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Popkultur

Zeitsprung: Am 2.3.1983 gibt es den ersten CD-Player & 16 Alben auf CD zu kaufen.

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Foto: Atreyu/WikiCommons

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 2.3.1983.

von Christof Leim

Am 2. März 1983 konnten Audiofreaks auf aller Welt zum ersten Mal einen CD-Player kaufen. Die Erfindung revolutionierte die Musikwelt, und wie so oft spielten neben cleveren Entscheidungen auch Zufälle eine entscheidende Rolle. Heute hören wir Musik und speichern wir Daten zunehmend anders, aber die CD hält sich – noch.

Hört hier den ersten CD-Millionenseller:

Musik hören mit einem Laser: Was nach Feierabend auf der Enterprise klingt, beschreibt die Funktionsweise einer CD ganz gut. Die Idee, Musik und Daten auf einem optischen Medium zu speichern und mit einem Laser auszulesen, verfolgt ein US-amerikanischer Ingenieur namens James T. Russell schon in den Sechzigern. 1970 meldet er ein Patent an, doch damit endet sein Teil der Geschichte leider schon. Das Patent geht nämlich an eine kanadische Firma namens Optical Recording Corp., aber auch die spielt rasch keine größere Rolle mehr. Denn jetzt kommen die „Big Player“: Philips aus den Niederlanden und Sony aus Japan, die beide die Erfindung aufgreifen. Die werden zwar von Optical Recording Corp. noch schnell erfolgreich auf Lizenzzahlungen verklagt, können dann aber die Ressourcen aufbringen, die Compact Disc zu entwickeln, wie wir sie kennen. Von den Lizenzzahlungen sieht der heute über 80 Jahre alte James T. Russel übrigens nichts.

Gemeinsame Sache der “Großen”

Für das Projekt „CD“ tun sich die konkurrierenden Firmen Philips und Sony eigens zusammen, was in Zeiten vor der Globalisierung durchaus nicht als selbstverständlich gesehen wird. Gemeinsam können sie den grundlegenden Einfall von Russell so weiterentwickeln, dass er auch zuverlässig genutzt werden kann. Die ersten Prototypen entstehen schon Ende der Siebziger. Der Durchmesser der Discs wird auf 12 cm festgelegt, weil das der Diagonale einer Musikkassette entsprecht, dem damals wegen seiner Kompaktheit beliebten Medium. Der Sage nach plädiert der verantwortliche japanische Techniker Norio Ohga für eine Spielzeit von 75 Minuten deshalb, weil er Beethovens neunte Sinfonie ohne Unterbrechungen hören will. Andere Berichte sprechen von einem Wunsch seiner Frau. Der Chefentwickler auf der niederländischen Seite, Kees Schouhamer Immink, soll dem später jedoch widersprochen haben.

Einer der Väter der CD, der niederländische Ingenieur Kees Schouhamer Immink. Foto von Ehuang (Own work) [Public domain], via Wikimedia Commons

In einer von Philips aufgebauten Produktionsfabrik in Langenhagen bei Hannover wird als erster Test Eine Alpensinfonie von Richard Strauss auf Polycarbonat gepresst. Am 17. August 1982 wird die erste Compact Disc für den Handel produziert, und zwar mit dem Album The Visitors von ABBA. Ab 1. Oktober 1982 kann man in Japan den Sony CDP-01 kaufen, den ersten öffentlich erhältlichen CD-Player. Viel Musik gibt es dafür noch nicht, als erstes Album wird 52nd Street von Billy Joel angeboten. Am 2. März 1983 schließlich haben Musikfreaks auf der ganzen Welt, vor allem in Nordamerika und Europa, Zugriff auf das neue heiße Ding. Damit man die noch ziemlich teuren Geräte nicht nur angucken muss, veröffentlichen CBS Records praktischerweise ganze 16 Titel.

Die ersten CDs: ABBA und Billy Joel

Ein Hit!

Die Reaktionen fallen enthusiastisch aus, zumindest bei den Leuten, die sich solches Hifi-Spielzeug leisten können. Im Laden muss man für die CD-Player anfangs bis zu 1000 Dollar hinlegen, aber bis 1984 werden in den USA über 400.000 Geräte verkauft, weltweit sind es laut Philips 1985 schon fünf Millionen, 1986 verdoppelt sich die Zahl. Zunächst sind es vornehmlich Fans von klassischer Musik und audiophile Freaks, die auf die bahnbrechende Klangqualität und die einfache Handhabung abfahren. Auch verlegen sich die Plattenfirmen darauf, erfolgreiche Werke im neuen Format erneut zu veröffentlichen, weil sie dabei von einer Nachfrage ausgehen können. Schon im Jahr 1988, nur fünf Jahre nach der Markteinführung, werden 400 Millionen CDs in 50 Presswerken weltweit produziert. Kurz gesagt: Die Idee von James T. Russell und die technische Umsetzung von Philips/Sony sind ein Hit.

Der erste CD-Player im Handel: Der Sony CDP-101. Heute sehen die Dinger gar nicht so anders aus. Bild Credit: Alessandro Nassiri

In der folgenden Dekade läuft CD anderen populären Speichermedien den Rang ab: Schon 1988 überholen die CD-Verkäufe in den USA die von Vinyl, 1992 werden mehr CDs gekauft als Kassetten. Als erster Künstler hat David Bowie 1985 seinen gesamten Katalog auf CD rausgebracht, der erste CD-Millionenseller wird Brothers In Arms von Dire Straits. 1998 erhalten Sony und Philips einen Technik-Grammy, bis 2007 werden weltweit 200 Milliarden CDs (und die verwandten Formate CD-ROM und CD-R) verkauft.

Der erste Millionenseller auf Polycarbonat: “Brothers In Arms” von Dire Straits

Aufstieg und Abstieg

Aber so geht’s nicht weiter, wie wir alle wissen: Doof ist für das Musikgeschäft zunächst, dass man CDs irgendwann verlustfrei kopieren kann. 1982 konnte eine CD wesentlich mehr Daten speichern (etwa 800MB) als eine handelsübliche Harddisk in einem Personal Computer mit 10 MB Platz. Das ändert sich ziemlich schnell und ebnet den Weg für die Verbreitung von mp3s und ähnlichen Formaten. Und dann kommt dieses Internet, von dem alle immer reden: Zunächst geht der Trend zu Downloads, mittlerweile wird Musik zusehends gestreamt. Nach 2001 zeigt die Absatzkurve von CDs kontinuierlich nach unten, 2014 überholen die Umsätze mit digitaler Musik in den USA erstmals die durch Verkäufe physikalischer Tonträger.

Die Absatzkurve von CDs und Vinyl. Quelle: Wikipedia

In Deutschland wurden laut dem Bundesverband Musikindustrie 2016 immer noch etwa 54 Prozent des Umsatzes mit CDs gemacht, Tendenz fallend. Vinyl liegt bei 4,4 Prozent, bleibt also eine Nische für Liebhaberei. Downloads gehen ebenfalls zurück (12,2 Prozent), der Streaminganteil erreicht 24,1 Prozent Umsatz, Tendenz steigend. Wo die Reise hingeht, ist also klar. Trotzdem diskutieren Musikfans gerne große Biere leer, wenn es um die „richtige“ Art des Hörens geht. Folgendes Argument gegen physische Tonträger wird unserer Meinung allerdings oft unterschätzt: Umzüge mit umfangreichen Sammlungen sind so traumatisierend, dass sich diese Frage irgendwann unter dem Geräusch berstender Bandscheiben erledigen wird. Ehrlich.

Wer übrigens seine Schätzchen tatsächlich loswerden will, kann sie nicht einfach in die Tonne kloppen: Das Polycarbonat, aus dem CDs hergestellt werden, gehört ins Recycling – allerdings als Rohstoff für Medizin, Computertechnik und Autoindustrie, nicht für neue CDs.

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Zeitsprung: Ab 1. 7.1979 verändert der Walkman die Musikwelt

 

Popkultur

Bowie, Banken und Urin: 5 Dinge, die ihr über Placebo-Dandy Brian Molko noch nicht wusstet

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Brian Molko
Foto: Ricardo Rubio/Europa Press via Getty Images

Die Geschichte der Rockmusik wäre ohne Placebo und vor allem ihren androgynen Frontmann Brian Molko anders verlaufen. Zum 50. Geburtstag des ewig jungen Peter Pan des Rock’n’Roll haben wir mal ein paar Dinge zusammengetragen, die ihr vielleicht noch nicht wusstet. Aber Achtung: Eins ist ziemlich eklig.

von Björn Springorum

Ach, Brian Molko. Was war da los, als er in den Neunzigern mit Placebo die Alternative-Rock-Welt im Sturm erobert und mit Eyeliner, aufwühlenden Texten über Mental Health, Obsession, Sucht und Femininität einen dringend benötigten Gegenpol zum ewigen Schwanzvergleich der Alphamännchen liefert. Brian Molko, dieser zierliche, verletzlich wirkende Künstler mit den traurigen Augen, wird zur Ikone, zur Galionsfigur einer ganzen Generation. Zu seinem 50. Geburtstag blicken wir auf die unbekannte Seite des Sängers und seine teilweise gewöhnungsbedürftigen Marotten.

1. Brian, der Banker

Wenn es nach Brian Molkos Vater gegangen wäre, einem jüdischen Amerikaner mit französischen und italienischen Wurzeln, wäre der junge Brian ein Banker geworden. Molkos Reaktion ist Rebellion und Aufbegehren, er legt sich sein androgynes Image zu, trägt Nagellack und Lippenstift. Seine Schule verlässt er bald darauf, weil er gemobbt wird, und findet erst in seinem Schauspielstudium in London Erfüllung. Indirekt ist es also Molkos Vater zu verdanken, dass es Placebo überhaupt gibt. Thanks, Dad!

2. Mittelfinger für Homophobie

Brian Molko ist bisexuell. Zu Beginn seines meteoritenhaften Aufstiegs zum Idol und Sexsymbol spielt er gern mit Geschlechterklischees, um gegen Homophobie in der Musik vorzugehen. „Ich wollte, dass homophobe Typen zu unseren Konzerten kommen und denken: ‚Wow, mir gefällt die Sängerin. Ist die heiß!‘ Später würden sie dann herausfinden, dass der Sänger Brian heißt, was dann vielleicht dazu führt, dass man sich ein paar Fragen stellt.“

3. Dreckige Stiefel

Der Song, der Brian Molkos Leben ganz offiziell ändert, ist Dirty Boots vom wegweisenden Sonic-Youth-Album Goo. „Mein Kumpel Nick und ich waren 16, er kam zu mir, wir rauchten einen Joint, löschten das Licht und legten Goo auf“, erinnert sich Molko mal. „Damals spielte ich seit drei Jahren Gitarre, aber alles, was ich glaubte, mit einer elektrischen Gitarre tun zu können, löste sich an diesem Tag in Luft auf. Ein ganzes Universum neuer Möglichkeiten lag vor mir. Bis heute sind Sonic Youth wahrscheinlich mein größter Einfluss. Sie sind die größte Rock’n’Roll-Band aller Zeiten.“

4. Rat vom Starman

Die Freundschaft zwischen Brian Molko und David Bowie gehörte zu den besonders heilsamen Momenten in diesem ganzen irrsinnigen Rock’n’Roll-Karneval. Erst gehen Placebo auf Einladung von Bowie mit ihm auf Tour, später nehmen sie gemeinsam Without You I’m Nothing auf. Das wichtigste Detail dieser Beziehung liegt jedoch im Einfluss, den Bowie auf den damals sehr unsicheren, eskalativen, berauschten Molko hat: „David machte mich zu einem besseren Menschen. Mir wurde das aber erst nach seinem Tod klar. Damals war ich bei Weitem zu

5. Angepisst

Vor vielen Jahren gaben Placebo regelmäßig Meet And Greets für Wettbewerbsgewinner*innen. Bei einem kommt es zu einer unschönen Szene, Molko wird sehr unangenehm belästigt. Seither pinkelte er vor einem dieser Treffen stets auf seinen Zeigefinger. „Sie liefen alle mit ein klein wenig Molko-DNA davon“, sagte er mal. Ist aber lange her, wie er versichert.

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10 Songs, die jeder Placebo-Fan kennen muss

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Popkultur

Tarja im Interview über 15 Jahre „My Winter Storm“: „Ich spürte, dass ein neues Kapitel in meinem Leben begann“

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Tarja
Foto: Frank Hoensch /Getty Images

15 Jahre ist es her, dass Tarja Soile Susanna Turunen Cabuli — besser bekannt nur unter ihrem Vornamen Tarja — ihr Soloalbum My Winter Storm veröffentlichte. Der Longplayer war zwar genaugenommen nicht ihr Solo-Debüt (das war nämlich das finnischsprachige Weihnachtsalbum Henkäys ikuisuudesta, das noch während ihrer Zeit bei Nightwish erschien) – aber ohne Zweifel ein riesengroßer Befreiungsschlag und Meilenstein in ihrem Leben. Zwei Jahre trennten sich Nightwish von Tarja — jene Band, die sie mitgegründet und mit ihrer Stimme so maßgeblich geprägt hatte. Ein schwerer Schlag und ein großer Wendepunkt für die finnische Musikerin.. Umso erfreulicher war es natürlich, dass My Winter Storm bei Fans voll ins Schwarze traf. Das Album wurde zum Riesenerfolg — und zum Fundament für eine immer noch erfolgreiche Solokarriere. Im uDiscover-Interview spricht Tarja darüber, wie alles begann — und wie es sich anfühlt, in Buchform auf ihre Karriere zurückzublicken.

von Timon Menge

Hier könnt ihr euch My Winter Storm anhören:

Dein Soloalbum My Winter Storm wird dieses Jahr 15 Jahre alt. Kannst du ein wenig über deine Einstellung zu dieser Zeit erzählen – und woran du dich am meisten an diese Zeit erinnerst?

Der Beginn meiner Solokarriere war für mich persönlich eine super spannende Zeit. Ich wollte schon an meiner eigenen Musik arbeiten, als ich noch in der Band war, aber als es dann wirklich losging, fühlte sich alles wie ein Traum an. Jede Person, die mit mir arbeitete, war neu für mich, und ich musste erst einmal Vertrauen zu ihr fassen. Das war schwer, zumal ich nach dem, was mit mir und der Band passiert war, leider jegliches Vertrauen in die Menschheit verloren hatte. Ich war nicht stark genug, um einigen Leuten gegenüberzutreten und ihnen zu sagen, dass mir die Dinge nicht gefielen, wie sie liefen, aber ich habe es irgendwie geschafft, meine Stimme zu finden. Auch das Songschreiben war neu für mich, und ich war mir nicht sicher, ob ich es in mir hatte oder nicht. Erst nach einigen Jahren und mehr Erfahrung begann ich mich beim Songschreiben wohl zu fühlen und hatte keine Angst mehr davor. Für mich klingt mein Debüt-Rockalbum ziemlich unschuldig und erinnert mich daran, wie nervös ich damals war, aber es hat mich beflügelt, meine Karriere zu starten und auf eine bessere Zukunft zu hoffen.

Hattest du von Anfang an eine feste Vorstellung, wohin du mit deiner Solokarriere gehen wolltest?

Auf jeden Fall. Ich hatte ein kristallklares Bild davon, was ich erreichen wollte, aber ich war mir nicht so sicher, wie ich es erreichen sollte. Um meine Ziele zu erreichen, brauchte ich Menschen, die mir helfen, und ich musste mein Selbstvertrauen finden, um sie zu führen. Das war nicht leicht, aber ich bin immer meinem Herzen gefolgt, und nie hat mir jemand gesagt, was ich mit meiner Kunst tun sollte.

My Winter Storm war ein riesiger Erfolg. Es wurde in verschiedenen Ländern mit Gold oder Platin ausgezeichnet — auch in Deutschland. Ich kann mir vorstellen, dass ein solcher kommerzieller Erfolg eine große Erleichterung nach der ganzen Band-Situation gewesen sein muss?

Natürlich war es das, aber was mich noch glücklicher machte, war die Tatsache, dass ich endlich frei war, mich selbst auszudrücken. Ich spürte, dass ein neues Kapitel in meinem Leben begann, und ich war froh, diese Seite aufzuschlagen und weiterzumachen. Es war die Zeit, in der ich produktiv, kreativ und frei sein konnte.

In Deutschland bist du vor allem in der Metal- und Rockszene bekannt, in Finnland reicht deine Popularität weit darüber hinaus. Ist das für dich ein spürbarer Unterschied, was den Kontakt zu den Fans in beiden Ländern angeht und wie du wahrgenommen wirst?

Ja, das ist ein großer Unterschied. In Finnland bin ich eine Berühmtheit, eine öffentliche Person, wenn man so will. Mein Privatleben ist Gegenstand des Medieninteresses, und manchmal war es für mich ziemlich schwierig, damit umzugehen. Das ist auch einer der Gründe, warum ich nicht mehr in meinem Heimatland lebe. Als Künstlerin stehe ich gerne im Mittelpunkt, aber als Einzelperson bin ich nicht bereit, diese Last zu tragen. Seit Beginn meiner Karriere war mir klar, dass ich diese beiden Dinge in meinem Leben getrennt halten möchte. Mein Privatleben gehört mir. Das brauche ich, um mit einem gesunden Herzen Musik machen zu können.

Finnland scheint ein sehr gutes Umfeld für Musiker zu sein, da viele großartige Bands und Künstler von dort kommen, nicht nur im Rock und Metal, sondern auch im Jazz – in gewisser Weise vergleichbar mit Island. Siehst du das auch so – und wenn ja: warum denkst du, dass das so ist?

Du hast die Landschaft erwähnt. Sie ist ein inspirierender und wichtiger Einfluss für die Künstler in meinem Land, und das war schon immer so. Finnland ist ein ziemlich großes Land mit viel Natur und natürlichen Ressourcen, aber nicht zu vielen Menschen und überfüllten Orten. Unsere Natur ist sehr wichtig für uns. Wir wissen sie zu schätzen und sind stolz auf das, was wir haben. Es ist ziemlich schwierig, die dunklen und kalten Winter zu überstehen, und wenn im Frühling die Sonne am Himmel erscheint, ist jeder ein bisschen überwältigt von der Energie, die von ihr ausgeht. Jede Jahreszeit ist sehr unterschiedlich und dennoch inspirierend.

Letztes Jahr hast du dein Buch Singing In My Blood veröffentlicht, das du im ersten Jahr des Lockdowns geschrieben und zusammengestellt hast. Wie hat sich dieser Rückblick auf deine bisherige Karriere angefühlt, vor allem in einer sehr seltsamen Zeit wie dieser, in der alles still stand?

Die Arbeit an dem Buchprojekt war für mich teilweise wie eine Therapie. Es hat mir bewusst gemacht, wie reich mein Leben war und wie viel ich als Mensch schon erlebt habe. Es hat mich Dankbarkeit spüren lassen. Gerade wenn die Welt stillzustehen schien, musste ich mich auf das Buch konzentrieren, um das Gefühl zu haben, dass ich noch lebe. Es war wundervoll, Hunderte von Fotos durchzugehen, Menschen zu interviewen, die im Laufe der Jahre mit mir gearbeitet haben, und die Erinnerungen wieder aufleben zu lassen, die ich vergessen hatte. Ich habe die Arbeit an dem Buch wirklich genossen.

Was hättest du zu Beginn deiner Karriere gerne gewusst, was du heute weißt?

Ich hätte einige Änderungen an meinen Lebensumständen auf Tournee vorgenommen, um Stresssituationen zu vermeiden und mich zu schonen.

Du veröffentlichst gerade deine erste Best-of-Platte veröffentlicht. Im Grunde habe ich dazu die gleiche Frage wie bei dem Buch: Was war das für ein Gefühl, an einem solchen Rückblick zu arbeiten?

Der emotionalste Teil war für mich die Erkenntnis, dass es mir gelungen ist, eine lange Karriere aufzubauen, in der ich mich frei fühle, meine Kunst zu schaffen, ohne dass jemand die Fäden zieht und mir sagt, was ich tun soll. Die Jahre sind ziemlich schnell vergangen und ich habe es geschafft, an mehreren erfüllenden Veröffentlichungen und Projekten zu arbeiten. Es hat lange gedauert, an dieser Veröffentlichung zu arbeiten. Es ist ein Album, das mir genauso wichtig ist wie jedes andere von mir und ich war froh, es zusammenzustellen; ein Paket aus drei Alben und einer Live-Show. Ich bin meinen Fans einfach super dankbar für ihre Unterstützung und Liebe. Ohne sie würde ich meinen Traum nicht leben.

Es gibt einen neuen Song auf dem Album namens Eye Of The Storm. Kannst du ein wenig über diesen Song erzählen?

Der Song ist schon vor langer Zeit entstanden. Ich erinnere mich, dass ich damals auf der Suche nach meinem Platz in der Welt war. Ich hatte sowohl in Finnland als auch in Argentinien ein Haus und sogar ein Sommerhaus in Antigua in der Karibik, wohin ich zwischen meinen Tourneen fuhr, um mich zu erholen. Wir waren damals als Familie ständig auf Reisen. Ich war gerade erst Mutter geworden und war mir nicht sicher, wo ich hingehöre und was mein Herz will, also schrieb ich ein Lied darüber. Künstlerisch war ich zu der Zeit bereit, die Welt zu erobern und wollte alle neuen Informationen aufsaugen und alles über Musik lernen, aber persönlich fühlte ich einen Aufruhr in mir. Der Song ist von zwei sehr wichtigen Ländern in meinem Leben inspiriert, Argentinien und Finnland. Man kann auch einen Einfluss von Astor Piazzola und Jean Sibelius darin hören.   Nach vielen Jahren und vielen Entscheidungen hatte ich das Gefühl, dass ich bereit war, diesen Song zu veröffentlichen, weil ich endlich Frieden in mir selbst gefunden habe und mich großartig fühle. Diese Best-Of-Veröffentlichung fühlte sich wie der perfekte Ort dafür an.

Du hast kürzlich in einem Interview erwähnt, dass du während der Pandemie sehr produktiv warst. Auf welche neuen Projekte können wir uns freuen – und wird es ein neues Album geben?

Ich arbeite derzeit an drei Albumveröffentlichungen gleichzeitig! Ihr könnt in den nächsten Monaten Single- und Albumveröffentlichungen von meinem elektronischen Projekt Outlanders erwarten. Außerdem schreibe ich Songs für die kommende Rock-Veröffentlichung, die ihr 2024 erwarten könnt. Was das dritte Album angeht… das ist noch ein Geheimnis. Im nächsten Jahr gibt es eine Menge Tourneen: die letzten In the Raw-Touren im Februar und März in Europa und Best of-Konzerte im Rest des Jahres. Am Ende des Jahres gibt es natürlich noch eine Weihnachtskonzerttournee …und vieles mehr. Ich hoffe, wir sehen uns irgendwo unterwegs!

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Popkultur

10 Songs, die jeder Fan von Otis Redding kennen sollte

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Foto: Sulfiati Magnuson/Michael Ochs Archives/Getty Images

Man nennt ihn den „King Of Soul“. Obwohl Otis Redding nur 26 Jahre alt wurde, hat der Sänger und Songschreiber aus Georgia der Welt zahlreiche Hits hinterlassen. Wir haben die zehn besten ausgesucht. Manche davon hat er selbst geschrieben, andere nicht — und ein Song wurde vor allem durch Aretha Franklin weltberühmt.

von Timon Menge

Hier könnt ihr euch unsere Empfehlungen von Otis Redding anhören:

Zur Welt kommt Otis Redding am 9. September 1941 in Macon, Georgia. Den Ort kennt ihr bereits? Klar, denn auch Little Richard und die Allman Brothers Band kommen aus dem „Herzen Georgias“, wie die Stadt aufgrund ihrer zentralen Lage genannt wird. Mit 15 bricht Redding die Schule ab und arbeitet mit Little Richards Band The Upsetters. Seine erste Single als Profi veröffentlicht er 1962, danach nimmt seine Karriere mächtig Fahrt auf. Fünf Jahre später endet sie auf tragische Weise schon wieder, denn am 10. Dezember 1967 kommt Redding im Alter von nur 26 Jahren bei einem Flugzeugabsturz ums Leben. Schauen wir uns mal an, was er zu Lebzeiten für Hits aufgenommen hat und welche Songs uns posthum noch begeistert haben.

1. Stand By Me (1964)

Diese legendäre Nummer stammt aus dem Jahr 1961 und wurde von Ben E. King und einem Herrn namens Elmo Glick komponiert. Was nicht alle wissen: Hinter dem Pseudonym Elmo Glick verbirgt sich das Songschreiberduo Jerry Leiber und Mike Stoller, das Stücke wie Houng Dog, Jailhouse Rock und King Creole für niemand geringeren als Elvis Presley geschrieben hat. Redding verleiht dem jazzigen Stand By Me in seiner Interpretation etwas mehr Funk, was nicht zwingend besser klingt, aber auf jeden Fall nach seiner Handschrift.

2. Respect (1965)

Bei Respect verhält es sich ein wenig anders: Diesen Song hat Redding zwar selbst geschrieben, doch zum Hit wurde das Stück erst durch Aretha Franklin. R-E-S-P-E-C-T: Selten wurde eine Aneinanderreihung von Buchstaben so eindrucksvoll vorgetragen. Das sieht Komponist Redding genauso, denn gleich nachdem er Franklins Version zum ersten Mal gehört hat, soll er gesagt haben: „Nun, ich glaube, der Song gehört jetzt ihr.“ Damit sollte er Recht behalten, doch die Grundlage für den Mega-Erfolg der „First Lady Of Soul“ liefert sein Song.

3. I Can’t Turn You Loose (1965)

Bei I Can’t Turn You Loose handelt es sich um einen klassischen Fall einer B-Seite, die erfolgreicher ist als ihre A-Seite, denn eigentlich erscheint die Nummer 1965 als Rückseite der Single Just One More Day. Einen zweiten Frühling beschert dem Song der Filmklassiker Blues Brothers mit Dan Aykroyd und John Belushi, die ihre Shows standesgemäß mit I Can’t Turn You Loose eröffnen. Besonders empfehlenswert: die Version von der Live-Platte Otis Redding In Person At The Whiskey A Go Go.

4. My Girl (1965)

Diesen Song verbinden Soul-Fans vor allem The Temptations, denn 1964 landet die Motown-Band mit My Girl ihren ersten Nummer-eins-Hit in den USA. Geschrieben haben das Stück Smokey Robinson und Ronald White; als Inspiration nennt Robinson seine Frau Claudette Rogers Robinson von der Band The Miracles. Als Otis Redding das Stück 1965 in seiner Version veröffentlicht, stürmt er damit zwar nur in Großbritannien die Charts, bereichert die Welt des Soul aber um eine starke Interpretation des Temptations-Klassikers.

5. Cigarettes And Coffee (1966)

Cigarettes And Coffee, der unter anderem aus der Feder von Impressions-Sänger Jerry Butler stammt, veröffentlicht Redding 1966 auf seinem vierten Album The Soul Album. In dem Stück geht es um eine ganz einfache, aber deshalb nicht weniger schöne Sache: mit der Freundin lange aufzubleiben. Bei diesem Song handelt es sich ohne Zweifel um eine der schönsten Soul-Balladen aller Zeiten.

6. Fa-Fa-Fa-Fa-Fa (Sad Song) (1966)

Zugegeben, beim Aussprechen dieses Songtitels mag man sich ein wenig dumm vorkommen, doch für Otis Redding markiert die Nummer einen seiner größten Hits. Besonders großen Spaß macht das Frage-Antwort-Spiel, das sich Redding mit den Bläser*innen liefert.

7. Try A Little Tenderness (1967)

Try A Little Tenderness taucht gleich auf mehreren „Die besten Songs aller Zeiten“-Listen auf und zwar aus gutem Grund: Von der Bläsersektion am Anfang über Reddings bärenstarke Stimme bis hin zur einfühlsamen Produktion von Jim Stewart, Isaac Hayes und Booker T. & The M.G.’s: In dieser Nummer bringt Redding viele seiner Stärken unter einen Hut und zaubert eine Soul-Ballade der Extraklasse.

8. (Sittin’ On) The Dock Of The Bay (1968)

Bei (Sittin’ On) The Dock Of The Bay handelt es sich um die erste posthume Single, die je die Spitze der US-Charts erreicht hat. Der Song erscheint am 8. Januar 1968, also knapp einen Monat nach Reddings Tod durch einen Flugzeugabsturz, und trifft aufgrund seiner emotionalen Aufladung direkt ins Herz Amerikas. Den Text zum Lied beginnt Redding, als er Zeit auf seinem Hausboot in Kalifornien verbringt. Den Mix übernimmt Co-Autor, Produzent und Stax-Legende Steve Cropper, der den Song um das charakteristische Möwengeschrei und die Meeresgeräusche erweitert, wie Redding es sich vor seinem Tod noch gewünscht hatte.

9. Hard To Handle (1968)

Hard To Handle zählt, genau wie Respect, zu den Songs, die Redding an jemand anderen verloren hat. Zwar gelingen mit dem Song auch kleine Erfolge als er 1968 nach Reddings Tod erscheint, doch zum Mega-Hit wird das Stück erst 1990 durch die Black Crowes, denen mit Hard To Handle der Durchbruch gelingt.

10. Love Man (1969)

Auch Love Man erscheint posthum und dient als Titeltrack für das gleichnamige Album von 1969. Dieser tanzbare Soul-Klassiker markiert das Ende unserer Auflistung, aber nicht das Ende des Vermächtnisses von Otis Redding. Seine Songs haben bereits 50 Jahre überdauert und werden uns sicher auch weitere 50 Jahre erhalten bleiben. Gut so, denn man nennt Redding nicht umsonst „King Of Soul“. Rest in peace, King!

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10 ABBA-Songs, die jeder Fan kennen sollte

 

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