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Popkultur

Ole Beich: Das vergessene Gründungsmitglied von Guns N‘ Roses

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Foto: Flyer

Axl Rose, Slash, Duff McKagan, Izzy Stradlin, unseretwegen auch Steven Adler bringt man alle sofort mit Guns N‘ Roses zusammen. Ole Beich nicht. Dabei ist der Däne sogar bei der Gründung der Band dabei – und findet wenige Jahre später ein tragisch frühes Ende am Grund eines Sees.

von Björn Springorum

Ah, das Los Angeles der frühen Achtziger. Ein Sündenpfuhl aus Rock, Drogen, Sex und dem uramerikanischen Traum vom schnellen Geld. Eine Scheinwelt, die junge Menschen in Scharen anlockt, mit Haut und Haaren verschlingt und in die Gosse spuckt. Einer von ihnen ist Ole Beich, ein junger Däne, der seit den Siebzigern fasziniert ist von der verruchten Magie dieser Stadt der Engel. Geboren 1955 im süddänischen Esbjerg, macht sich der junge Bassist zunächst einen Namen in einigen lokalen Bands und wird Anfang der Achtziger kurzzeitig sogar Mitglied bei den neu gegründeten Mercyful Fate. Auf der im Herbst 1982 erschienen Debüt-EP Mercyful Fate hat Beich zwar schon dem vor wenigen Monaten verstorbenen Timi Hansen ersetzt; es soll aber nicht die einzige legendäre Band bleiben, bei der Beich zumindest kurzzeitig mitmischt.

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Glam übernimmt den Strip

Angefressen von seiner stagnierenden Karriere brennt er nach Kalifornien durch, um es als Musiker in Los Angeles zu schaffen. Damit ist er zu dieser Zeit alles andere als allein: Konstant strömen hungrige, großäugige, ambitionierte und trinkfeste Typen in die Stadt, die sich nach und nach in Bands wie Mötley Crüe, Ratt, W.A.S.P., Poison, Faster Pussycat oder Guns N‘ Roses zusammenfinden. Nach den Eskapaden mit den Doors in den Sechzigern oder Led Zeppelin in den Siebzigern bringen sie eine neue Musik auf den Strip, einen neuen Stil, eine neue Mode: Glam ist geboren, der perfekte Soundtrack mit toupierten Haaren, Kajal und High-Heels, die Musik dieser dekadenten Koks-Nächte rund um den Sunset Boulevard. Whisky-A-Go-Go, Rainbow, das notorisch schwelende Mötley House direkt gegenüber – diese schier unfassbare Menge an Partys, Drogen, nackten Körperteilen und lauter Musik macht ordentlich Eindruck auf all die, die neu in der Stadt sind.

Slash in Frauenkleidern

Im Dezember 1982 kommt auch Axl Rose in der Stadt der Engel an. Er heißt zwar noch nicht so, hat aber schon damals kühne Vorstellungen. Rockstar will er werden, steigt erst bei Rapidfire ein und gründet danach mit seinem Sandkastenfreund Izzy Stradlin die Band Hollywood Rose. Stradlin ist da schon drei Jahre in Los Angeles und hat die harte Schule dieses Molochs durchlaufen: Seine erste Band Naughty Woman wird bei einem Konzert vom Publikum angegriffen, danach versucht er sein Glück gleich in mehreren anderen Formationen, bis sein alter Kumpel auftaucht. Bevor sich Hollywood Rose vorübergehend trennen, kommen Slash und Steven Adler in die Band. Adler und Slash sind in Los Angeles aufgewachsen, schleichen sich schon als Minderjährige mit falschen Ausweisen ins Rainbow. Einmal wird Slash erwischt und nach Hause geschickt. Mit der Hilfe seiner besorgniserregend begeisterten Mutter verleidet er sich als Mädchen – und kommt rein.

Slash im Jahr 1982 – als er noch mit seiner Highschool-Band spielte. Foto: Marc S Canter/Michael Ochs Archives/Getty Images

Vom Zigarettentester zum Rockstar

Nach dem Ende von Hollywood Rose heuert Axl Rose bei den L.A. Guns an, wo auch Ole Beich zu der Zeit spielt. Rose übernimmt die Nachtschicht bei Tower Records, um sich über Wasser zu halten und raucht für acht Dollar die Stunde sogar Zigaretten für eine Studie. Das ist eben LA: Du musst es zu 1.000 Prozent wollen. Oder du kannst es gleich bleiben lassen. 1985 folgt dann die schicksalhafte Verschmelzung von Hollywood Rose und L.A. Guns zu Guns N‘ Roses. Die Urbesetzung der Band besteht somit aus Sänger Axl Rose, den Gitarristen Tracii Guns und Izzy Stradlin, Schlagzeuger Rob Gardner – und dem Bassisten Ole Beich.

Die L.A. Guns bei einem Auftritt im Jahr 1984 in Los Angeles, California. Foto: Marc S Canter/Michael Ochs Archives/Getty Images

Das Besetzungskarussell dreht sich weiterhin rasant. Und wieder erwischt es Ole Beich: Am 26. März 1985, so besagten mehrere Quellen, spielt Beich seine einzige Show mit Guns N‘ Roses, bevor er gefeuert und von Duff McKagan ersetzt wird. Tracii Guns ereilt ein ganz ähnliches Schicksal: Er wird von Slash abgelöst, der früher schon bei Hollywood Rose spielte. Soweit, so undurchsichtig. Ole Beich dürfte das alles egal gewesen sein: Er ist mal wieder ohne Band in den langen LA-Nächten unterwegs und hat die Schnauze voll von seinen alten Kollegen.

Unmusikalisch, aber erfolgreich

Ein Zeitzeuge, der diese Aussage validieren kann, ist Robert Cromwell, auch so ein Glücksritter im Los Angeles der frühen Achtziger. Er spielt mit Dave Mustaine bei Fallen Angels und ist 1983 auch für kurze Zeit bei Megadeth an der Gitarre. Er und Beich freunden sich schnell über ihre gemeinsame Liebe zum Heavy Metal an – für Cromwell auch der Grund, warum es zwischen Beich und der Band nicht mehr lief. „Er hatte Axl satt“, sagt er dazu. „Die Band war nicht musikalisch genug für ihn.“ Da ist natürlich schon ein bisschen ironisch und mehr als bitter, dass Guns N‘ Roses 1987 mit Appetite For Destruction mal so eben das bis heute erfolgreichste Debütalbum aller Zeiten raushauen.

Der historische Verriss: “Appetite For Destruction” von Guns N’ Roses

Beich nimmt das alles nicht so gut auf. Er versinkt in Drogen und Kriminalität, begeht Diebstähle auf dem Strip, wird regelmäßig mit oder ohne Cromwell im Schlepptau aus Bars und Restaurants geworfen. Irgendwann verfällt Beich dem Heroin und begeht einen Selbstmordversuch. Man kann sich gut vorstellen, wie schwer es für einen wie ihn in dieser Stadt gewesen sein muss, nachdem alle seine ehemaligen Kollegen und Kumpels auf einmal in begehrten, berühmten, erfolgreichen Bands spielen und in Geld schwimmen.

Die Geister, die er rief

Desillusioniert kehrt Beich nach Dänemark zurück. Die Geister der Vergangenheit, die kann er dennoch nicht abschütteln. Am 19. August 1991 spielen Guns N‘ Roses auf ihrer Use Your Illusion-Tour in Kopenhagen. Sie sind am absoluten Höhepunkt angekommen, es ist die Tournee, die weltweit mehr als sieben Millionen Fans sehen werden. Einer davon ist, gerüchteweise, Ole Beich. Sehr wahrscheinlich gibt ihm dieser Konzertbesuch – oder allein die Tatsache, dass die Band in der Stadt ist und alte Wunden aufreißt – den Rest. Wenige Wochen später, am 16. Oktober 1991, ertrinkt Beich im Sankt-Jørgens-See im Herz von Kopenhagen, sein Blut voller Alkohol und Heroin. Die Todesursache ist bis heute ungeklärt, doch seine Familie geht von einem Selbstmord aus. Natürlich ist Beich nicht das einzige Todesopfer des schnellen, wilden, gefährlichen und toxischen Lebens auf dem Sunset Strip der frühen Achtziger. Aber doch zumindest ein besonders tragisches – besonders, weil die meisten Menschen diese Geschichte gar nicht kennen.

10 Songs, die jeder Guns N’ Roses-Fan kennen muss

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Popkultur

„The Wall“ als Film: Roger Waters’ holpriger Weg ins Kino

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Pink Floyd spielen "The Wall"
Foto: Rob Verhorst/Redferns/Getty Images

Als Pink Floyd im Jahr 1979 ihr monumentales Konzeptalbum The Wall vorlegen, denkt Mastermind Roger Waters schon längst über eine Verfilmung der Geschichte nach. Genau dazu kommt es wenig später auch — allerdings auf großen Umwegen, mit viel Streit und einem enttäuschenden Ergebnis.

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von Timon Menge

Hier könnt ihr euch The Wall von Pink Floyd anhören:

Mitte der Siebziger hängt der Haussegen bei Pink Floyd mächtig schief. Frontmann Roger Waters reißt Stück für Stück die kreativen Belange an sich, Gitarrist David Gilmour fühlt sich deshalb übergangen. Keyboarder Richard Wright kommt ohnehin zu kurz, doch die Schuld dafür gibt sich der typische Klassenstille später selbst. Als sich die Musiker auch noch um Tantiemen streiten und Gilmour zum ersten Mal Papa wird, übernimmt Waters noch mehr künstlerische Kontrolle. Quasi im Alleingang schreibt er das Konzeptalbum The Wall, das eine Kette von Ereignissen nach sich zieht. Da wären zum Beispiel der Rauswurf von Keyboarder Wright oder die aufwändige The Wall-Tour. Waters hat mit der Platte aber noch etwas anderes vor: Er möchte die Geschichte als Film auf die große Leinwand bringen.

The Wall: ein autobiografisch angehauchtes Meisterwerk

Die Handlung von The Wall lässt tief in Waters’ eigene Biografie blicken: Rockmusiker Pink leidet unter dem Tod seines Vaters im Zweiten Weltkrieg, unter seiner überfürsorglichen Mutter und unter seinem Dasein als Rockstar, der sich zunehmend von seinem Publikum isoliert fühlt — genau wie Waters während der ersten Pink-Floyd-Stadion-Shows im Rahmen der In The Flesh-Tour. Auch Schulprobleme aus der Kindheit und schwierige Liebesbeziehungen machen Pink zu schaffen. So demütigt ein Lehrer ihn zum Beispiel, indem er Pinks Gedichte laut vor der Klasse vorliest. Später findet der Rockstar heraus, dass ihn seine Frau betrügt und versucht, den Schmerz mithilfe eines Groupies und schließlich mit Drogen zu bekämpfen. Jede Enttäuschung sorgt für „another brick in the wall“, die Pink um sich errichtet. Am Ende laufen all seine negativen Erfahrungen zusammen.

Einen Film plant Waters schon vor der Produktion des Albums. Live-Aufnahmen sollen darin vorkommen, genauso wie Animationen aus dem Pinsel von Gerald Scarfe, der schon die LP von The Wall gestaltete. Auf dem Regiestuhl sollen Alan Parker und Michael Seresin sitzen, Waters möchte als Pink vor die Kamera treten. Doch dann kommt alles anders: Waters eignet sich nicht als Schauspieler, stattdessen übernimmt Boomtown-Rats-Frontmann Bob Geldof die Rolle. Der erzählt seinem Manager im Taxi noch, wie bescheuert er den Film findet — nicht wissend, dass Roger Waters’ Bruder am Steuer des Wagens sitzt. Live-Mitschnitte von Pink Floyd ergeben nach Waters’ Ausscheiden aus dem Cast keinen Sinn mehr, Seresin verlässt das Projekt daraufhin komplett. Übrig bleiben Parker, Waters und Scarfe. Harmonisch verläuft die Zusammenarbeit der Drei allerdings nicht …

Viel Ego, viel Film

Immer wieder geraten Musiker Waters, Regisseur Parker und Animateur Scarfe aufgrund ihrer Egos aneinander. Parker beschreibt den Filmprozess sogar als „eine der schlimmsten Erfahrungen meines kreativen Lebens“. Scarfe wiederum gibt in einem Interview mit dem Pink-Floyd-Magazin Floydian Slip zu Protokoll, er habe während der Dreharbeiten stets eine Flasche Whiskey im Gepäck gehabt. „Ich saß gegen neun Uhr morgens in meinem Auto und hatte eine Flasche Jack Daniel’s auf dem Beifahrersitz“, so Scarfe. „Ich trinke nicht viel, aber damals musste ich morgens einen Schluck nehmen, weil ich wusste, was auf mich zukam, und dass ich mich in irgendeiner Weise stärken musste.“ Roger Waters selbst genießt die Arbeit am The-Wall-Film auch nicht gerade, bezeichnet sie aber schlicht als „sehr zermürbende und unangenehme Erfahrung“.

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Die Premiere des Streifens geht am 23. Mai 1982 in Cannes über die Bühne, drei Wochen später folgt die Erstaufführung in London. David Gilmour und Nick Mason erscheinen als Gäste, Geldof und Scarfe lassen sich die Premiere natürlich ebenfalls nicht entgehen — genauso wenig wie Pete Townshend von The Who, Roger Taylor von Queen und Sting von The Police. Richard Wright bleibt wegen seines Rauswurfs zuhause. Zwölf Millionen US-Dollar kostet der The-Wall-Film unterm Strich, fast das Doppelte spielt er ein. Eigentlich handelt es sich bei dem Streifen also um einen Erfolg, doch Roger Waters ist nicht zufrieden. „Ich war am Ende ein bisschen enttäuscht“, verrät er 1988 in einem Interview. „Ich habe keinerlei Sympathie für den Hauptcharakter empfunden. Der Film war so ein Feuerwerk für die Sinne, dass ich als Zuschauer gar keine Chance hatte, mich richtig darauf einzulassen.“

„Was zum Teufel war das?“

Regie-Legende Steven Spielberg soll ein wenig direktere Worte gefunden haben und nach der Premiere in Cannes gefragt haben: „Was zum Teufel war das denn?“ The-Wall-Regisseur Parker behauptet später, dass ihn diese Reaktion gefreut habe: „In der Tat, ‚Was zum Teufel war das?‘ Niemand hatte so etwas bisher gesehen — eine wilde Mischung aus Live-Action, Storytelling und Surrealismus.“ Heute hat die The-Wall-Verfilmung ihren festen Platz in der Popkultur, nicht zuletzt aufgrund der charakteristischen Animationen von Scarfe. Zu den Sternstunden der Pink-Floyd-Geschichte zählt der Streifen aber sicher nicht.

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Die Alben von Pink Floyd im Ranking — die besten Platten der Prog-Legenden

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„Keeper Of The Seven Keys: Part I“: Als Helloween den Power Metal erfanden

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Helloween
Foto: Paul Natkin/Getty Images

Ursprünglich als Doppel-LP gedacht, veröffentlichen Helloween am 23. Mai 1987 den ersten Teil ihrer Keepers Of The Seven Keys-Saga. Die Schwelle zum Erfolg rückt näher, alle Zeichen stehen auf Durchbruch. Der große Knall gelingt der Band zwar erst ein Jahr später mit Part II — doch Part I sowie die Rekrutierung von Sänger Michael Kiske markieren wichtige Grundsteine für den jahrzehntelangen Erfolg der Hamburger.

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von Timon Menge

Hier könnt ihr euch Keeper Of The Seven Keys: Part I von Helloween anhören:

Als Helloween am 23. Mai 1987 ihr zweites Album Keeper Of The Seven Keys: Part I auf die Öffentlichkeit loslassen, steht die Band an einem Wendepunkt: Mit Walls Of Jericho hatte die Gruppe 1985 ein vielbeachtetes Debütalbum vorgelegt, mit Keeper Of The Seven Keys: Part II wird den Hamburgern 1988 der ganz große Durchbruch gelingen. Part I ebnet zwischenzeitlich den Weg dorthin. Doch was hat sich im Hause Helloween vom Debüt bis zu Keeper Of The Seven Keys: Part I eigentlich verändert?

„So anders als die letzte ist die Platte im Grunde genommen gar nicht“, findet Gitarrist Michael Weikath im Frühjahr 1987 in einem Interview mit dem deutschen Metal Hammer. So ganz recht hat er damit nicht: Nach ihrem ersten Album nehmen Helloween nämlich einen entscheidenden Personalwechsel vor — und holen Sänger Michael Kiske an Bord.

Kai Hansen: „Ich bin eher ein Schreihals.“

Dass Gitarrist Kai Hansen seinen Posten am Mikrofon räumt, liegt hauptsächlich daran, dass er sich als Sänger nicht wohlfühlt; vor allem das gleichzeitige Gitarrespielen ist ihm nicht geheuer. „Ich habe mich nie wirklich als Sänger gesehen“, verrät er im Interview mit dem britischen Classic Rock Magazine. „Ich bin eher eine Art Schreihals. Außerdem hat mir die Disziplin gefehlt. Saufen und Rauchen machen die Stimme nicht besser.“

Als Gitarrist rückt Hansen auf Keeper Of The Seven Keys: Part I in den Vordergrund, weil sein Sechs-Saiten-Kollege Michael Weikath wegen Krankheit nur sporadisch an den Sessions teilnehmen kann. Dadurch entsteht zum Beispiel der legendäre Song Future World, den Helloween als einzige Single von Part I auskoppeln. Auch das Stück Halloween stammt aus Hansens Feder. Untätig bleibt Weikath natürlich trotzdem nicht.

Mit A Tale That Wasn’t Right steuert der Gitarrist eine Ballade für die Ewigkeit bei, auch an Follow The Sign schreibt er mit. Freshman Michael Kiske komponiert das Stück A Little Time und leistet damit ebenfalls einen Beitrag zu der historischen Errungenschaft, die man Keeper Of The Seven Keys: Part I im Allgemeinen nachsagt: die Erfindung des Power Metal.

Klassischer Heavy Metal, unfassbare Geschwindigkeiten, symphonische Elemente, epische Texte: Wenn es um Drachen, Zauberer und jede Menge Doublebass geht, ist das Wörtchen „Power“ im Metal nicht weit. „Mir kam es damals nicht so vor, als hätten wir etwas großartig Neues geschaffen“, erinnert sich Kai Hansen im ClassicRock-Interview. „Niemand konnte damals etwas mit dem Begriff Power Metal anfangen, für uns war das einfach nur Heavy Metal. Das ist es auch heute noch. Was zum Teufel soll Power Metal denn sein?“

Keeper Of The Seven Keys: Part I — ein Überraschungserfolg

Eigentlich hätten Helloween Part I und Part II der Keepers Of The Seven Keys-Saga lieber als Doppel-LP veröffentlicht, doch bei einer Newcomer-Band möchte die Plattenfirma Noise Records vermutlich lieber auf Nummer sicher gehen. Wer hätte schließlich geahnt, dass Helloween heute zu den größten Namen der Krawallmusik-Szene zählen würden und dass ausgerechnet der Doppelschlag Keeper Of The Seven Keys: Part I und II so sehr dazu beitragen würden.

Schon kurz nach der Veröffentlichung landet Part I unverhofft auf Platz 15 der deutschen Albumcharts. „Dass wir in die normalen Charts kommen, das hat wirklich keiner von uns erwartet“, erzählt Gitarrist Weikath im MetalHammer-Interview. Mit Part II gelingt sogar der Sprung auf Platz fünf. „Ich frage mich wirklich, wo denn eigentlich die Leute sitzen, die das alles kaufen. Da scheint es wesentlich mehr von zu geben, als ich angenommen hatte.“ Gut so!

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Zeitsprung: Am 29.8.1988 erscheint „Keeper Of The Seven Keys: Part II“ von Helloween.

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Zeitsprung: Am 22.5.2001 erscheint das erste Bon Jovi-Livealbum „One Wild Night“.

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Bon Jovi

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 22.5.2001."

von Christof Leim

Keine Frage: Bon Jovi dominieren den Hard Rock der Achtziger. Mit Slippery When Wet (1986) und New Jersey (1989) liefern sie zwei Nummer-eins-Alben hintereinander ab, daneben empfehlen sie sich als fleißige und mitreißende Liveband, die fast pausenlos durch die größten Hallen und Stadien in aller Welt tourt. Alleine die Konzertreise für Slippery dauert 15 Monate (von Juli 1986 bis Oktober 1987), danach hängen die Herren für New Jersey nochmal unfassbare 16 Monate (von Oktober 1988 bis Februar 1990) dran. Einen (offiziellen) Konzertmitschnitt dieser glorreichen Zeit sucht man allerdings vergebens.

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Hier könnt ihr in One Wild Night: Live 1985-2001 reinhören:

Klickt auf „Listen“ für das ganze Album.

Die erste „richtige“ Liveplatte erscheint nämlich erst viel später, am 22. Mai 2001. Da hat sich die Welt der Rockmusik schon weitergedreht, Grunge und Crossover sind gekommen und wieder gegangen. Bon Jovi haben mehrjährige Pausen eingelegt, Soloalben veröffentlicht und sich immer mehr zu einer erwachsenen Rockband entwickelt, die Springsteen stilistisch näher steht als Kiss und Aerosmith. Zuletzt brachten sie im Sommer 2000 das Album Crush auf den Markt, eine weitestgehend entspannte, oft balladeske Angelegenheit. Als Liveband aber lassen sie weiter nichts anbrennen und füllen immer noch die Stadien.


Für One Wild Night: Live 1985-2001 beschränken sich die Musiker nicht auf die Aufzeichnungen einer Show oder einer Tour, sondern stellen Songs aus drei Phasen ihrer Karriere zusammen: von aktuellen Konzerten im Jahr 2000 und Shows von der Mitte der Neunziger, als junge Rockhörer auf ganz andere Sounds standen, sowie von einem Gig in Tokio 1985. (Ja, die Herren sind schon früh ordentlich rumgekommen.) Aufnahmen aus den ganz großen Jahren, also von den Megatouren zu Slippery und New Jersey, fehlen sonderbarerweise.



Mit der Songauswahl decken Bon Jovi dabei alle Phasen ihrer Karriere ab; es finden sich die offensichtlichen Hits (Livin’ On A Prayer, Bad Medicine et al.), locker-flockiges Neunziger-Zeug (Something For The Pain, Something To Believe In) und damals neues Material wie Just Older oder It’s My Life. Als alte Schätzchen gibt es den ersten Hit Runaway vom 1984er-Debütalbum und In And Out Of Love vom oft (und zu Recht) vergessenen Zweitwerk 7800° Fahrenheit.



Interessant wird es bei den Coverversionen: Im südafrikanischen Johannesburg lassen Bon Jovi eine treibende Version von Neil Youngs Rocking In The Free World vom Stapel, bei I Don’t Like Mondays singt sogar Bob Geldof mit. (Für die Komplettisten: Diese Aufnahme wurde schon auf der Doppel-CD-Variante von These Days (1995) veröffentlicht; drei Mitschnitte aus Zürich gibt es ebenfalls auf der The Crush Tour-DVD. ) Bei der letzten Nummer schließlich, dem titelgebenden One Wild Night 2001 handelt es sich um einen Remix eines Tracks von Crush. Diese neue Version wird auch als Single ausgekoppelt, ebenso der alte Gassenhauer Wanted Dead Or Alive.



Alles in allem repräsentiert die Platte gut den musikalischen Stand der Gruppe zur Jahrtausendwende. Bon Jovi erweisen sich als souveräne Liveband mit guten Gesängen und einem Frontmann, der die Menge anzuspornen weiß. Natürlich klingen unsere Helden mittlerweile im Vergleich zur ungestümen Hardrockerei der Achtziger ein gutes Stück erwachsener. Was vor allem heißt: Der Chef schreit nicht mehr so viel, und die Gitarre macht weniger „Brett“. Das Album erscheint am 22. Mai 2001 und schlägt sich recht wacker in den Charts mit hohen Platzierungen in Europa (Platz 3 in Deutschland) und einem 20. Rang in den USA. Der nächste Konzertmitschnitt Inside Out lässt dann wieder bis 2012 auf sich warten, aber das ist eine andere Geschichte…

Zeitsprung: Am 28.4.1989 heiratet Jon Bon Jovi seine Jugendliebe – heimlich.

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