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Popkultur

Die musikalische DNA von Rammstein

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Die markigen Gitarrenriffs, das kehlig gerollte R, die expliziten Texte und nicht zuletzt die aufwändigen Musikvideos und Bühnenshows: Kaum eine deutsche Band hat in den letzten dreißig Jahren dermaßen polarisiert wie Rammstein – und das als Gesamtpaket. Kein Wunder eigentlich bei dem martialischen Auftreten, der Koketterie mit Tabuthemen und nicht zuletzt dem Sound der Band um Sänger und Rampensau Till Lindemann. Der ist schleppend, mächtig, männlich und irgendwie… deutsch. Dazu kommen wahnwitzige Pyro-Shows und Videos, die vor Gewaltdarstellungen, sexuellen Anspielungen oder sogar nackten Tatsachen nur strotzen. Ganz klar: Rammstein bieten viel Angriffsfläche. Und dennoch werden sie geliebt für das, was sie tun. Und das nicht zu knapp.


Hört euch hier die musikalische DNA von Rammstein in einer Playlist an und lest weiter:


Am sicherlich unschuldigsten ist dabei noch die Musik der 1994 gegründeten Band, die sich aus diversen anderen Gruppierungen aus dem DDR-Underground rekrutierte. „Den Stil haben wir gefunden, indem wir alle genau wussten, was wir nicht wollen“, sagte Keyboarder Christian „Flake“ Lorenz einst. „Und wir wollten genau nicht amerikanische Funkymusik machen oder Punk eben oder irgend so was, was wir gar nicht können. Wir haben gemerkt, dass wir nur diese Musik können, die wir auch spielen. Und die ist halt mal sehr einfach, stumpf, monoton.“ Heißt auch: Sie geht schnell rein. Was sich aber für vielschichtige Einflüsse hinter dem simplen Sound verstecken, das erfahren wir mit Blick auf die musikalische DNA der „letzten Buhmänner der Rockmusik“, wie sie Journalist Ralf Schlüter einst in der Berliner Zeitung nannte.


1. Nina Hagen – Antiworld

Wer hat’s zuerst gerollt? Dass Till Lindemann das R in Rrrrrammstein dermaßen sonor aus der Kehle kullern lässt, hat allein für genug Diskussionsstoff gesorgt – denken die meisten Menschen bei diesem Klang doch an eine ganz bestimmte historische Person. Lindemann selbst aber wies jede Absicht von sich: „Es kam von selbst, weil du in dieser tiefen Tonlage automatisch so singst. Wir wollten damit um Gottes Willen keine faschistische Attitüde erschaffen“, sagte der Sänger bereits 1997 gegenüber dem Musikexpress. Zumal das theatralisch gerollte R eine Lange musikalische Tradition hat: Zu den Zeiten der Comedian Harmonists war es völlig normal, den Konsonanten überzubetonen. „Why do you speak so funny?“, fragt auch eine Unbekannte auf dem Opener von Nina Hagens erstem Solo-Album NunSexMonkRock. Mit dem Song Antiworld setzte die Ost-Berliner Chaotin aber nicht allein mit ihrer Aussprache klare Akzente, sondern nahm sich alle möglichen künstlerischen Freiheiten. Die wären ihr so in der DDR vermutlich nicht zugekommen, doch übte Hagen auf die dortige Musikszene einen großen Einfluss aus – auch auf die späteren Rammstein-Mitglieder. Als Hagen 2003 der Band gemeinsam mit Apocalyptica das Rammstein-Stück Seemann coverte, zeigte sich sogar der sonst so lakonische Flake überwältigt: „Wenn eine Frau wie Nina ein Lied von uns spielt, ist das wie ein Orden, mehr wert als zehn Echos, Grammys und was die Geschäftswelt so bereithält.“ Rrrrührrrend!


2. Ramones – Pet Sematary


Nina Hagens künstlerisch überhöhter Punk-Entwurf lieferte auch sicherlich einige Inspiration für Rammsteins opulente Selbstinszenierung, musikalisch aber mag es die Band doch schlichter. Weniger exaltiert und angesichts von Rammsteins eigenem Sound erstaunlich poppig sind etwa die Ramones, die trotzdem zum wichtigen Vorbild wurden. Bereits zwei Jahre nach Gründung begleiteten die deutschen Schwermetaller die US-amerikanischen Punkrocker auf ihrer Abschiedstour und nahmen im Jahr 2001 an einer Gedenkveranstaltung für den im April des Jahres verstorbenen Joey Ramone teil. Gemeinsam mit Marky und C.J. Ramone sowie dem Misfits-Sänger Jerry Only sang Flake mit seiner Band den Song Pet Sematary. Der Friedhof der Kuscheltiere, das ist doch schließlich die perfekte Bühne für Rammstein. Neben Lindemann, der sich mit seiner Fun-Punk-Band First Arsch schon eindeutig an den Sound der spindeldürren New Yorker anlehnte, schwärmte vor allem Flake für den Ramoneschen Reduktionismus. “Die haben ihr dreckiges Tuch hinter die Bühne gehängt, mit ihrem Western-Zeichen – ‚hey ho let’s go‘ und dann ging’s los“, erinnerte er sich an die gemeinsame Tour. „Und da hab ich gedacht: So will ich eigentlich Musik machen!“ Wie Rammstein wohl klängen, wenn sie es genauso hielten?

 


3. Pantera – Walk

Zumindest würden Rammstein nicht ohne die messerscharfen und doch tonnenschweren Gitarrenriffs von Paul Landers so klingen, wie sie es heute tun. Der spielte vor Rammstein gemeinsam mit Flake bei der ebenfalls aus dem Punk kommenden Band Feeling B, bei der auch Drummer Christoph „Doom“ Schneider zwischen 1990 und 1993 mitmischte. Schneider zeigte sich stets ehrfürchtig vor dem Gitarristen, der hohe Maßstäbe an die Performance seiner Band anlegte: „Er kann einem schon das ganze Selbstbewusstsein rauben. Er meckert heute noch manchmal mit mir rum“, gab er kleinlaut in einer Feeling B-Biografie zu Papier. Auch für die neue Band um Till Lindemann hatte Schneider zuerst nur wenig warme Worte übrig. Als „Hilfs-Pantera“ soll er sie verächtlich bezeichnet haben, erinnerte sich der Schriftsteller Peter Richter in einem Artikel über die Band. Warum, das ist auch heute noch deutlich zu hören: Die texanische Metal-Band und insbesondere ihr Gitarrist „Dimebag“ Darrell Abbott formulierten einen ähnlichen strengen Sound, an dessen knallharten Riffs kein Gramm zu viel klebte. Um den Groove ging es auf Alben wie Vulgar Display Of Power. Rammstein nahmen es sich zu Herzen und regelten nur das Tempo herunter.


4. Clawfinger – Warfair

Simple, sich wiederholende Strukturen und ein breitwandiger Sound sind allerdings noch nicht alles, was Rammstein ausmacht. Schon immer suchte die Band die Nähe zu anderen Genres, ungewöhnlichen Klängen und unkonventionellen Strukturen Als die Band 1994 die Bühnen der Welt betrat, war die Zeit günstig. Mit Clawfinger hatte im Vorjahr eine Band debütiert, welche den sich langsam abzeichnenden Crossover-Sound maßgeblich mitprägte. Ihr Album Deaf Dumb Blind mit Songs wie Warfair war ähnlich groovig wie Pantera zu ihren Hochzeiten, bezog seine Einflüsse aber aus eher funkigeren Gebieten wie dem Hip Hop. Rammstein erwiesen der schwedisch-norwegischen Band immer noch dann Respekt, als diese Ende der neunziger Jahre ihren Zenit überschritten hatten und revanchierten sich damit dafür, dass sie dank Clawfinger ihre ersten internationale Konzerte spielen durften. Als die Schüler zum Lehrmeister wurden, vergaßen sie die einstigen Tourkameraden nicht: Clawfingers Remix-Arbeiten an Rammstein-Songs wie Du Hast, Sonne oder Keine Lust brachten sie trotz sinkenden Interesses immer wieder ins Gespräch. Einen ganz besonderen Begleiter verdanken Rammstein wohl ebenso Clawfinger: Nachdem Jacob Hellner zuerst Deaf Dumb Blind produziert hatte, wurde er zum Stammproduzenten der deutschen Band. Eine einzigartige, wie Hellner selbst sagt – die Band macht es ihm schließlich einfach. „Rammstein kommen rein und spielen nahezu fertiges Material“, schwärmte er.


5. Project Pitchfork – Alpha Omega

Nicht allein Clawfinger waren zugleich mit Rammstein auf Tour und steuerten Remixe zu ihrem umfassenden Werk bei, nein. Auch die 1989 gegründete Darkwave-Band Project Pitchfork nahmen sie 1995 als Vorgruppe auf Tour und interpretierten den Song Du riechst so gut für die Single-Veröffentlichung auf ihre unnachahmliche Art neu. Das Hamburger Projekt um Peter Spilles etablierte sich bereits 1992 und stand unter anderem im engen Austausch mit Oomph!, die Rammstein ebenso getrost als wichtige Inspiration verbuchen können. Auch die Nähe zum Project Pitchfork verblüfft nur auf den ersten Blick: Der vor allem als Spaßmacher bei Live-Shows bekannte Flake bringt sich musikalisch schließlich mit epischen Keyboard-Sounds ein, welche die Band oft in Nähe des Industrial Rocks von Nine Inch Nails gerückt haben – nicht ohne Grund waren schließlich beide auf dem Soundtrack des David Lynch-Films Lost Highway zu hören. So reihen sich Project Pitchfork in das Spalier derer ein, die Rammstein einst protegierten und von denen sie doch überflügelt worden. Alles begann auf einer Tour mit dem vielsagenden Titel Alpha Omega nach dem gleichnamigen Project Pitchfork-Album.


6. Depeche Mode – Stripped

Noch eindeutiger zeigten sich die Synthie-Einflüsse, als Rammstein für die Depeche Mode-Tribute-Compilation For The Masses deren Song Stripped coverten. Nicht ihre erste Huldigung an elektronische Vorväter: Schon Kraftwerks Das Modell hatte die Band neu interpretiert. Diesmal aber löste der Song einen Skandal aus. Beziehungsweise das Video dazu, denn wie so oft provozierten Rammstein vor allem visuell eine deftige Diskussion. Was war passiert? Regisseur Philipp Stölz hatte für das für das Video Szenen aus dem Film Olympia zusammengeschnitten! Die Regisseurin Leni Riefenstahl dokumentierte darin die olympischen Spiele des Jahres 1936 in Berlin. Riefenstahl war ein Aushängeschild nationalsozialistischer Kunst und eine flammende Verehrerin Adolf Hitlers. Dementsprechend ist Olympia weniger Dokumentation denn vielmehr ästhetisierter Propagandafilm. Schon wieder sah sich die Band zu Rechtfertigungen genötigt: „Wir waren früher entweder Punks oder Gruftis – wir hassen Nazis!“, rief Lindemann damals dem Rolling Stone entgegen. Stölz selbst meinte gegenüber dem TagesAnzeiger, das Video ließe sich „leicht als kalkulierten Skandal deuten. Aber ich bin frei von jeder fragwürdigen Gesinnung. Ich hab auch nie ganz verstanden, warum sich bei Rammstein immer alles um diese angebliche Nazi-Konnotation drehte. Wie dumm ist das denn! Die Texte von Rammstein sind wahnsinnig ironisch.“


7. Laibach – Geburt einer Nation

Die Meister der ironischen Verdrehung allerdings sind Laibach. Auf ihrem Album Opus Dei etwa coverte der musikalische Ableger des Kollektivs Neue Slowenische Kunst (NSK) im Jahr 1987 zwei berühmte Rocksongs: Opus’ Live Is Life und Queens One Vision wurden unter den Händen der Band zur martialisch anmutenden Märschen, die deutlich die musikalische Sprache totalitärer Systeme aufriefen. Der Fall scheint klar: Da haben Rammstein ihr Handwerk gelernt! Ganz so einfach ist es aber nicht: „Für mich ist Laibach eine sehr, sehr intellektuelle Geschichte“, brachte Gitarrist Richard Kruspe seine Missgunst zum Asudruck. Flake allerdings räumte die offensichtlichen Ähnlichkeiten vor allem im hypermaskulinen Gesangsstil durchaus ein. Woher aber kommt Rammsteins Spiel mit den Ambivalenzen? Christopher Schneider sieht die Band in einer bestimmten textlichen Tradition: „Wenn man sich Texte von DDR-Bands ansieht, sieht man, wie gut die teilweise sind, wenn sie ein Thema mit lyrischen Mitteln umschreiben“, sagte der Schlagzeuger. „Diese Vergangenheit ist mit uns eng verbunden.“ So oder so müssen sich Rammstein immer mit den großen slowenischen Kollegen messen. Immerhin der slowenische Philosoph Slavoj Žižek sprach Rammstein ein ähnliches Subversionspotenzial zu: „Rammstein unterlaufen die totalitäre Ideologie nicht durch ironische Distanz, sondern durch Konfrontation mit der obszönen Körperlichkeit der ihr zugehörigen Rituale und machen sie damit unschädlich“, schrieb er auf ZEIT Online. Und obwohl Laibach selbst sagten, dass Rammstein die Kinderversion ihrer eigenen Band seien: Sie coverten Rammsteins Ohne Dich als skurrile Schlager-Version. Oder war das auch nur ein ironischer Witz?


8. The Prodigy – Smack My Bitch Up

Ähnlich wie die slowenischen (Nicht-)Vorbilder Laibach gehört das Visuelle bei Rammstein zum Gesamtimage unbedingt dazu. Das Stripped-Video jedoch war nur die Spitze des Eisbergs. Für das Video zum Song Pussy etwa mietete sich die Band in einem Bordell in Berlin-Charlottenburg ein, um mit Pornostars zusammen… Naja, ihr könnt es euch denken. Anschauen jedoch könnt ihr euch die unzensierte Version jedoch lediglich auf einschlägigen Internetseiten. Verantwortlich für dieses und andere Videos ist der Regisseur Jonas Åkerlund, der selbst auf eine musikalische Karriere zurückschauen kann: Zwischen 1983 bis 1984 war er Schlagzeuger der Band Bathory, die maßgeblich für das Black Metal-Genre waren. Seinen internationalen Durchbruch erlebte der Schwede im Jahr 1997 mit dem skandalösen Video zum Song Smack My Bitch Up von der Rave-Band The Prodigy. Darin ist eine exzessive Nacht aus der Egoperspektive zu sehen – weiße Lines, sexuelle Übergriffigkeiten und eine Clubschlägerei inklusive. Nach einem Autoklau und einer wilden Sexszene mit einer Stripperin wartet allerdings eine Überraschung aufs Publikum: Das hat den Abend nicht etwa wie angenommen aus der Perspektive eines Mannes, sondern einer Frau erlebt. Ein Video voller „obszöner Körperlichkeiten“ und damit ganz nach Rammsteins Geschmack. Seit 2005 arbeitet die Band regelmäßig mit Åkerlund zusammen, der sich auch für den megalomanischen Konzertfilm Rammstein: Paris verantwortlich zeigte.


9. Kurt Weill – Die Moritat von Mackie Messer (aus: Die Dreigroschenoper)

Rammsteins theatralische Selbstinszenierung lässt sich leicht in die zwanziger und natürlich dreißiger Jahre zurückverfolgen, erschöpft sich jedoch nicht am rechten Rand. Lindemanns Faible für deutsche Literatur – er selbst hat als Lyriker debütiert – erstreckt sich ebenso auf einen der großen Dramaturgen der Weimarer Republik: Bertolt Brecht. Die Zeilen „Und der Haifisch der hat Tränen / und die laufen vom Gesicht / doch der Haifisch lebt im Wasser / so die Tränen sieht man nicht“ aus dem Rammstein-Song Haifisch sind eine eindeutige Anspielung auf Die Moritat von Mackie Messer aus der Dreigroschenoper, dem epischen Theaterstück, welches Brecht gemeinsam mit dem Komponisten Kurt Weill auf die Bühne brachte. Das Bänkellied aus dem 1928 veröffentlichten Drama wurde zu einer Art skurrilem Welthit, den selbst ein Frank Sinatra coverte. „Brecht schrieb ja vor allem in den 20er-Jahren über Abgründe, Exzesse und Obsessionen“, begründete Lindemann dem Berliner Stadtmagazin tip gegenüber seine Faszination mit dem Schriftsteller, der 1933 vor den Nazis ins Exil flüchtete. Insbesondere Brechts erzählender Stil gefällt dem Sänger, wohl aber genauso dessen kaltschnäuziger Bruch mit allen Tabus seiner Zeit. Ob Brecht allerdings an Rammstein Gefallen gefunden hätte?

 


10. Dresdner Sinfoniker – Stimmen aus dem Kissen

Wer sich seine Inspiration aus der sogenannten Hochkultur bezieht, der wird wohl früher oder später ebenso von ihr entdeckt. Nicht allein ein auf Metal ausgerichtetes Klassik-Projekt wie Apocalyptica widmete sich dem Sound der Neuen Deutschen Härte, wie sie von Rammstein durch die Welt getragen wurde – auch die Dresdner Sinfoniker adaptieren ihre Stücke! Der 2003 veröffentlichte Liederzyklus Mein Herz brennt des 1996 von Markus Rindt und Sven Helbig gegründeten Orchesters für zeitgenössische Musik interpretierte unter der Leitung von Komponist Torsten Rasch eher, sagen wir mal, unverfängliche Stücke aus deren Backkatalog neu: Mutter, Herzeleid, Sehnsucht und der titelgebende Song erhielten ein neues, aufgebauschtes Gewand. Auf dem ECHO-prämierten Album findet sich ebenso ein Stück mit sogenannten Variationen über Rammstein, das Lied Stimmen aus dem Kissen, das nachdrücklich darlegte, wie inspirierend die Musik Rammsteins für Neue Musik sein kann! Wie so oft in der Rammstein-Geschichte ergriff die Band die Gelegenheit für eine weitere Zusammenarbeit: Sven Helbig trat seitdem des Öfteren als Produzent von Rammstein in Erscheinung. Kommt also bald die erste Rammstein-Sinfonie? Wir warten es ab!


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„White Christmas“, „All I Want For Christmas Is You“ und mehr: Verrückte Fakten zu den größten Weihnachtssongs

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Mariah Carey
Foto: Gilbert Carrasquillo /Getty Images

Sie dudeln im Radio auf und ab, beschallen Weihnachtsmärkte und Cafés: Hättet ihr diese Dinge über Evergreens wie Last Christmas, All I Want For Christmas Is You oder White Christmas gewusst?

von Björn Springorum

Auf wenige Dinge ist so sehr Verlass wie das pünktliche Aufschlagen von Last Christmas und All I Want For Christmas Is You deutlich vor dem ersten Advent. Weihnachtssongs sind Fluch und Segen zugleich, Boten einer schönen Zeit für die einen und Geißel des schlechten Geschmacks für die anderen – Stichwort #whamageddon. Zu welchem Lager man auch zählt: Vorbei kommt dieser Tage niemand an ihnen. Da lohnt mal ein Blick auf die erstaunlichen Geschichten hinter fünf der erfolgreichsten Weihnachtssongs aller Zeiten.

1. All I Want For Christmas Is You (1994)

Eine der erfolgreichsten Singles aller Zeiten ist in gerade mal 15 Minuten entstanden. So kurz sollen Mariah Carey und Walter Afanasieff für das Songwriting dieser Nummer gebraucht haben. Bewusst angelehnt an den Ronettes-Sound der Sechziger, braucht All I Want For Christmas Is You kommerziell gesehen deutlich mehr Zeit als für seine Entstehung. Der Grund: Der Song wurde anfangs nicht offiziell als reguläre Single ausgekoppelt und konnte deswegen auch nicht in den Charts notieren. Das ändert sich, als 1998 die Regularien angepasst werden. Damals beginnt die erstaunliche Erfolgsgeschichte des Songs: Am 21. Dezember 2019 – 25 Jahre nach Veröffentlichung – steht der Song erstmals ganz oben in den US-Charts. 16 Millionen Exemplare sind mittlerweile verkauft, unzählige Streaming-Rekorde gebrochen. Geschätzte 60 Millionen gibt es an Royalties allein für diesen Song, Mariah Carey allein verdient grob geschätzt 2,5 Millionen US-Dollar pro Jahr mit All I Want For Christmas Is You. Nicht übel – dafür, dass sie den Songs anfangs gar nicht aufnehmen wollte.

2. Santa Claus Is Comin’ To Town (1934)

Auch dieser Song gehört zu Weihnachten wie schlechter Glühwein: Erstmals 1934 von einem Banjo-Spieler namens Harry Reser aufgeführt, hat sich Santa Claus Is Comin’ To Town zum weihnachtlichen Pflichtprogramm entwickelt. Liegt natürlich auch an seiner erstaunlichen Haltbarkeit und Attraktivität für andere Künstler: In den letzten knapp 80 Jahren haben sich über 200 Künstler*innen an diesem Klassiker von J. Fred Coots und Haven Gillespie versucht – und nicht unbedingt unbekannte, um es mal so zu sagen: Unter anderem gibt es Versionen von Bing Crosby, Mariah Carey, Neil Diamond, Bruce Springsteen, Frank Sinatra, Bill Evans, Chris Isaak, The Temptations, The Carpenters, Michael Bublé und den Jackson 5. Am ehesten denkt man bei Santa Claus Is Comin’ To Town aber wahrscheinlich an den Boss und seine unvergleichliche Version. Die entstand gemeinsam mit der E Street Band am 12. Dezember 1975, wurde aber erst 1982 auf dem Sesamstraße-Album In Harmony 2 veröffentlicht und steigt seit 2002 regelmäßig hoch in die Charts ein. Springsteen-Konzerte im November und Dezember kommen ebenfalls nie ohne diese Nummer aus.

3. Last Christmas (1984)

Irgendwann im Sommer 1984 wird George Michael plötzlich vom Geist der Weihnacht heimgesucht. Er und sein Wham!-Kollege Ridgeley sind gerade bei Michaels Eltern zu Besuch, als ihn die winterliche Muse küsst: Er rauscht in sein altes Kinderzimmer und schreibt dort mal so eben einen der größten, wenn auch polarisierendsten Weihnachtshits aller Zeiten. Die Nummer wird zum Erfolg und schnell auch zum unverzichtbaren Weihnachtslied. Nur die Nummer Eins in den britischen Charts bleibt Last Christmas vergönnt – bis 2021, mehr als 36 Jahre nach der Veröffentlichung. Den Gesamterlös des Songs spendet Wham! vorbildlich dem Kampf gegen die verheerende Hungerkrise in Äthiopien. Bei über sechs Millionen verkauften Singles kommt da einiges zusammen.

4. Do They Know It’s Christmas (1984)

Das ist die Nummer, die Last Christmas 1984 davon abhält, die Spitze der britischen Charts zu erklimmen: Do They Know It’s Christmas von Bob Geldorf und Midge Ure ist eine der bekanntesten Benefiz-Singles aller Zeiten. Und ein echter Allstar-Coup: Aufgenommen an nur einem einzigen Tag am 24. November 1984 im Londoner Stadtteil Notting Hill, kommt die als Band Aid bezeichnete Supergroup an diesem Tag erstmals hinterm Mikro zusammen: Unter anderem singen Bono, Siobhan Fahey, Phil Collins, Boy George, Paul Weller. Sting und wieder George Michael (der damit auf Platz eins und zwei der britischen Single-Charts thront) gegen den Hunger in Äthiopien. Und sammeln ordentlich Geld ein: Die Single verkauft sich knapp zwölf Millionen Mal. Aus den von Geldorf erhofften 70.000 Pfund werden innerhalb eines Jahres acht Millionen. Kritik gibt es dennoch: Der Text spiele mit westlichen Vorurteilen und Afrikaklischees und würde die Vielfalt Afrikas unter den Teppich kehren.

5. White Christmas (1942)

1940 setzt sich Irving Berlin hin und schreibt einen Song über eine nostalgische, romantisierte Vorstellung von Weihnachten. Ja, das hat man auch schon 1942 gemacht. Sie kommt in den Soundtrack zum Film Holiday Inn und bekommt prompt den Oscar für den besten Filmsong. „Es ist nicht nur der beste Song, den ich je geschrieben habe, sondern auch der beste Song, den irgendjemand anders je geschrieben hat“, soll er seiner Sekretärin gesagt haben. Nicht gerade beschieden, aber irgendwie auch nicht ganz falsch. Zumindest hinsichtlich seines Erfolgs: Am 29. Mai 1942 nimmt Bing Crosby den Song in schlanken 18 Minuten auf, hält aber nicht viel davon. 80 Jahre später wissen wir: Er unterschätzt die Nostalgie der Menschen. White Christmas ist die erfolgreichste Single aller Zeiten! Zwar sprechen wir heute meist von der 1947-er Neuaufnahme (das Original wurde zu oft gespielt und beschädigt), aber das ist nebensächlich: Mit über 50 Millionen verkauften Exemplaren steht White Christmas ganz oben an der Spitze. Über 500 verschiedene Versionen in zahlreichen Sprachen sind mittlerweile entstanden. Und weil er damals schon nostalgisch war, wirkt er auch mit seinen 80 Jahren alterslos.

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Popkultur

Die 15 besten Weihnachtsgeschenke für Rockfans

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Weihnachtsgeschenk
Foto: Getty Images

Weihnachten nähert sich in großen Schritten. Du weißt immer noch nicht so recht, was du deinen rock-affinen Liebsten schenken sollst? Kein Problem — wir haben da ein paar Ideen!

1. Bono — Surrender: 40 Songs, One Story

U2-Frontmann Bono veröffentlichte im November 2022 seine Memoiren — und darin erzählt einer der größten Frontmänner der Rockgeschichte, wie Paul aus Dublin zu Rockstar und Weltbürger/Weltretter Bono wurde. Ein spannendes Buch, das nicht nur die Anfänge U2s beleuchtet, sondern Bono auch als selbstironischen, reflektierten Zeitgenossen zeigt.

(Hier für 20,99 Euro)

 2. Guns N’ Roses — Use Your Illusion Super Deluxe 12-LP Box

Use Your Illusion

Was für einen Nachfolger macht man nach einem Mega-Debüt wie Appetite For Destruction? Am bestengleich zwei neue Longplayer! Use Your Illusion I + II, das sind zwei Alben, die nur so überquellen. Opulent, rockig, dreckig, hochglanzproduziert, bluesy, überladen, rotzig — alles zugleich, alles auf Maximum. Im November 2022 öffneten Axl, Slash & Co. das Bandarchiv und veröffentlichten ein Boxset, das Fans der Gunners das Wasser im Mund zusammenlaufen lässt. 97 Tracks auf 12 LPs, davon 63 unveröffentlicht — mit Blu-ray, Buch, Lithografien und jeder Menge Goodies… und das alles natürlich im stylischen Boxset. Das mega ausführliche Boxset gibt es bei uns im uDiscover Store — übrigens auch als günstigere 7-CD-Box.

(Hier für 498,99€)

3. BAP — Bap Vinyl Box Vol. 3 (2001-2011)

Wolfgang Niedecken lud in letzter Zeit vermehrt zur Vinyl-Retrospektive und widmete jedem Jahrzehnt von BAP eine Vinyl-Box. Zuletzt erschien mit Volume 3 eine Rückschau auf die 2000er-Jahre. Fünf Alben auf je zwei 180-Gramm-LPs, dazu schöne Artworks, Prints, Texte und Faksimiles. Für Fans von BAP ein Muss!

(Hier für 173,99 Euro)

4. 101 Rock Stories: Anekdoten, Exzesse und wilde Geschichten von Christof Leim

Warum wollte Axl Rose einst David Bowie verhauen? Was verbindet AC/DC mit einem Serienkiller? Und was haben Faith No More mit dem Fall der Berliner Mauer zu tun? — Diesen (und etlichen weiteren Fragen) geht uDiscover-Autor Christof Leim in seinem Buch 101 Rock Stories: Anekdoten, Exzesse und wilde Geschichten nach. Der Musiker und Musikjournalist gräbt tief in der Schatzkiste der Rock’n’Roll-Geschichten — und sorgt für ein kurzweiliges Lesevergnügen. 

(Hier für 14 Euro)

 5. Peter Frampton — Do You Feel Like I Do? A Memoir

Vor wenigen Wochen sagte die US-amerikanische Rock-Ikone Peter Frampton seinen deutschen Fans mit den letzten Deutschlandkonzerten seiner Abschiedstournee Lebewohl. Wie bewegt seine Karriere war, lässt sich in seinen Memoiren nachlesen, die Ende 2021 erschienen sind.

(Hier für 15,59 Euro)

6. Heavy Metal Ukulele

UkuleleHeavy Metal funktioniert auch auf der Ukulele — das beweist dieses Prachtstück in Flying-V-Form. Wieso nicht mal Thunderstruck, Raining Blood und Enter Sandman auf der Uke zum Besten geben — unter dem Weihnachtsbaum, wo sonst?

(Hier für 37,20 €)

7. Slayer-Wein

Slayer-Fan, aber zugleich auch Reben-Feinspitz? Bekennende Weinliebhaber*innen kommen mit dem Slayer Reign In Blood Red auf ihre Kosten. Der Cabernet Sauvignon stammt, wie Araya & Co., aus Kalifornien — und passt hervorragend zum musikalischen Oeuvre der Herren.

(Hier für 9,59 Euro)

8. Rolling-Stones-Baumwollbeutel

Wie soll man eigentlich die ganzen Weihnachtsgeschenke nach Hause tragen? Am besten stilecht im Rolling-Stones-Baumwollbeutel mit dem ikonischen Zungen-Logo. Hier findet von exklusiven CDs und LPs bis zu T-Shirts und anderen Goodies so einiges Platz!

(Hier für 9,99 Euro)

9. Marshall Bluetooth Lautsprecher

Marshall LautsprecherKeine richtige Stereoanlage da? Kein Problem, mit der richtigen Bluetooth-Lautsprecherbox lässt sich auch ganz unkompliziert via Bluetooth gut Musik hören. Wer dabei nicht auf den klassischen Retro-Rocklook verzichten möchte, findet einige tolle Modelle von Marshall, zum Beispiel wie den Acton II. Der überzeugt mit druckvollem Sound und edlem Look!

(Hier für 199,99 Euro)

10. AKG Kopfhörer

Gute Kopfhörer sind für jeden Musikfan ein absolutes Muss — denn so lässt sich auch ohne sündteure Boxen Musik im hochwertigen Klang genießen. Die Auswahl an guten Kopfhörern ist groß, wir entscheiden uns an dieser Stelle für die AKG K-612, einfach weil sie gute Allrounder sind und auch fürs Studio taugen!

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11. Inhaler — It Won’t Always Be Like This (LP)

Im Februar 2022 veröffentlichen Inhaler ihr neues Studioalbum Cuts & Bruises. Die Wartezeit kann man aber auch mit ihrem Debüt It Won’t Always Be Like This überbrücken, das es im uDiscover Store als LP-Version gibt.

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12. Schallplatten-Reinigungsset

Natürlich muss die eigene Plattensammlung auch gepflegt werden. Um dem edlen Vinyl die Liebe zukommen zu lassen, die es verdient, empfehlen wir ein Vinyl-Reinigungsset.

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13. Squier Jazzmaster Gitarre

Squier JazzmasterWer gerne E-Gitarre lernen möchte, muss keineswegs gleich zu teuren Marken greifen. Fender etwa hat mit seiner kostengünstigen Tochterfirma Squier einige fabelhafte Modelle im Sortiment, die sich wahrlich nicht vor deutlich teureren Gitarren nicht verstecken müssen. Etwa die 40th Anniversary Jazzmaster, die nicht nur toll aussieht, sondern auch exzellent klingt.

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14. Kreator-T-Shirt

Mal unter dem Weihnachtsbaum mit ein paar Metal-Motiven bei Oma und Opa anecken? Wir hätten da ein paar Ideen — beispielsweise dieses Shirt der deutschen Metallegenden Kreator.

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Großer Sale im uDiscover-Store: Die Empfehlungen der Redaktion

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Popkultur

Zeitsprung: Am 6.12.1994 erscheint „Vitalogy“ von Pearl Jam auf CD und Kassette.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 6.12.1994.

von Victoria Schaffrath und Christof Leim

1994 markiert den Wendepunkt für den Grunge: Nach Kurt Cobains Tod wenden sich die Medien gegen die Rock-Bewegung, während sich Pearl Jam im kalten Krieg mit Ticketmaster befinden. Die Jungs aus Seattle wagen mit Vitalogy den Befreiungsschlag und ebnen den Weg für Meisterwerke wie Yield. Am 6. Dezember 1994 erscheint das Album regulär auf CD…

Hört hier in Vitalogy rein: 

„Lives opened and trashed / Look, Ma, watch me crash“ intoniert Eddie Vedder im Opener Last Exit und fasst damit schon ziemlich gut zusammen, was da so in der Welt von Pearl Jam vor sich geht. Als Teil der Grunge-Szene von Seattle kommen sie mit ihrem Debüt Ten trotz kommerziellem Durchbruch nicht wirklich gut an, die Folgeplatte Vs. (1993) zementiert dafür ihren Platz zwischen Nirvana, Soundgarden und Alice In Chains. So sehr, dass der daraus resultierende Erfolg die Gruppe in eine schwere Sinnkrise stürzt. Dazu noch der Medienrummel um Kurt Cobains Suizid sowie eine Extraportion Streitigkeiten um Konzertpreise((LINK)) mit Ticketmaster. Kurzum: Der Boden unter den Bandgrundmauern wackelt.

Vorsicht, rissig

Die Aufnahmen für das dritte Album entstehen während der Tour zu Vs., die Sänger (und nun auch Gitarrist) Vedder, Bassist Jeff Ament, den Gitarristen Stone Gossard und Mike McCready und Schlagzeuger Dave Abbruzzese einiges abverlangt. Abbruzzese darf gegen Ende der Aufnahmen den Abflug machen, denn seine Kritik am Ticketmaster-Konflikt stößt auf. McCready wiederum merkt, dass sein Kokain- und Alkoholproblem die Gruppe gefährdet: „Nach dem die Band durchgestartet war, befand ich mich in meiner eigenen kleinen Welt.“ Er checkt zwischen Aufnahmen und Veröffentlichung in die Entzugsklinik ein.

An den Drums übernimmt Vedder-Vertrauter und ehemaliger Red Hot Chili Pepper Jack Irons, der positive Energie in den Laden bringt. Die braucht es dringend, denn der Sänger, der hier verstärkt die kreativen Zügel in die Hand nimmt, gerät nun mit Gossard aneinander. Für ersteren stellt der Führungswechsel eine natürliche Konsequenz dar: „Das war keine feindliche Übernahme. Ich fand, dass alle unsere Veröffentlichungen stellvertretend für mich standen. Da ich sowas wie das Gesicht der Band wurde, musste ich auch musikalisch mehr repräsentiert werden“, erzählt er später in der Dokumentation Pearl Jam Twenty

Lebenszeichen

Diese Kehrtwende äußert sich auch in, sagen wir mal, etwas wundersameren Werken wie Hey Foxymophandlemama, That’s Me, einer Soundcollage mit Äußerungen von Insassen einer Nervenklinik. Dagegen stehen aber Stücke wie das unangepasste Spin The Black Circle, Immortality und das wunderbare Better Man, die das umstrittene Album zu einem wichtigen Punkt der Bandgeschichte machen.

Ganz bewusst veröffentlichen Pearl Jam das Ding zunächst am 22. November 1994 auf Vinyl und für die damals gängigen Formate CD und Kassette gibt’s ein zweiwöchiges Embargo. Das zahlt sich aus, denn Vitalogy hält bis zur Veröffentlichung von Jack Whites Lazaretto 2014 den Rekord für die meisten Vinylverkäufe innerhalb einer Woche. Ab dem Nikolaustag 1994 stehen dann auch CDs und Kassetten zum Verkauf. Wie Kollege Chris Cornell in der Doku treffend bemerkt: „Amerikanische Rockbands lösen sich auf. Pearl Jam schafften es zusammenzubleiben.“ Vitalogy entpuppte sich dabei als der Kitt der beginnenden Risse.

Zeitsprung: Am 30.6.2000 passiert Schlimmes bei einer Pearl Jam-Show in Roskilde.

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