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Popkultur

Zeitsprung: Am 8.5.1990 erscheint Bruce Dickinsons Solodebüt „Tattooed Millionaire“.

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Foto: Cover

"Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 8.5.1990.

von Matthias Breusch und Christof Leim

Als Sänger von Iron Maiden wird er zum globalen Metal-Superstar. Aber alleine die Qualität seiner Soloalben hätte für eine eigene Karriere gereicht. Am 8. Mai 1990 veröffentlicht Bruce Dickinson sein exzellentes Debüt Tattooed Millionaire. Und das entsteht quasi nebenbei: Vom Tresen ins Wohnzimmer ins Studio in die Charts in kürzester Zeit. Geht auch.

Hier könnt ihr euch das Album anhören: 

Welcher weltberühmte Sänger, welche berühmte Sängerin hat es drauf, ohne den Hitkatalog der Hauptband live zwei Stunden lang eine vollgestopfte Halle zu begeistern? Rolling Stone Mick Jagger hätte schlechte Karten. W. Axl Rose von Guns N‘ Roses ginge es nicht viel besser. Bruce Dickinson gehört – ähnlich wie sein Jugendidol Ian Gillan von Deep Purple – zu den wenigen Ausnahmen, die es in dieser Disziplin ohne Eier und Tomaten in der Frisur aus dem Gebäude schaffen. Für Bruce ist es vollkommen normal, bei Soloshows die Klassiker von Iron Maiden links liegen zu lassen, denn seine stilistisch offen gefächerten „privaten“ Kompositionen erweisen sich nicht selten als ähnlich mitreißende Hymnen, wie sich auf Livealben wie Scream For Me Brazil offenbart.  

Startschuss am Tresen

Dickinsons kreativer Nebenfluss beginnt 1989 ganz spontan, ohne Planung auf dem Reißbrett oder dickes Plattenfirmen-Budget. An dem Tag, an dem der kreative Multimann von der Idee Abschied nimmt, „U-Boot-Kreuzfahrten über den Atlantik anzubieten“, trifft er am Tresen einen alten Freund: Gitarrist Janick Gers. Der ehemalige Leadgitarrist von Ian Gillan spielt gerade mit dem Gedanken, seine Musikerkarriere an den Nagel zu hängen, die gesamte Ausrüstung zu verkaufen und Lehrer zu werden. Wenige Bierchen später schlagen die beiden jedoch ein neues Kapitel seiner Musikgeschichte auf.

Zusammen schreiben die beiden eine Spaßnummer mit dem schönen und geschmackssicheren Titel Bring Your Daughter To The Slaughter, gedacht für den Soundtrack von Teil fünf der Hollywood-Horrorshow Nightmare On Elm Street -The Dream Child. Für die Filmproduktion reicht es zwar zeitlich nicht ganz, aber der Song bringt Bruce einen Solovertrag mit CBS Records ein. Am Ende erscheint Bring Your Daughter… 1990 auf dem Iron-Maiden-Langspieler No Prayer For The Dying. „Wir haben es reichlich überstürzt aufgenommen. Das Stück hätte also überhaupt nicht zum übrigen Album gepasst“, erzählt Bruce im gleichen Jahr in einem Gespräch mit der britischen Journalisten-Legende Chris Welch

Seltsame Schreie

Aber an eigenem Material mangelt es ohnehin nicht. Der Sänger entwickelt ununterbrochen Ideen für aberwitzige oder tiefgründige Texte, zudem erweisen sich Gers und Dickinson musikalisch als Traumpaar: „Wir haben alles in Janicks Wohnzimmer geschrieben. In nur einer Woche.“ Laut Dickinsons Autobiografie What Does This Button Do? wurden die beiden in der Einflugschneise des Flughafens Heathrow von der Muse geküsst. „Wenn die Flugzeuge über das Haus donnerten, hinterließen die Reifen praktisch Dellen im Dach.“ Nebeneffekt: Die Nachbarn sind  längst stocktaub und hätten sich daher nie über „die seltsamen Schreie“ in Janicks Wohnzimmer gewundert. Musikalisch kommt hier im Vergleich zu Iron Maiden mehr Hard Rock raus, und mit progessivem Schlenkern in Endlossongs geben sich die beiden Jungs gar nicht erst ab.

Auch der Rest geht ruckzuck vonstatten. „Wenn man eine Sache zu sehr konstruiert, verliert man viel Energie. Deshalb haben wir für diese Platte keine Demos angefertigt.“ Vier Tage wird mit der neu zusammengestellten Band geprobt, da existiert nicht einmal der Titeltrack. „Tattooed Millionaire, die erste Single, fiel uns so nebenbei im Studio ein.“ Auch der Ohrwurm Gypsy Road entsteht erst dort im Handumdrehen: „Ich habe selten besser gesungen. Es gibt keine Overdubs, nur eine Stimme.“ No Lies wird als Jamsession auf die Spitze getrieben, mit All The Young Dudes findet noch eine Mott-The-Hoople-Nummer (aus der Feder von David Bowie) ihren Weg auf die Platte. Sogar für ein paar Bonustracks, etwa Sin City von AC/DC, hat das Quartett Zeit. (Die Nummer erscheinen 2002 auf einer Neuauflage der Platte.)

Ein Witz mit Hits

„Viele hatten geglaubt, Tattooed Millionaire sei ein ernst gemeintes Soloalbum gewesen“, schreibt der Brite, der sich selbst nie hat tätowieren lassen, in seinen Memoiren. „Dabei handelte es sich eher um einen Witz, der allerdings sauber produziert wurde.“ Es dürfte eine Menge Musiker geben, die für einen solchen „Witz“ mit mächtigen Songs wie Son Of A Gun oder Born in ‘58 splitternackt von Nottingham nach Nowosibirsk pilgern würden. Und für einen Witz funktioniert das ganz gut: So schaffen es alle vier Singles in die Top 40 in Großbritannien.

Die U-Boote lassen Dickinson dennoch nicht los. Für das Video von Tattooed Millionaire – ähnlich wie White Punks On Dope von den Tubes eine Abrechnung mit reichen weißen Taugenichtsen auf dem Sonnendeck des Lebens – engagiert er als Regisseur Storm Thorgerson, den Macher hinter dem Coverdesign von Pink Floyds Dark Side Of The Moon. Thorgerson realisiert Dickinsons Vision von „einem unterirdischen U-Boot, dessen Periskop ins lasterhafte Leben der Reichen und Berüchtigten blickt“. 

Auch für Janick Gers hat das Ganze ein glückliches Ende. Als Nachfolger des überraschend ausgestiegenen Adrian Smith wird er 1990 als festes Mitglied bei Iron Maiden aufgenommen. Dank der mitreißenden Kooperation mit Dickinson muss er nie wieder darüber nachdenken, seine Verstärker auf dem Flohmarkt zu verhökern. 

Zeitsprung: Am 8.9.2002 wird Bruce Dickinson von Iron Maiden Berufspilot.

Popkultur

40 Jahre „Nebraska“: Als Bruce Springsteen durch Zufall zum einsamen Cowboy wurde

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Bruce Springsteen
Foto: Bill Marino/Getty Images

Vor 40 Jahren nimmt Bruce Springsteen Demos auf, die er eigentlich mit seiner E Street Band einspielen will. Er entscheidet sich dagegen – und veröffentlicht mit Nebraska sein vielleicht bestes Album.

von Björn Springorum

 

Hier könnt ihr euch Nebraska von Bruce Springsteen anhören:

Die Fabeln der Arbeiterklasse und der Mythos Amerikas sind Tropen, ohne die Bruce Springsteens Kanon auseinanderfallen würde. Immer schon haben ihn die Geschichten der vermeintlich einfachen Leute mehr interessiert als alles andere. Die Folklore der Menschen, die die Vereinigten Staaten von der Ostküste westwärts erschlossen und aufgebaut haben, die Arbeiter an den Docks, den Schienen, in den Minen.

Im Oktober 1980 veröffentlicht der Boss mit The River ein vielbeachtetes Doppelalbum voller jener Themen. Ein ganzes Jahr ist er damit auf Tour, vor allem in den USA, taucht auf den langen Fahrten über die Highways erneut tief ein in den Mythos des Wilden Westens. Die Eindrücke, Begegnungen und Erfahrungen inspirieren ihn in seinem Zuhause in New Jersey zu neuer Musik. Er verwendet vor allem die akustische Gitarre, eine Mundharmonika oder ein Tambourin für die Demo-Aufnahmen, die er als Grundlage für die eigentliche Studioarbeit mit seiner E Street Band nutzen will.

Drei Akkorde für ein Halleluja

Doch der folkloristische, pure, rohe Charme der oftmals mit drei Akkorden auskommenden Stücke bringt etwas in ihm zum Schwingen. Zwar arbeitet er im April 1982 mit seiner Band an Rock-Versionen dieser Song; das Ergebnis, das sagt ihm jedoch nicht zu. Für ihn fehlt den Songs im Bandkontext der verwunschene Americana-Kontext, die Seele des Landes, aus dem er sie schöpfte. Er und sein Manager Jon Landau entscheiden, diese spärlich instrumentierten Songs vom Rest zu trennen und aus ihnen eine Springsteen-Soloplatte mit Namen Nebraska zu machen. Aus den als Electric Nebraska bekannten Sessions sollen dennoch acht Songs für den Nachfolger Born In The U.S.A. von 1984 hervorgehen. Unproduktiv ist echt anders.

Eine magische Nacht

Im Grunde ist Nebraska somit ein Album, das am 3. Januar 1982 erschaffen wird. In den Abend- und Nachtstunden nimmt Bruce Springsteen wie entfesselt 15 Demos auf. Die meisten davon landen auf Nebraska. „Ich war immer nur so lang im Studio, weil das Komponieren so viel Zeit brauchte“, so sagte Springsteen mal. „Deswegen besorgte ich mir einen kleinen Vierspurrekorder, um schon mal grobe Songs aufzunehmen, die ich dann der Band zeigen würde. Ich hatte also dieses Tape wochenlang mit mir dabei, bis ich merkte: Das ist kein Demo, das ist das Album.“

Bis heute ist Nebraska ein einnehmendes, sehnsüchtiges Fernweh-Folk-Album voller Antihelden, tragischer Geschichten und amerikanischer Weite. Es lebt vom kargen Charme und von einem Schwermut, den man in dieser Intensität noch nicht von Springsteen vernommen hat. Passt zu den Themen: Die Songs drehen sich um einfache Menschen, vom Pech verfolgt oder in die Kriminalität abgerutscht. Im Titelsong geht es um den Mörder Charles Starkweather auf dem Weg zum elektrischen Stuhl, im abschließenden Reason To Believe brechen zumindest vereinzelte Sonnenstrahlen durch die tiefhängenden Wolken über den Great Plains.

Hommage an Atlantic City

Keine Inspiration braucht er natürlich für Atlantic City, Ode und Brandbrief an die einstmalige Casino- und Strandhochburg am Atlantik. Die Stadt ist wie ein pars pro toto für den Mythos der untergegangenen USA, ein einstmals glanzvoller Boardwalk, jetzt weitgehend verlassen, heruntergekommen. Im Song singt Springsteen mit Verzweiflung in der brechenden Stimme von einem Liebespaar, das nach Atlantic City flüchtet, wo er aufgrund seiner Schulden in der organisierten Kriminalität versinkt. Es sind Songs wie dieser, von dem sich die Killers zu ihrem Akustikalbum Pressure Machine inspirieren lassen.

Nebraska ist auch 40 Jahre später ein Monument und Springsteens wahrscheinlich bestes Album. Bis Western Stars (2019) ist es das einzige Album, das nicht auf einer eigenen Tournee vorgestellt wird. Es war ihm wohl immer zu düster.

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Zeitsprung: Am 4.6.1984 erscheint „Born In The U.S.A.“ von Bruce Springsteen.

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Review: „The End, So Far“ verschafft Slipknot neun neue Leben

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Slipknot
Foto: Venla Shalin/Getty Images

Das verflixte siebte Studioalbum wird bei Slipknot zur Wasserscheide: Nach zuletzt eher homöopathischen Änderungen im brachialen Soundbild stellen Corey Taylor und seine Maskencrew mit The End, So Far die Weichen für die Zukunft. Ihre beste Platte ist es nicht. Aber zweifellos eine beeindruckende.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch The End, So Far anhören:

Das Ende naht. Vielleicht nicht für Slipknot als Band. Aber definitiv für die Strukturen, in denen sich die Seelenstripper aus Iowa bisher bewegten: The End, So Far ist das letzte Album der Band für ihr Label Roadrunner und trägt das Ende der 25-jährigen Partnerschaft bereits im Titel.

Den Fans dürfte das egal sein. Für Slipknot geht dennoch eine Ära zu Ende. Und anstatt ein halbgares neues Album oder gar eine Best-Of auf den Markt zu werfen, um aus dem Vertrag zu kommen, geht man richtig in die Vollen. The End, So Far ist zwar nicht das brutalste, das heftigste, das härteste Album, das Slipknot jemals gemacht haben; das muss es aber auch gar nicht sein, dafür warne schließlich Iowa und Co. Zuständig.

Synthies, Chöre, klarer Gesang

Die siebte Platte porträtiert eine Band, die älter geworden ist. Und das endlich auch selbst anerkennt. Man umkreist solangsam die 50, da muss man nicht mehr so tun, als sei man 28. Deutlich wird das sofort: Der Opener Adderall ist der vielleicht untypischste Slipknot-Song aller Zeiten: Getrieben von flirrenden Synthies, Chören und durchgehend klarem Gesang, erinnert die Nummer eher an David Bowie oder an Tool.

Slipknot achten sorgfältig und gewissenhaft auf Dynamik, auf Songreihenfolge und Stimmungsbilder. Sie sind eine Albumband, groß geworden in Zeiten, in denen man Platten noch ganz hörte. Dem werden sie auch mit The End, So Far gerecht. Mehr denn je breiten Slipknot ihre irisierenden Flügel aus, decken so viele musikalische Gefilde ab wie nie zuvor. Klar ist die Platte auch brutal, in einem Song wie H377 sogar so durchgehend, kompromisslos und nervenzerfetzend knallhart wie auf ihrem tollwütigen Exorzismus Slipknot. Überwiegend steht jedoch eine Balance zwischen abgründiger Härte und trostspendenden Momenten auf der Agenda.

Grunge-Gefühle

Slipknot wissen längst, wie man Dynamik ausschöpft und präzise einsetzt. Die tosenden, grollenden Abriss-Monumente wirken wenn überhaupt, dann noch heftiger als auf früheren, eher durchgebolzten Werken. Melancholische, schwebende Momente wie die Alternative-Rock-Nummer De Sade zeigen zwischendrin aber eben immer wieder, dass man Dämonen und mentalen Horror auch ohne durchgehendes Metal-Inferno verhandeln kann. Hölle, bei Acidic kommen sogar Grunge-Gefühle auf!

Das Vermächtnis der Toten

Einen mehr als ordentlichen Job macht der neue Percussionist und Drummer Jay Weinberg. Er versucht gar nicht erst, in die XXL-Fußstapfen von Joey Jordison zu trommeln, füllt sein dynamisches, tightes Spiel aber dennoch mit mancher Referenz an den 2021 verstorbenen Drummer – voller Respekt und Demut. Es ist der sensible und richtige Weg, die tragische Geschichte einer Band zu verhandeln und weiterzutragen: Nach Paul Gray ist Joey Jordison schon das zweite Mitglied, das Slipknot zu Grabe tragen mussten.

Das Vermächtnis der Toten lebt auch auf The End, So Far fort. Ein Album voller Schatten, gespenstischer Melodien und gurgelnder Härte. Nicht alle Songs sind Treffer, manche verlieren sich in Post-Rock-Wolkengebilden und unpassenden Ausbrüchen. Unterm Strich bleibt aber eine knappe Stunde eindrucksvolles Flexen von einer Band, die ungebrochen vor Evolution, Kreativität und Aufbruchstimmung steht. Und endgültig keine Lust mehr hat, Konventionen zu pflegen oder Erwartungen zu erfüllen.

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Slipknot: Von Masken-Weirdos zu globalen Superstars

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Popkultur

30 Jahre „Küssen verboten“: Als die Prinzen zu Königen wurden

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Die Prinzen
Foto: Hulton Archive/Getty Images

Sie gründen sich noch zu DDR-Zeiten und werden gleich nach der Wende zu gesamtdeutschen Popstars: Vor 30 Jahren verkünden die Prinzen mehrstimmig: Küssen verboten! Ohrwurm in drei, zwei eins…

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch das Küssen verboten anhören:

Alles beginnt im Knabenchor. Mehr oder weniger alle späteren Mitglieder der Prinzen singen sich erst mal in ostdeutschen Chören die Seele aus dem Leib – Sebastian Krumbiegel, Wolfgang Lenk sowie Henri Schmidt etwa im weltweiten Leipziger Thomanerchor. Was man eben so macht in der DDR. Daraus entsteht eine erste Band mit dem unglücklichen Namen Die Herzbuben. Der Versuch: Mit A-capella-Stücken erfolgreich werden.

Annette Humpe greift ein. Zum Glück

Das klappt zwar ganz gut, aber das große Problem ist: Immer wieder verlieren Die Herzbuben Mitglieder, weil sie sich aus der DDR absetzen. Es dauert also noch bis nach der Wende, bevor die Geschichte endlich Fahrt aufnehmen kann. Zu verdanken ist das übrigens Annette Humpe, die mit Ideal große Erfolge feiern konnte und mit Blaue Augen einen gewaltigen Hit komponiert hatte. Sie wird auf die Band aufmerksam, erkennt das Potential und verfrachtet sie im November 1990 zu Anselm Kluge für erste Aufnahmen in dessen Studio. Ihr ist auch zu verdanken, dass man den Namen Die Herzbuben ablegt und sich auf Die Prinzen einigt. Mit den Wildeckern wollte man dann auch nicht unbedingt verwechselt werden.

Danach geht es schnell: Schon die erste Single Gabi und Klaus wird 1991 zum Erfolg, das Debüt Das Leben ist grausam kann sich mehr als eine Million Mal verkaufen und bringt sie auf Tour mit Udo Lindenberg. Danach soll natürlich schnell ein Nachfolger her. Deutschland ist nach David Hasselhoffs Niedersingen der Mauer wiedervereint und dürstet nach deutschsprachiger Popmusik, die Prinzen sind als ostdeutsche Band in den alten und neuen Bundesländern der absolute Verkaufsschlager.

Auch Olli Dittrich mischt mit

Ihr Rezept – A-capella-Gesang trifft Pop mit teils hintersinnigen, teils albernen Texten – trifft den unbeschwerten Zeitgeist, der nach all dem Drama einfach mal eine gute Zeit haben will. Nur ein Jahr nach dem Erstling sind Die Prinzen mit Küssen verboten zurück. Diesmal produziert Annette Humpe gleich das komplette Album und hilft der Band beim Texten, zusätzliche Unterstützung bei den Lyrics kommt von Comedian Olli Dittrich – so etwa der Text zu Kleines Herz.

Aufgenommen wird im Frühjahr 1992 in den Boogie Park Studios im Hamburg, am 28. September erscheint das zweite Album der Prinzen. Und wird ein ähnlich großer Erfolg: Es verkauft sich über 800.000 Mal, was damals drei Goldene Schallplatten bedeutet. Neben dem großen Erfolg der Single Küssen verboten ist es vor allem der von Sebastian Krumbiegel verfasste Song Bombe, der einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Anders als die humorigen, leichten Songs der Leipziger postieren sich Die Prinzen mit fast schon punkiger Attitüde klar gegen Rechtsextremismus.

Gegen rechte Gewalt

Gemeinsam mit Annette Humpe spielen sie Bombe live beim „Heute die! Morgen du!“-Festivals gegen rechte Gewalt in Frankfurt vor 150.000 Zuschauern. Als der Song im Februar 1993 als Single erscheint, gehen viele besorgte Eltern auf die Barrikaden. So viel Sex und Kritik ist man von den Prinzen nicht gewohnt. Dem Erfolg schadet es nicht. Im Gegenteil: Die große Tournee zu Küssen verboten wird zum Durchmarsch, zu den fast 60 Konzerten in den größten Hallen des Landes kommen über 200.000 Besucher.

In nur zwei Jahren sind Die Prinzen von einer ostdeutschen A-Capella-Seltsamkeit zu einer der größten Popbands des Landes geworden. Wieder vergeht nur ein Jahr, bis sie diese Erfolgsgeschichte mit Alles nur geklaut fortsetzen werden. Nicht übel für so ein paar Typen aus dem Knabenchor…

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Zeitsprung: Am 31.10.1965 probt die DDR-Jugend den Beat-Aufstand.

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