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Popkultur

Über die Kraft der Musik: Inspirierende Zitate von 15 Musiker*innen und Autor*innen

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Foto: uDiscover Music.com

Inzwischen sind auch psychische Probleme längst kein Tabuthema mehr in der Musikwelt, und so haben selbst Weltstars wie Adele, Kendrick Lamar, Taylor Swift oder auch Bruce Springsteen zuletzt ganz offen über depressive Phasen, Angststörungen & Co. gesprochen – wobei sie meistens im selben Atemzug die heilende Kraft der Musik erwähnen sollten.

Musik für gute Stimmung

Tatsächlich gibt es eine ganze Reihe von wissenschaftlichen und psychologischen Studien, die das stimmungsaufhellende Potenzial von Musik belegen, und nicht nur das: Auch die Blutzirkulation soll von ihr positiv beeinflusst werden, die Ausschüttung von Stresshormonen wie Cortisol dadurch reduziert und sogar Schmerzen gelindert werden. Selbst die Ergebnisse einer OP sollen demnach besser ausfallen, wenn Musik den Heilungsprozess begleitet. Vor gar nicht langer Zeit wurde im Fachblatt Nature Neuroscience eine Studie mit konkreten Zahlen vorgestellt: Das Dopamin-Level im Gehirn soll um bis zu 9 Prozent höher sein, wenn Menschen Musik hören, die ihnen gefällt.

von Martin Chilton

Musik für die Seele

Musik als Balsam für die Seele – das ist natürlich kein neuer Gedanke. Schon William Shakespeare sagte vor gut 400 Jahren, dass „die Musik alle Probleme ausradieren kann, die dem Gehirn eingeschrieben sind“. Und heute sind es eben die Probleme und Belastungen des modernen, digitalen Zeitalters, die ein entsprechender Soundtrack lindern oder ausbalancieren soll. Matt Haig, der Autor von Ziemlich gute Gründe, um am Leben zu bleiben (im Original Reasons To Stay Alive), hat kürzlich erst Auszüge aus besagtem Buch zusammen mit Andy Burrows vertont, dem Schlagzeuger von Razorlight. Er schreibt darin, dass die Musik einem die Gelegenheit geben kann, der Zeit zu entkommen – eine These, die sicher auch der gefeierte Komponist, Pianist und Produzent Max Richter unterschreiben dürfte. Bester Beweis dafür ist seine Peaceful Music-Playlist, die Richter für Universal Music und Apple Music zusammengestellt hat – als „sinnvoller Ruhepol“ und Rückzugsort von der ganzen Hektik, die der moderne Alltag mit sich bringt.

15 Gedanken

Wir haben 15 gedankenvolle, inspirierende Zitate von Richter und 14 Kolleg*innen zusammengetragen: Gedanken über die heilende Kraft der Musik und darüber, wie wichtig es ist, absolut offen mit mentalen Problemen umzugehen.

Elton John

„Musik hat eine heilende Kraft. Sie kann es schaffen, Menschen für ein paar Stunden aus sich selbst herauszuholen“, sagt Elton John. Außerdem ist der Brite davon überzeugt, dass es drei Worte gibt, die man sich niemals verkneifen darf, wenn man das Bedürfnis hat, sie auszusprechen: „I need help“ – „Ich brauche Hilfe.“

Max Richter

„Die Idee, dass Musik einen Zweck erfüllt, ist schon vor Jahrhunderten entstanden. Die ältesten Musikaufzeichnungen finden sich in den Liturgien, und schon da sieht man die Verbindung zur Meditation. So gesehen kann Musik ganz klar zweckdienlich sein.“

Matt Haig

„Musik dringt nicht ein. Musik ist bereits da. Musik deckt auf, was in einem ist, lässt uns Emotionen spüren, derer wir uns nicht bewusst sind, stürmt durch die Seele und erweckt alles zum Leben. Wie eine Wiedergeburt.“ – (in Wie man die Zeit anhält)

Ed Sheeran

„Wenn ich am Boden zerstört bin oder mich irgendwie niedergeschlagen fühle, ist es jedes Mal so, dass es mir besser geht, sobald ich einen Song darüber schreibe. Dadurch hat man wenigstens eine positive Erfahrung aus einer negativen Sache herausgeholt.“

C.G. Jung, Psychologe  (1875-1961)

„Die Musik sollte ein wichtiger Teil jeder Analyse sein.“

Joni Mitchell

„Die Analyse hat mir sehr geholfen. Ich glaube, dass es gut ist, sich mit sich selbst zu konfrontieren. Ganz egal, ob man das allein in Abgeschiedenheit macht, oder ob es in Gegenwart anderer Menschen geschieht.“ (aus der Autobiografie In Her Own Words)

Jóhann Jóhannsson, Komponist (1969-2018)

„Wenn Musik gebraucht wird, ist sie auch wirklich da und erfüllt einen Zweck.“

Oliver Sacks, Autor und Professor der Neurologie (NYU School Of Medicine)

„Musik kann uns aus der Depression herausholen oder uns zu Tränen rühren – sie ist ein Heilmittel, ein Elixier, Orangensaft für die Ohren. Doch für viele meiner neurologischen Patienten ist sie sogar noch mehr als das: Sie kann einen Zugang darstellen, wo keine Medizin weiterhilft, kann Wege freilegen – zu Bewegungen, zur Sprache, zum Leben. Für diese Menschen ist Musik kein Luxus, sondern eine Notwendigkeit.“

Louis Armstrong, Jazztrompeter (1901-1971)

„Musik ist das Leben selbst.“

Bob Marley (1945-1981)

„Eine gute Sache an der Musik ist, dass du keinen Schmerz fühlst, wenn sie dich trifft.“

Philip Glass

„Jedes Mal, wenn man Musik spielt, wird sie zu etwas Neuem. Das ist ein Ansatz, wie ich über die Erinnerung und das Jetzt denke, darüber, wie die Vergangenheit und die Zukunft zusammenpassen. Ich habe das Ganze als „erlesenen Moment“ bezeichnet. Es ist ein erlesener Moment, weil das Publikum und die ganze Performance-Situation uns erlaubt, ja von uns verlangt, diesen Moment als solchen bewusst wahrzunehmen. Wir gehen doch so oft durchs Leben, ohne uns den jeweiligen Moment klarzumachen. Wir reden zwar immer von Achtsamkeit, aber die meisten von uns sind genau genommen nicht sonderlich achtsam.“

Adam Clayton (Bassist von U2)

„Psychische Erkrankungen sind nichts, womit man sich für den Rest seines Lebens arrangieren müsste. Es ist nichts, was einen davon abhalten wird, aktives Mitglied der arbeitenden Gesellschaft zu sein. Man muss halt mit Leuten darüber sprechen – und man muss sich aktiv Hilfe suchen. Dann kann man auch wieder gesund werden.“

Lady Gaga

„Ich leide an einer psychischen Krankheit: Ich leide an PTBS, einer Posttraumatischen Belastungsstörung. Ich habe das bisher noch nie öffentlich erzählt, aber jetzt ist es raus. Der ganze Zuspruch, den ich von Ärzten, aus meiner Familie und von Freunden bekommen habe – das alles hat mir wirklich das Leben gerettet.“

-2016; im Gespräch über einen sexuellen Übergriff während der Teenager-Zeit

James Blake

„Wir sind die Generation, die dabei zusehen konnte, wie sich Generationen von Musikern vor uns immer wieder auf Drogen und Exzesse gestürzt haben – auf Bewältigungsmechanismen, die sie letztlich kaputtmachen sollten. Es gibt so viele große Talente, die sich in letzter Zeit das Leben genommen haben. Wir haben die Verantwortung, über mentale Gesundheit offen zu reden und dieses Stigma endgültig aus der Welt zu schaffen.“

 Aretha Franklin (1942-2018)

„Musik kann vieles sein für die Menschen. Sie kann hinreißend sein, einen bewegen, natürlich kann sie das. Sie kann einen zurücktransportieren, Jahre zurück, bis zu einem Zeitpunkt, an dem irgendetwas Wichtiges im eigenen Leben vorgefallen ist. Sie kann einen erheben, anspornen, stark machen.“

+++ Wenn auch du unter einer Erkrankung leidest und Hilfe brauchst, wende dich an eine Vertrauensperson, einen Arzt oder Psychotherapeuten.

Im Notfall erreichst Du das Krisentelefon der TelefonSeelsorge 24 Stunden täglich unter 0800-1110111 und 0800-1110222. Auf der Homepage der Deutschen Depressionshilfe findest du in der Schnellsuche Kliniken und Anlaufstellen mit Schwerpunkt Psychiatrie und Psychotherapie. Du bist nicht allein! +++

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Popkultur

Zeitsprung: Am 8.12.1984 verschuldet Vince Neil den Tod des Hanoi-Rocks-Schlagzeugers.

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Foto: Paul Natkin/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 8.12.1984.

von Timon Menge und Christof Leim

Weil die Alkoholvorräte bei einer Privatparty nicht ausreichen, möchten Mötley-Crüe-Frontmann Vince Neil und Hanoi-Rocks-Schlagzeuger Nicholas „Razzle“ Dingley für Nachschub sorgen. Neil setzt sich trunken ans Steuer seines italienischen Sportwagens. Dann kommt es zur Katastrophe.

Hier könnt ihr die größten Hits von Hanoi Rocks anhören: 

1984 tourt die finnische Band Hanoi Rocks zum ersten Mal durch die USA, gemeinsam mit den damals übergroßen Mötley Crüe. Um diesen Umstand zu feiern, lassen es sich die Musiker bei einer Party im Haus von Mötley-Frontmann Vince Neil mächtig gut gehen. Sprich: Der Alkohol fließt in Strömen. Als die Vorräte aufgebraucht sind, beschließen Neil und Hanoi-Rocks-Schlagzeuger Nicholas „Razzle“ Dingley, für Nachschub zu sorgen. Neil setzt sich ans Steuer, obwohl er bereits gut geladen hat.

Auf einer der kurvenreichen Straßen Hollywoods verliert der Sänger die Kontrolle über seinen Sportwagen und rammt zwei andere Autos. Der Fahrer des ersten bleibt glücklicherweise unverletzt, doch im zweiten Wagen sitzen Lisa Hogan und Daniel Smithers, die sich mehrere Knochen brechen und Hirnschäden davontragen. Lisa Hogan liegt bis zum Ende des Monats im Koma. Neil selbst kommt mit ein paar gebrochenen Rippen und einigen Kratzern davon, doch Dingley hat Pech. Er wird nach dem Unfall ins South Bay Hospital eingeliefert, wo er um 7:12 Uhr Ortszeit für tot erklärt wird. Er wurde gerade einmal 24 Jahre alt. 

„Ich hätte ins Gefängnis gehen müssen.“

In Neils Blut wird anschließend ein Blutalkoholspiegel von 1,7 Promille festgestellt. Das Urteil: „vehicular manslaughter“, also Totschlag. Die Strafe hält sich in Grenzen: Zu gerade einmal 30 Tagen Gefängnis wird er verurteilt — und sitzt nur die Hälfte davon tatsächlich ab. Zwei Jahrzehnte später gibt er in einem Interview mit der US-Zeitschrift Blender Folgendes zu Protokoll: „Nach Razzles Tod stellte ich einen Scheck über 2,5 Millionen US-Dollar wegen fahrlässiger Tötung aus. Ich hätte ins Gefängnis gehen müssen. Das wäre definitiv verdient gewesen, aber ich habe nur 30 Tage im Knast verbracht, wurde dort flachgelegt und habe Bier getrunken — wegen der Macht des Geldes. Das ist beschissen.“ Zusätzlich zur Gefängnisstrafe muss Neil 200 Sozialstunden ableisten.

Hanoi-Rocks-Gitarrist Andy McCoy erinnert sich 2006 in einem Interview mit dem Metal Express folgendermaßen an den Abend: „Ich war da. Razzle und Vince verschwanden einfach, also suchten ich und Tommy Lee nach den beiden. Dann sind wir an der Unfallstelle vorbeigefahren und ich fragte Tommy, welche Farbe das Auto hatte, mit dem die zwei losgefahren sind. Wir fuhren nämlich gerade an einem verdammten Unfall mit einem roten Sportwagen vorbei. Dann sah ich Razzles Hut auf der Straße.“

„Jeder hat unter der ganzen Sache gelitten.“

Im Jahr 2011 äußert sich Hanoi-Rocks-Frontmann Michael Monroe auf sleazeroxx.com zu dem Vorfall: „Es gab diesen Unfall, und leider hat er unseren Schlagzeuger das Leben gekostet. Zu Vince Neil habe ich nichts zu sagen. Es war ein Unfall. Was passiert ist, ist passiert, und das lässt sich nicht mehr ändern. Jeder hat unter der ganzen Sache gelitten.“

Vince Neil widmet seinem verstorbenen Kollegen das nächste Mötley-Crüe-Album Theatre Of Pain (1985), beigesetzt wird Razzle auf der Isle Of Wight. Nach seinem Tod lassen sich die Hanoi Rocks zunächst nicht unterkriegen und engagieren Trommler Terry Chimes von The Clash, um eine bereits geplante Tour in Europa über die Bühne zu bringen. Kurz danach löst sich die Gruppe allerdings auf und findet erst 2001 wieder zusammen.

Die Hanoi Rocks 1984 in ganzer Pracht. Ganz rechts: Razzle. R.I.P. – Pic: Mike Prior/Redferns

Zeitsprung: Am 23.12.1987 stirbt Nikki Sixx von Mötley Crüe – für zwei Minuten.

 

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Popkultur

Apple Boutique: Vor 55 Jahren versuchen sich die Beatles erfolglos als Einzelhändler

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Apple Boutique
Foto: Evening Standard/Hulton Archive/Getty Images

Selbst in Sachen Einzelhandel waren die Beatles ihrer Zeit voraus: Ihre Apple Boutique in London kann als Vorläufer des modernen Concept Stores gelten. 1967 ging diese Rechnung aber noch nicht auf – und die Beatles verloren Millionen.

von Björn Springorum

Das wilde Jahr 1967 neigt sich dem Ende zu. Die psychedelische Rockmusik ist diesseits und jenseits des Atlantik explodiert, The Doors, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, The Byrds und Cream haben wegweisende Alben veröffentlicht. Getoppt wird das Ganze – natürlich – von den Beatles, die mit Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band eines der besten Alben aller Zeiten veröffentlicht haben.

Ein psychedelischer Garten Eden

Im Sommer läuft in ganz London gefühlt kein anderes Album, 23 Wochen lang behauptet es sich an der Spitze der britischen Charts. Den Summer of Love verbringen die Beatles mit Filmprojekten und ihrer Reise ins indische Bangor, bis der Tod von Brian Epstein am 27. August 1967 alle rosaroten Wolken platzen lässt. Hinter den Kulissen sind aber längst Dinge im Gange, die die Band auch ohne ihren Manager und Mentor weiterlaufen lässt – der Flop-Film Magical Mystery Tour und ihr eigener Store, die Apple Boutique.

Die soll laut Harrison ein „psychedelischer Garten Eden“ sein und erstreckt sich auf drei Stockwerke. Hinter dem grandiosen Street-Art-Bild auf der Fassade steckt das niederländische Designkollektiv The Fool, die George Harrisons Frau Pattie Boyd der Band vorgestellt hat. Schon in den Monaten vor der Eröffnung der Boutique gestalten The Fool Artworks, Outfits, Sets und Instrumente für die Beatles, für aus heutiger Rechnung über 1,5 Millionen Euro verwandeln sie die Fassade des historischen Townhouses in der Baker Street 94 an zwei Novembertagen in ein psychedelisches Kunstwerk.

Bowie und Clapton kommen zur Eröffnung

Mit dem Store dahinter versuchen die Beatles, den Einzelhandel ebenso zu revolutionieren wie die Musik. Ihr sehr visionäres Konzept: Alles, was es in diesem Laden gibt, steht zum Verkauf. „Ein hübscher Ort, an dem hübsche Menschen hübsche Dinge kaufen können“, so beschreibt Paul McCartney das Konzept, das man von zeitgeistigen Concept Stores kennt. An der Baker Street im Jahr 1967 ist das neu.

Der Laden öffnet am 7. Dezember 1967 erstmals seine Tore. Schon zwei Tage zuvor laden John Lennon und George Harrison zu einer Launch Party, bei der zwar Paul McCartney und Ringo Starr fehlen (sie weilen in Liverpool respektive Rom), aber dafür jede Menge Berühmtheiten und Bohemiens in das psychedelische Wunderland strömen, um Kleidung, Accessoires, Bücher und Schmuck zu bestaunen – darunter David Bowie, Eric Clapton und Harrisons Frau Pattie Boyd.

Getrunken wird Apfelsaft

Auf den Einladungen steht geschrieben: „Kommt um 7:46. Modenschau um 8:16.“ Und zumindest zur Eröffnungsparty kommen sie. The Fool, die auch viele Designs für die Beatles, die Hollies oder Procol Harum realisiert haben, ziehen wie ein psychedelischer Wanderzirkus mit Instrumenten durch die Boutique, alle schlürfen Apfelsaft, weil der Store keine Schanklizenz hat. Vielleicht gibt es andere Dinge zum Konsumieren… Es ist ja immerhin 1967.

Apple Boutique

Foto: E. Milsom/Evening Standard/Hulton Archive/Getty Images

Zwei Tage später eröffnet die Boutique offiziell, gemanaged von Lennons Freund Peter Shotton und Pattie Boyds Schwester Jenny Boyd. Doch die Sache wird zum legendären finanziellen Desaster. Taschendiebstähle geraten außer Kontrolle, selbst Angestellte stecken sich reihenweise Sachen ein, so wirklich weiß niemand, womit die Kunden den Laden betreten oder wieder verlassen haben. Zur Anzeige gebracht wird kein Diebstahl: Das passt einfach nicht in den Freigeist des Konzepts.

Antikapitalistische Einzelhändler

Auch sonst läuft es schleppend: Baker Street ist einfach zu weit vom Londoner Mode-Epizentrum entfernt, die Apple Boutique fährt hohe Verluste ein. Mitte 1968 sind das schon mehr als 200.000 Britische Pfund (heute mehr als vier Millionen Euro) und die Beatles entscheiden, den Laden am 31. Juli 1968 – kein Jahr nach der Eröffnung – zu schließen. Für McCartney ist der Shop dennoch ein Erfolg. „Den größten Verlust machten wir damit, alles zu verschenken“, sagt er in einem Statement zur Schließung. „Aber das war unsere freie Entscheidung. Wir wollten verschenken, nicht verkaufen.“

Die wahren Gründe liegen natürlich auch darin, dass die Beatles keine Geschäftsleute sein wollen. Sondern Musiker, Filmemacher, Entertainer. Am Tag der Schließung öffnen die Beatles die Boutique ein letztes Mal für die Menschen, die zu Hunderten gierig in den Laden strömen, sich alles unter den Nagel reißen und Randale machen. Die Polizei muss eingreifen und beendet dieses abstruse Kapitel der Beatles-Geschichte relativ unrühmlich.

Schon im Mai 1968 hatte man die Fassade weiß übermalt und das Wort Apple kursiv darauf geschrieben – ein ähnlich drastischer Übergang wie bei den Artworks von Sgt. Pepper’s und The Beatles. 1974 wird das Gebäude abgerissen. Aber da gibt es die Beatles schon lange nicht mehr.

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Wie „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ die Musikwelt veränderte

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Popkultur

Zeitsprung: Am 7.12.1949 kommt Sänger und Songwriter Tom Waits zur Welt.

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Foto: Michael Ochs Archives/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 7.12.1949.


von Frank Thießies und Christof Leim

Am 7. Dezember 1949 erblickt der Sänger und Songwriter Tom Waits das Licht der Welt. Mit seiner knurrenden Charakterstimme und ebenso knarzigen Songs begeistert der kauzige Kalifornier seit den frühen Siebzigern. Wir gratulieren dem amerikanischen Unikat und Genre-Grenzgänger zum Geburtstag!

Hier könnt ihr euch Tom Waits’ Debütalbum Closing Time (1973) anhören:

1949 in Pomona, Kalifornien als Thomas Alan Waits und Sohn eines Lehrerehepaars geboren, verschlägt es den jungen Mann nach kurzem Liebäugeln mit einem Studio der Fotografie im Alter von zwanzig Jahren nach San Diego. Fasziniert von der dortigen Folk-Szene nimmt er in einem Kaffeehaus-Club namens Heritage einen Aushilfsjob als Türsteher an, beginnt dort aber auch an seinem eigenen Bühnenrepertoire zu feilen, welches anfänglich noch hauptsächlich aus Covermaterial und kruder Comedy besteht. Sein beachtliches Talent als Songschreiber führt ihn in Folge jedoch schnell über die limitierend kleine San-Diego-Szene hinaus und dorthin, wo es alle verlorenen Künstlerseelen hinzieht: nach Los Angeles.

Bukowski am Bar-Piano

Bei einer Open-Stage-Nacht in Doug Westons renommierten Schuppen Troubadour in West Hollywood wird Waits 1972 entdeckt und ergattert zunächst einen Job als Songwriter bei Frank Zappas Plattenfirma Bizarre Records. Nur kurze Zeit später hat er einen eigenen Plattenvertrag bei David Geffens Asylum Records in der Tasche. Waits Debüt Closing Time erregt 1973 jedoch nur wenig Aufsehen in der breiten Öffentlichkeit. Dafür erkennen (nicht nur) die Eagles die Qualität von Komposition wie Ol’ 55. Ihr Cover der Waits-Nummer auf dem Album On The Border ein Jahr darauf sichert dem jungen Künstler zumindest die finanzielle Annehmlichkeit in Form von Tantiemen-Zahlungen. In seiner späteren Karriere werden Waits’ Lieder noch oft von anderen Leuten neu aufgelegt werden; Rod Stewarts Fassung von Downtown Train etwa ist legendär.

Ist Waits‘ Debüt noch von einem Folk-Vibe beseelt, bewegen sich die Folgewerke in den Siebzigern noch stärker zwischen verrauchtem Bar-Jazz, Charles Bukowski und Beat-Poeten wie Jack Kerouac, die Waits schon länger bewundert. Sich selbst mit Schiebermütze oder Trilby, ewigem Glimmstängel und Spitzbärtchen zu einem glamourösen, versoffenem Gossen-Troubadour stilisierend, klingen Waits‘ Alben, als könnten sie die Jukebox in Edward Hoppers berühmten Gemälde Nighthawks bestücken. 

Gekappte Wurzeln

Die künstlerische und private Kehrtwende erfolgt schließlich mit dem Dekadenwechsel: Im August 1980 heiratet der Sänger Kathleen Brennan, die künftig auch in kreativer Hinsicht seine Stütze und Partnerin wird. Das 1983 veröffentliche Album Swordfishtrombones, welches er mit Brennan schreibt und produziert, stößt die Tür zu einer zuweilen herrlich unkonventionellen, so experimentellen wie kaputten Klangwelt auf, die fortan zu Waits‘ musikalischem Markenzeichen werden soll. Mit der Trennung von seinem Management und der alten Plattenfirma stehen alle Zeichen auf Neuerfindung.

Zum erweiterten Repertoire des Sängers und Geschichtenerzählers zählt bald auch die Schauspielerei. So spielt er zu Beginn der Achtziger gleich in drei Filmen von Francis Ford Coppola (Rumble Fish, Die Outsider, Cotton Club) kleine, aber höchst überzeugende (Neben-)Rollen und brilliert in Jim Jarmuschs Down By Law 1986 an der Seite Roberto Benignis. Die Nebentätigkeit als Schauspieler hält er sich bis heute warm. Unlängst war Waits in dem Anthologie-Western der Coen Brüder The Ballad Of Buster Scruggs noch in einer Paraderolle als verschrobener ergrauter Goldgräber zu bewundern. Darüber hinaus wirkt Waits seit Ende der Achtziger auch auf der Theaterbühne: Mit Regisseur Robert Wilson realisiert er Stücke wie The Black Rider oder das auf Alice im Wunderland basierende Alice.

Waits, der Eremit 

Mit Beginn der Neunziger werden die klassischen Albumveröffentlichungen von Waits  sporadischer. Mule Variations (1999), das Doppelwerk Blood Money und Alice (2002) oder Real Gone (2004) lassen jedoch nichts vom musikalischen Pioniergeist vermissen, der Waits zwischen Americana- und Roots-Musik, gehusteter Folklore und Vaudeville sowie avantgardistischer Klangkunst heimisch geworden zeigt. Seine letzte Plattenveröffentlichung (Stand 2019) namens Bad As Me datiert auf das Jahr 2011 zurück. Womit so langsam eigentlich mal wieder Nachschub fällig wäre aus dem Hause Waits/Brennan. Doch das soll von Waits‘ Ehrentag nicht abhalten. Und so darf man heute gern ein bisschen tiefer in die Sakko-Tasche greifen und eine extra große Portion Konfetti herausfischen, während man auf dem rostigen Eisenbahnschienen für Tom Waits ein staubiges „Happy Birthday“ steppt. Herzlichen Glückwunsch.

Zeitsprung: Am 14.7.2015 erlebt Nick Cave eine Tragödie & verarbeitet sie mit Musik.

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