Out (1972)

Keinen Song hat Alice Cooper häufiger live gespielt: Mehr als 2.900(!) Mal war School’s Out auf den Konzerten des Schockrockers zu hören, also quasi acht Jahre lang jeden Tag einmal. Dass Cooper und sein Publikum so viel Freude an dem Stück haben, überrascht nicht. Schließlich hat er selbst einmal gesagt: „Die beiden schönsten Zeiten des Jahres sind der Weihnachtsmorgen und der Beginn der Sommerferien.“

4. No More Mr. Nice Guy (1973)

Wer hinter diesem Titel Autobiografisches vermutet, ist auf dem richtigen Weg. In No More Mr. Nice Guy beschäftigt sich Cooper mit den Reaktionen der Kirchengruppe seiner Mutter auf seine mitunter okkult-gruseligen Bühnenauftritte. „Jetzt gibt es keinen Weg zurück“, meint er mit dem Titel. Gut so! Was hätten wir in den vergangenen Jahrzehnten bloß ohne unsere Tante Alice gemacht.

5. He’s Back (The Man Behind The Mask) (1986)

Ganze 13 Jahre liegen zwischen dem vierten und dem fünften Song unserer Liste. 13 Jahre, in denen Alice Cooper erfolgreich solo durchstartete, aber auch heftig abstürzte. An manche seiner Alben aus den Achtzigern kann er sich aufgrund seines Drogen- und Alkoholkonsums noch nicht einmal erinnern. Dieser Titel passt also zu seinem Mini-Comeback 1986 — und zum Soundtrack des Films Freitag der 13. Teil VI – Jason lebt.

6. Poison (1989)

Wann immer es um die größten Rockhymnen aller Zeiten geht, darf dieser Song nicht fehlen. In den Achtzigern hatte sich Alice Cooper durch seine Alkohol- und Drogeneskapaden beinahe selbst ins Aus geschossen, doch mit seinem 18. Studioalbum Trash gelang ihm der große Sprung zurück in den Mainstream. Bis heute handelt es sich um seine erfolgreichste Platte — und das nicht zuletzt aufgrund großer Hits wie Poison.

7. Bed Of Nails (1989)

Auch Bed Of Nails stammt von Coopers Über-Album Trash und geriet gleich hinter Poison zum zweiterfolgreichsten Song der Platte. Komponiert hat Cooper das Stück zusammen mit seinem Ex-Bassisten Kane Roberts, seinem Produzenten Desmond Child sowie mit Diane Warren, die nicht nur für Rockgrößen wie Elton John, Tina Turner und Aerosmith tätig war, sondern auch für Popstars wie Whitney Houston und Britney Spears.

8. Hey Stoopid (1991)

Hey Stoopid gehört nicht nur zu Alice Coopers berühmtesten Songs, sondern der Meister des Schockrock begrüßte für das Stück auch jede Menge Gaststars im Studio. Slash, Ozzy Osbourne, Steve Vai, Joe Satriani: Sie alle geben sich in der Nummer die Klinke in die Hand und unterstützen ihren Kumpel Alice bei seinem Rock’n’Roll-Auftrag. Die Botschaft des Songs: „Hey Dummerchen, lass das mit den Drogen doch einfach sein …“.

9. Snakebite (1991)

Wie oft Alice Cooper im Lauf seiner jahrzehntelangen Karriere von Schlangen gebissen wurde, können wir nicht mit Sicherheit sagen. Doch wir wissen, dass es sich bei Snakebite um einen seiner allerbesten Songs handelt! Inhaltlich ist die Nummer quasi vertonter Machismo. „My face is tattooed in your shoulder / Your name is scratched into my bike“, singt Cooper darin. Na dann …

10. Feed My Frankenstein (1991)

Wer den Rockfilmklassiker Wayne’s World kennt, liebt bestimmt auch Feed My Frankenstein von Alice Cooper. Vor der legendären „Wir sind unwürdig!“-Szene besuchen die beiden Chaoten Wayne und Garth in dem Streifen nämlich ein Konzert des Schockrockers und kommen in den Genuss seiner damals brandneuen Single. Heute gehört die Nummer zu Coopers späten Klassikern — aus gutem Grund!

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Sechs Anekdoten, die nur aus dem Leben von Alice Cooper stammen können

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