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Popkultur

Die Flying V: Die Geschichte und berühmten Spieler der v-förmigen Gitarre

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Kirk Hammett mit einer Flying V. Foto: Ross Marino/Icon and Image/Getty Images

Zacken, Ecken, ungewöhnliche Formen: In der Metal-Welt sind Gitarren mit solchen Korpusformen längst ein unverzichtbarer Bestandteil. Die Flying V ist diesbezüglich natürlich ein absoluter Pionier – dabei hatte die legendäre Gitarre mit der V-Form alles andere als einen leichten Start.

von Markus Brandstetter

Als Gibson die Flying V im Jahr 1958 vorstellte, schien sie nämlich alles andere als ein großer Erfolg zu werden. Der Gitarrenkonzern erweiterte sein Sortiment damals um mehrere Gitarren, darunter die Explorer, die Flying-V und die heute weit weniger geläufige Moderne.

Gibson wollte mit den ungewöhnlichen Gitarren sein Image etwas aufpeppen, etwas moderner werden. Man war optimistisch, dass das Instrument ein Erfolg werden würde – und wurde zunächst enttäuscht. Die Erstauflage der Gitarre betrug wenige hundert Stück, die Bestellungen lagen sogar noch weit darunter. Das Interesse schien also, gelinde gesagt, zunächst enden wollend zu sein für die aufsehenerregende Gitarre, deren Korpus damals noch aus Korina-Holz gefertigt wurde.

Die Flying V hatte Glück.

Für einige Zeit schien es so, als würde die Flying V in der Versenkung der Gitarrengeschichte verschwinden und maximal ein Dasein als Sammlerstück fristen. Neue Instrumente wurden keine gebaut, hier und da wurden noch eine Handvoll Restexemplare verkauft. Dass sich die Geschichte für die Flying V doch noch zum guten wandte, ist unter anderem dem Blues-Gitarristen Albert King, The-Kinks-Gitarrist Dave Davis oder Gitarren-Ikone Jimi Hendrix und einigen anderen Blues-Gitarristen zu verdanken. Diese zeigten sich immer wieder mit dem Instrument und weckten das Interesse der breiten Gitarren-Öffentlichkeit. Das veranlasste Gibson dazu, ab 1967 die Produktion der Flying V wieder aufzunehmen – in etwas modifizierter Form und mit Mahagoni-Holz. (Die Korina-Modelle sind heute begehrte Sammlerstücke).

Wie die Geschichte weiterging, ist bekannt. Die Flying V wurde zur beliebten Gitarre im Rock und Metal, mit Blues assoziiert man sie heute eher nur noch marginal. Längst haben auch andere Gitarrenfirmen die V-Form adaptiert und weiterentwickelt, von Jackson über ESP bis hin zu jüngeren Firmen wie Solar Guitars besitzen etliche Hersteller verwandte Modelle im Sortiment. 2020 erschien eine Doku über die Flying V, in der Bands wie Metallica und Slayer über ihre Liebe zu der Gitarre sprachen.

Wir werfen einen Blick auf zehn prominente Gitarristen, die Flying Vs spielten (und damit die Gitarre ins Bewusstsein der Öffentlichkeit brachten).

Albert King

Der legendäre Blues-Gitarrist Albert King (1923-1992) ist einer der Flying-V-Pioniere. King mochte die Gitarre angeblich aufgrund ihrer Form und nutzte sein 1958er-Modell (natürlich aus Korina-Holz) auf etlichen Aufnahmen, die er für das legendäre Stax-Label machte. Seine Gitarre hatte auch einen Namen: Lucy. Sein Originalmodell wurde ihm 1958 gestohlen, tauchte später wieder auf. Eine zweite Flying-V nannte er ebenfalls Lucy.

Albert King 1978.

Jimi Hendrix

Klar, Jimi Hendrix verbindet man in erster Linie mit der Fender Stratocaster – aber Hendrix fand auch Gefallen an Flying Vs. Seine wohl bekannteste Flying V ist das 1967er-Modell mit der Blumenverzierung. Hendrix soll das Instrument im Juli 1967 während eines New-York-Aufenthalts gekauft haben und nutzte es 1967 und im Folgejahr bei Konzerten sowie Fernsehauftritten. 1968 kehrte er der Flying V weitgehend den Rücken.

Dave Davies

Als Dave Davies im Jahr 1965 mit einer Flying V auftrat, war die Gitarre weitgehend in der Versenkung verschwunden. The Kinks waren gerade auf Tour in den USA – und Davies hatte ein Problem: Seine Gitarre ging beim Flug verloren. Daraufhin besorgte er sich eine 1958er Flying V – und trat damit in der US-amerikanischen TV-Show „Shindig!“ auf. Davis besaß die Gitarre bis 1992, danach wechselte sie mehrfach den Besitzer.

Marc Bolan

Ein weiterer Rockstar, der in den 1970ern zur Flying V griff, war Marc Bolan von T.Rex. Bolan spielte ein 1969er Walnut-Modell mit dem goldenenen Logo, das in diesem Jahr erstmals auf den Gitarren zu finden war.

KK Downing

Später wurde die Flying V später vor allem im Metal-Bereich eine absolute Institution. Zu den legendären Spielern, die Gibson Flying Vs spielten, gehörte unter anderem Judas-Priest-Gründungsmitglied KK Downing.

Michael Schenker

Im Heavy-Bereich ebenfalls ein prominenter Flying-V-Spieler ist Michael Schenker. Der V-Form ist er treu geblieben, Gibson hat er jedoch den Rücken zugekehrt.

Rudolf Schenker

Auch Michael Schenkers Bruder Rudolf Schenker ist bekannter Flying-V-Spieler und untrennbar mit der V-Form verbunden. Nachzusehen auch im legendären Video zu Wind Of Change und bei so ziemlich allen Auftritten der Scorpions.

Randy Rhoads

Bislang haben wir nur über Gibson-Flying-V-Spieler geredet. Allerdings dürfen wir einen legendären Gitarristen nicht vergessen, der in Sachen Vs nicht zu Gibsons griff: Randy Rhoads. Rhoads spielte mehrere V-Modelle, die erste wurde von  Karl Sandoval gebaut, später erschien auch ein Serienmodell von Jackson.  Rhoads’ Jackson — seit 1982 ein Serienmodell – ist ganz klar an die Flying V angelehnt, die Enden sind jedoch spitzer und asymmetrisch als die reguläre Gibson-Modelle. Das Sandoval-Modell (schwarz mit weißen Punkten) ist von der Form einer Gibson schon ähnlicher.

James Hetfield

Auch Metallica-Chef James Hetfield ist ein Fan der V-Form. Bereits in den frühen Tagen sah man ihn mit einer weißen Gibson Flying-V (viele argumentieren, dass es sich dabei allerdings eine billige Kopie handelte, die trotz Gibson-Logo keine echte war). Als ESP-Endorser hat er etliche großartige Nicht-Gibson-Flying-Vs in seinem Gitarrenschrank. Ein sehr schönes Exemplar: Die JH-1 Flying V aus dem Musikvideo des Songs Whiskey In The Jar.

Lenny Kravitz

Einer, der die Flying V auch in den 1990ern einmal mehr ins Bewusstsein einer breiten Masse rief, war Lenny Kravitz. Legendär beispielsweise das Video zum Song Are You Gonna Go My Way, in dem die Gitarre eine prominente Rolle spielt.

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Popkultur

Meilenstein im Blitztempo: Wie Big Mama Thornton mit „Hound Dog“ einen Grundstein des Rock’n’Roll legte

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Big Mama Thornton
Foto: Jim Barron/Redferns/Getty Images

Geschrieben in 15 Minuten, aufgenommen am nächsten Tag und für immer ein Teil der Rockgeschichte: Mit Hound Dog landete Big Mama Thornton nicht nur ihren größten Hit, sondern leistete auch einen wichtigen Beitrag zur Entwicklung des Rock’n’Roll. Ein Künstler feierte mit dem Song allerdings noch größere Erfolge.

Hier könnt ihr euch einige der besten Songs von Big Mama Thornton anhören:

„You ain’t nothin’ but a hound dog“: Noch heute steht diese Zeile für die energiegeladenen Anfangstage des Rock’n’Roll. Geschrieben wurde die Nummer allerdings nicht für Elvis Presley, der mit dem Song einen der größten Hits seiner erstaunlichen Karriere landete. Nein, eigentlich komponierten die beiden Songschreiber Jerry Leiber und Mike Stoller das Stück für Willie Mae „Big Mama“ Thornton — und zwar in Rekordzeit. „Für Hound Dog haben wir etwa zwölf bis 15 Minuten gebraucht“, berichtet Leiber 1990 in einem Interview mit dem Rolling Stone. „Der Song ist nicht sonderlich kompliziert.“ Doch wie kam es eigentlich zu der Zusammenarbeit zwischen Leiber, Stoller und Thornton?

Wir schreiben den 12. August 1952. Bandleader und Musikproduzent Johnny Otis hat die 19-jährigen Songschreiber Leiber und Stoller zu sich nach Hause eingeladen, damit sie Big Mama Thornton kennenlernen können. Das Duo hört der Sängerin bei einer Probe zu und Otis fragt, ob die Zwei einen Song für Thornton schreiben können. Noch am selben Nachmittag entsteht Hound Dog. „Sie war eine wunderbare Blues-Sängerin mit einem großartigen anklagenden Stil“, schwärmt Stoller im Rolling-Stone-Interview von Thornton. „Es war aber nicht nur ihr Stil, sondern auch ihr Aussehen, das Hound Dog beeinflusst hat, und uns auf die Idee gebracht hat, dass sie den Song eher brummen soll.“

„Erzähl mir nicht, wie ich den Blues zu singen habe.“

Schon am nächsten Tag steht Thornton im Studio und singt das Stück ein. Die Produktion übernehmen Leiber und Stoller zum ersten Mal selbst. „Wir haben uns Sorgen gemacht, weil der vorherige Schlagzeuger nicht das gleiche Gefühl rüberbrachte wie Otis bei den Proben“, erklärt Stoller in der Autobiografie des Komponistenpaares. „Jerry fragte Johnny, ob er nicht das Schlagzeug einspielen kann. ‚Niemand bringt diesen Groove so auf den Punkt wie du‘, sagte er. Johnny fragte: ‚Und wer betreut die Aufnahme-Session?‘ Stille. ‚Ihr Zwei?‘, fragte er. ‚Die Kids betreuen die Aufnahme?’ Ich sagte: ‚Klar. Die Kids haben es geschrieben. Also lass es die Kids tun.’ Johnny grinste und sagte: ‚Warum nicht?‘“

Bei den Proben geraten die Songschreiber und Thornton aneinander. Leiber und Stoller möchten, dass die Sängerin das Stück ein wenig anders umsetzt, nehmen ihren Mut zusammen und weisen sie darauf hin. Mit ihrer Größe von etwa 1,80 Metern, einem Gewicht von 115 Kilo und zahlreichen Narben im Gesicht macht Thornton ihrem Spitznamen „Big Mama“ alle Ehre, schaut die beiden Komponisten kühl an und sagt: „Weißer Junge, erzähl mir nicht, wie ich den Blues zu singen habe.“ Touché. Trotz der Unstimmigkeiten finden Thornton, Leiber und Stoller einen Kompromiss und erschaffen die Aufnahme, die Generationen an Rock’n’Roll-Musiker*innen beeinflussen wird.

Hound Dog: Ein Rock’n’Roll-Standard für die Geschichtsbücher

Zu diesen Rock’n’Rollern zählt auch ein junger Mann namens Elvis Presley, der zwei Jahre später seinen ersten Hit That’s All Right aufnimmt. Mit seiner Version von Hound Dog landet der „King“ weitere zwei Jahre später einen der größten Erfolge seiner Karriere. Er verändert dazu einiges an dem Stück, ob in musikalischer oder lyrischer Hinsicht. „Alles wirkte unfassbar nervös, zu schnell, zu weiß“, findet Stoller. „Aber wissen Sie, nachdem sich die Single sieben oder acht Millionen Mal verkauft hatte, klang sie besser.“ Die erste Aufnahme des Songs wird immer die von Big Mama Thornton bleiben — und die steht noch heute für die aufregenden Anfangstage des Rock ‘n‘ Roll.

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Die frühen Frauen des Rock’n’Roll: Wichtig, aber übersehen

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Popkultur

Zeitsprung: Am 13.8.1999 veröffentlichen Kiss den Film „Detroit Rock City“.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 13.8.1999.

von Christof Leim

Einmal sind Kiss mit einem Filmprojekt schon auf die geschminkten Nasen gefallen: 1978 verfehlten die damaligen Superstars mit Kiss Meets The Phantom Of The Park ihr Ziel der crossmedialen Weltherrschaft ziemlich deutlich (wie man hier im Detail nachlesen kann). Zwei Dekaden später versuchen sie es erneut: Am 13. August 1999 startet Detroit Rock City in den Kinos – und erweist sich als Comedy-Trash mit viel Siebziger-Vibe…

Detroit Rock City (der Film) schlägt gewissermaßen eine Brücke zwischen zwei Hochphasen von Kiss: Er entsteht 1999, als die Band dank der Reunion der Originalbesetzung wieder zu den größten Geldverdienern im internationalen Rock’n’Roll-Zirkus zählt. Die Handlung des Streifens wiederum spielt 1978, als Kiss vor allem in den USA zu einem kulturellen Phänomen geworden sind und auf einer beeindruckenden Welle des Erfolges reiten. Die Burschen veröffentlichen im September 1978 sogar am gleichen Tag vier Soloalben.

Die Handlung ist schnell umrissen: Vier Kumpels namens Hawk, Lex, Trip und Jam lieben Kiss (wie so ziemliche alle US-Teenager der Siebziger) und spielen sogar in ihrer eigenen Coverband, um ihren Helden zu huldigen. Die wiederum sind für ein großes Konzert in Detroit (wo sonst?) angekündigt, Tickets dafür haben die Jungs bereits am Start – bis die ultrareligiöse Mutter von Jam dahinterkommt und die Eintrittskarten kurzerhand verbrennt. Klar, denn Kiss steht ja bekanntermaßen für „Knights In Satanic Service“.

Also suchen sich die Vier anderweitig Zutritt zur Show und eine Möglichkeit, überhaupt nach Detroit zu kommen. Bis sie Kiss mit Feuer und Explosionen live erleben, müssen sie sich mit Discoschnöseln und Pfarrern rumschlagen, werden vermöbelt, bestohlen, übers Ohr gehauen und zerlegen eine Damentoilette (Ladies Room, get it?). Einer tritt zwischendurch in einem Stripclub auf, der nächste knutscht in einem Beichtstuhl (mit einem Mädel namens Beth, klar), ein anderer wird von einer älteren Lady entjungfert, die von Gene Simmons’ Ehefrau Shannon Tweed gespielt wird. Und Jam geigt seiner konservativen Mutter die Meinung. Dass dazwischen einiges an Mobiliar zu Bruch geht, versteht sich von selbst.

Die Regie übernimmt Adam Rifkin, als Produzent fungiert Gene Simmons, und alle vier Kiss-Musiker treten bei der großen Show am Ende auf. Einige der Schauspieler kennt man ebenfalls: Edward Furlong („Hawk“) spielte in Terminator 2, Natasha Lyonne („Christine“) gehört zur Besetzung von Orange Is The New Black. In den weiteren Hauptrollen: Sam Huntington, Giuseppe Andrews und James DeBello.

Neue cineastische Höhen erklimmt Detroit Rock City damit nicht, sondern erweist sich als überdrehter Klamauk in „bester“ Tradition des Ramones-Streifens Rock’n’Roll High School. Allerdings bietet das bei entsprechender Affinität zu Trash, Seventies und Kiss durchaus einen Unterhaltungswert. Das reicht für einen gewissen Kultstatus, doch geschäftlich ist das Projekt ein formidabler Flop: 17 Millionen US-Dollar soll es gekostet haben, knappe sechs spielt es ein. Nach dem Kinostart am 13. August 1999 kommt schon im Dezember des gleichen Jahres die Homevideo-Variante. 

Der Soundtrack indes macht Spaß, vor allem wegen cooler Coverversionen. So spielen Pantera Cat Scratch Fever (was sogar als Single veröffentlicht wird), Everclear covern The Boys Are Back In Town, Drain STH machen 20th Century Boy zur Doom-Nummer, und die Donnas rocken Strutter. Lediglich der Versuch von Marilyn Manson, sich des AC/DC-Manifests Highway To Hell anzunehmen, darf wegen völliger Seelenlosigkeit als erschreckendes, aber glücklicherweise fast vergessenes Verbrechen der Musikgeschichte betrachtet werden. Dazu gibt es Klassiker von Van Halen, Black Sabbath, Cheap Trick, Bowie und The Sweet, noch zwei Kiss-Gassenhauer (Shout It Out Loud, Detroit Rock City) und sogar einen neuen Song unserer liebsten Schminkemonster. Nothing Can Keep Me From You läuft während der Credits und drückt ordentlich auf die Tränendrüse. Geschrieben hat ihn Hitkomponistin Diane Warren, Paul Stanley singt (ziemlich gut), ansonsten spielt keiner der Band mit. (Es soll lediglich Ex-Gitarrist Bruce Kulick den Bass übernommen haben.) Braucht man nicht.

Überhaupt lässt die Stimmung im Line-up damals schon zu wünschen übrig, nicht zuletzt wegen dieses Films, wie Ace Frehley und Peter Criss in ihren Autobiografien berichten. Vor allem Ace kann es Gene nicht verzeihen, dass eine Szene mit seiner Tochter Monique angeblich absichtlich rausgeschnitten wird. Aber das sind mal wieder andere Geschichten.

Interview: Kiss zum Abschied: „Es wird schmerzhaft und schön!“

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Popkultur

Zeitsprung: Am 12.8.1949 kommt Mark Knopfler (Dire Straits) zur Welt.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 12.8.1949.

von Christof Leim

Songs schreiben kann der Mann. Und ziemlich gut Gitarre spielen. Deshalb erobert Mark Knopfler zuerst als Kopf der Dire Straits die Welt und brilliert danach als Solokünstler. Am 12. August feiert er Geburtstag.

Zur Lektüre gibt’s hier Knopflers Album Down The Road Wherever:

Zunächst will der in Glasgow geborene Mark Knopfler erstmal etwas Vernünftiges machen: Er studiert Journalismus. „Der Plan war, so Geld zu verdienen und Musik als schönes Hobby auszuleben“, erzählt er 2009 in einem Interview. Er arbeitet sogar in diesem Beruf, macht einen Abschluss in Englisch und geht als Dozent an die Universität. Dabei spielt Knopfler aber immer in Bands, die zum Beispiel Brewers Droop oder Café Racers heißen. Vor allem aber schreibt er von Anfang an Songs und entwickelt einen Stil, der sich von anderen unterscheidet: Er benutzt kein Plektrum, sondern spielt seine Gitarre mit den Fingern, was vor allem im Country verbreitet ist und ihm andere Licks als die der gängigen Rockgitarristen ermöglicht. Seine Einflüsse liegen daneben im Rock und Swing, mit bisschen Blues, wie es sich gehört.

Mark Knopfler 1979 – Pic: Klaus Hiltscher/Wiki Commons

So schlägt sich Mark Knopfler Mitte der Siebziger durch die Pubs von London. Er singt und spielt Gitarre, mit dabei sind sein Bruder David an der zweiten Gitarre sowie Bassist John Illsley. Zusammen gründen sie die Band, mit der Knopfler berühmt werden wird: die Dire Straits. Der ersten Demos entstehen 1977, da ist unser Mann schon Ende 20. Auf den ersten Aufnahmen findet sich bereits ein musikalischen Kleinod namens Sultans Of Swing. Kennt man, muss man kennen.

1978 folgt das erste Album Dire Straits, doch ärgerlicherweise gerät die Musikwelt davon nich in Ekstase. Dann allerdings erscheint Sultans Of Swing als Single. Das wunderbare Lied mit dem Text über eine Feierabendband rollt langsam, aber stetig die Charts auf, zunächst in Europa, dann in Nordamerika. Die Dire Straits sind bereit, und sie starten durch: In rascher Abfolge erscheinen Communiqué (1979), Making Movies (1980) und Love Over Gold (1982) und verkaufen sich gut. 

Die Songs darauf stammen samt und sonders von Mark Knopfler, der gerne kleine Geschichten erzählt und eine höchst geschmackvolle Gitarrenarbeit zelebriert. Zwischendurch schreibt er noch Filmmusik, taucht auf einem Bob-Dylan-Album auf, produziert und schreibt Lieder für andere Leute, unter anderem für Private Dancer, das immens erfolgreiche Comeback von Tina Turner 1984.

Richtig ab geht es dann mit Brothers In Arms 1985, das zum internationalen Megahit wird.  Die Songs darauf kennt wirklich jeder: Money For Nothing, Walk Of Life, So Far Away und natürlich das einfühlsame Titelstück. Dire Straits sind jetzt Superstars, allen voran Mark Knopfler. Die nächsten beiden Jahre verbringt die Truppe auf der Straße und fährt einen Erfolg nach dem anderen ein. Dem Chef wird das aber alles zu groß und zu viel. Zunächst gibt es eine Pause, 1988 verkündet Knopfler die Auflösung der Dire Straits.  

Musik machen will er weiterhin, aber eben in kleinerem Rahmen ohne die massiven Erwartungen und Verpflichtungen. Seine nächste Band The Notting Hillbillies jedenfalls widmet sich US-amerikanischer Roots-Musik wie Folk, Blues und Country, alles viel unspektakulärer, vermutlich (oder hoffentlich) genauso befriedigend. Ein Album erscheint 1990, es trägt den schönen Titel Missing…Presumed Having a Good Time. Eine kleine Runde dreht unser Mann mit den Dire Straits aber noch: Im September 1991 kommt mit On Every Street doch noch ein Album, doch unweigerlich folgende Mega-Welttour sorgt dann dafür, dass die Band 1995 endgültig aufgelöst wird.

Mark Knopfler startet darauf eine Solokarriere, seit 1996 erscheinen in lockerer Folge fast ein Dutzend Soloalben: Golden Heart, Sailing To Philadelphia, The Ragpicker’s Dream, Shangri-La, Kill To Get Crimson, Get Lucky, Privateering, Tracker und Down The Road Wherever. Damit feiert er in aller Welt Erfolge, jedoch weit entfernt von der Megalomanie der Achtziger. Zudem kollaboriert er mit unzähligen anderen Künstlern, etwa Emmylou Harris, tourt mit Bob Dylan und beschäftigt sich oft und gerne mit Country. Bei seinen eigenen Konzerten geht es mittlerweile nur um die Musik, große Produktion braucht der Mann nicht mehr. Auf der Bühne trinkt er Tee. Nach einer Dire-Straits-Reunion steht dem musikalischen Kopf der Sinn so gar nicht, nicht mal bei der Einführung der Band in die Rock And Roll Hall Of Fame 2018 taucht er auf.

Songwriter, Meistergitarrist und Geschichtenerzähler: Mark Knopfler 2018 – Pic: Derek Hudson

Sein Privatleben behält Knopfler für sich, Interviews gibt es nicht viele. Er ist zum dritten Mal verheiratet, Vater von vier Kindern, Fan des Newcastle FC und Sammler von Sportwagen. Auf seinen letzten Touren denkt er laut darüber nach, sich zur Ruhe zu setzen und kündigt explizit sogar seinen Abschied von der Bühne, spielt aber nach eigenen Aussagen zu gerne. Hoffen wir, dass das so bleibt. Alles Gute zum Geburtstag, Mr. Knopfler!

Zeitsprung: Am 29.3.1979 landet Mark Knopfler auf einem Bob-Dylan-Album.

 

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