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Popkultur

Herzschmerz, Todesfälle und der Wunsch nach Frieden: 20 Rockballaden für die Ewigkeit

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Led Zeppelin
Foto: David Redfern/Getty Images

Sie berühren, sie bewegen und sie liefern den Soundtrack für die ganz großen oder auch traurigen Momente des Lebens: Rockballaden. Diese 20 Songs finden wir besonders beeindruckend.

von Timon Menge

Hier könnt ihr euch 20 der besten Rockballaden aller Zeiten anhören:

1. The Beatles – Yesterday (1965)

Als die Beatles 1965 ihr fünftes Album Help! und die dazugehörige Single Yesterday veröffentlichen, ahnt Komponist Paul McCartney wohl noch nicht, was für einen riesigen Erfolg er mit seinem Song über eine in die Brüche gegangene Beziehung landen wird. Jeder, wirklich jeder hat dieses Stück schon einmal irgendwo gehört — entweder von den Beatles selbst oder in einer der mehr als 2.200 Coverversionen, die Yesterday zu einem der meistgecoverten Songs aller Zeiten machen.

2. The Beatles – Let It Be (1970)

Mit Let It Be legen die Beatles nur fünf Jahre später gleich noch eine Ballade für die Ewigkeit vor. Auf die Idee kommt Songschreiber Paul McCartney, weil er von seiner Mutter träumt, die starb, als er gerade einmal 14 Jahre alt war. „Es war toll, sie noch einmal zu treffen“, gibt er später in einem Interview zu Protokoll. „Ich war sehr denkbar für diesen Traum. Er hat dafür gesorgt, dass ich Let It Be geschrieben habe.“ In einem anderen Gespräch erzählt er, dass auch der Titel Gegenstand des Traums gewesen sei. So habe seine Mutter im Traum zu ihm gesagt: „It will be all right, just let it be.“

3. Marc Bolan & T. Rex – Cosmic Dancer (1971)

Wer den Film Billy Elliot — I Will Dance (2000) gesehen hat, erinnert sich vielleicht noch an das Intro des Streifens: der britische Junge Billy Elliot, der zu den Klängen von Cosmic Dancer in Zeitlupe auf seinem Bett hüpft. Doch nicht nur der Einsatz im Film macht den Song aus der Feder von Glam-Rock-Legende Marc Bolan zu einer der schönsten Balladen aller Zeiten. Vor allem Bolans legendär fragile Stimme und der gezielte Einsatz von Streicher*innen verleihen dieser Rockballade etwas ganz Besonderes.

4. John Lennon – Imagine (1971)

Dass John Lennon ein leidenschaftlicher Utopist war, ist kein Geheimnis. Das äußert sich auch in seinem größten Solo-Hit Imagine, in dem der Ex-Beatle das Bild einer Gesellschaft ohne Religion, Hass, Nationalismus, Macht und Besitz zeichnet. Stattdessen ruft er zu Frieden auf. Es gibt nur eine Sache, die an dieser Ballade unheimlich stört: dass der Text immer und immer wieder seine Gültigkeit behält.

5. Led Zeppelin – Stairway To Heaven (1971)

Der Song Stairway To Heaven von Led Zeppelin ist nichts anderes als knapp acht Minuten pure Rockgeschichte. Ob die Feinfühligkeit an den Instrumenten, Robert Plants beinahe hypnotisierende Stimme oder der wunderschöne Text: Mit diesem kleinen Epos übertreffen sich Led Zeppelin zu Beginn der Siebziger selbst — auch wenn man den Song im Gitarrenladen in Wayne’s World nicht mehr spielen darf …

6. The Rolling Stones – Angie (1973)

Kaum ein Musiker hat je schöner einer Frau hinterhergeweint als Mick Jagger in Angie von den Rolling Stones — dabei stammt der Großteil des Songs aus der Feder von Gitarrist Keith Richards. Was die Bedeutung der Nummer betrifft, scheiden sich bis heute die Geister: Geht es darin pikanterweise um David Bowies Ex-Frau Angie Bowie? Handelt das Lied von Mick Jagger und seiner Trennung von Marianne Faithfull? Ist die Angie aus dem Song gar keine real existierende Person? Da sich Richards in seinen Aussagen darüber sogar selbst widerspricht, werden wir wohl keine genaueren Infos mehr über die Ballade bekommen. Zum Glück funktioniert sie auch so.

7. Elton John – Candle In The Wind (1974)

Eine großartige Ballade ist dieser Song schon 1974, als Elton John Candle In The Wind zum ersten Mal veröffentlicht. Als Inspiration dient der viel zu frühe Tod der US-amerikanischen Schauspielerin und Sängerin Marilyn Monroe. So richtig durch die Decke geht das Lied aber erst 1997 im Kontext des plötzlichen Ablebens von Prinzessin Diana. Als John vom Unfalltod der „Königin der Herzen“ erfährt, schreibt er seinen alten Song nämlich um und erschafft damit nichts anderes als die zweiterfolgreichste Single aller Zeiten, gleich hinter White Christmas von Bing Crosby. Zurecht, wenn ihr uns fragt.

8. Nazareth – Love Hurts (1974)

Worum es in diesem Song von den Everly Brothers geht, verrät schon der Titel. Doch so richtig erfolgreich wird das Stück erst, als sich die Hardrocker Nazareth der Nummer annehmen. Den Originaltext verändert die Band nur ganz leicht, doch in musikalischer Hinsicht verleihen die Schotten dem damals fast 15 Jahre alten Song eine Power, die der Bezeichnung „Powerballade“ eine ganz neue Bedeutung gibt.

9. Pink Floyd – Wish You Were Here (1975)

Die meisten kennen Pink Floyd für ihre epischen Monumental-Alben, ihre üppigen Live-Shows und ihre minutenlangen meditativen Jams. Mitte der Siebziger legen die britischen Prog-Pioniere mit Wish You Were Here allerdings eine waschechte Ballade für die Ewigkeit vor, die auch heute noch des öfteren im Radio läuft. Kein Wunder: Es handelt sich bei Wish You Were Here ohne Zweifel um einen der besten Pink-Floyd-Songs überhaupt.

10. Queen – Who Wants To Live Forever (1986)

Erinnert ihr euch noch an den Film Highlander (1986) mit Christopher Lambert in der Hauptrolle? Den Song Who Wants To Live Forever schreibt Queen-Gitarrist Brian May Mitte der Achtziger für den Soundtrack des Streifens. Berücksichtigt man die damalige gesundheitliche Situation von Queen-Sänger Freddie Mercury, bekommt der Song allerdings eine völlig andere, tragische, aber irgendwie auch britisch-relativierende Bedeutung.

11. U2 – With Or Without You (1987)

Mitte der Achtziger bereiten sich U2 mit Volldampf auf die Weltherrschaft vor. Als Vorbote auf ihr mit Abstand erfolgreichstes Album The Joshua Tree veröffentlichen die irischen Rocker am 21. März 1987 die erste Single With Or Without You. Damit schenken sie Musikfans weltweit eine melancholische Ballade, in der es um die Liebe zweier Menschen zueinander geht. In einem Interview kommentiert Sänger Bono den Song folgendermaßen: „Es gibt nichts revolutionäreres als zwei Menschen, die sich lieben. Zum einen, weil es heutzutage so unüblich ist. Zum anderen, weil es so schwierig ist.“ Schöne Worte über einen noch schöneren Song.

12. Westernhagen – Freiheit (1987)

Als Marius Müller-Westernhagen seine bekannteste Ballade Freiheit komponiert, hat der Düsseldorfer noch keine Vorstellung davon, was das Stück für ein Eigenleben entwickeln wird. So beschreibt er im Text eigentlich den Verlust von Freiheit, doch als das Stück im September 1990 in einer Live-Version als Single erscheint und Deutschland kurz danach wieder eins wird, entwickelt sich der Song zu einer Hymne der Wiedervereinigung. „Sie glauben gar nicht, für wie viele Wiedervereinigungsfeiern ich angefragt wurde, Freiheit zu singen“, erzählt Westernhagen in einem Interview mit tz.de. „Ich habe alles abgesagt. Ich habe den Song auch viele Jahre nicht auf Tourneen gesungen.“ Er freue sich aber sehr darüber, dass der Song den Menschen Kraft und Hoffnung gegeben habe.

13. Scorpions – Wind Of Change (1990)

Auch die Scorpions begleiten die Wende musikalisch, im Gegensatz zu Westernhagen allerdings vorsätzlich. Frontmann Klaus Meine thematisiert in der weltbekannten Pfeifballade Wind Of Change den politischen Umschwung der Achtziger, als spürbar war, dass sich der Kalte Krieg langsam dem Ende neigt und man auf ein wiedervereinigtes Deutschland hoffen darf. So kommt es dann ja auch und die Scorpions liefern mit ihrem größten Hit den Soundtrack dazu.

14. Eric Clapton – Tears In Heaven (1992)

Was Bluesrocklegende Eric Clapton zu Beginn der Neunziger erleiden muss, mag man sich gar nicht vorstellen: Am 30. März 1991 kommt sein vierjähriger Sohn bei einem Sturz aus dem Fenster ums Leben. Ein Horror, den man wirklich niemandem wünscht. Clapton verarbeitet den Tod seines Sohnes unter anderem in dem Song Tears In Heaven, den er gemeinsam mit Countrymusiker Will Jennings für den Soundtrack des Films Rush (1992) schreibt. Das Stück zählt bis heute zu Claptons bekanntesten Liedern.

15. Guns N’ Roses – November Rain (1992)

Nazareth hatten wir eben schon und ob ihr es glaubt oder nicht: Nazareth-Gitarrist Manny Charlton hat auch bei November Rain seine Finger im Spiel. So gibt Gunners-Gitarrist Slash in seiner Autobiografie zu Protokoll, Guns N’ Roses hätten bereits 1986 eine 18-minütige Version der Ballade eingespielt — mit Charlton an der Gitarre. Dass der Song Jahre später auf Use Your Illusion I veröffentlicht wird, verdanken wir Axl Rose, der seine Bandkollegen bequatscht. Die haben nämlich eigentlich gar keine Lust auf opulente Balladen. Gut gemacht, Axl.

16. Metallica – Nothing Else Matters (1992)

Vier Töne, ein rührender Text und eine ganz ganz große Stimme: In Nothing Else Matters verarbeitet Metallica-Frontmann James Hetfield das Leben auf Tour und das Alleinsein abseits der Familie. Wo die einen Metallica für ihr „Schwarzes Album“ den Ausverkauf vorwerfen, feiern die anderen Hits wie genau diesen. Und ganz ehrlich: Wer beim Solo dieser Rockballade keine Gänsehaut bekommt, ist ein Kühlschrank.

17. Aerosmith – Crazy (1994)

Als hätten Aerosmith zu Beginn der Neunziger nicht schon mehr als genug hochkarätige Platten abgeliefert, veröffentlichen die Rocker 1993 auch noch ihr elftes Studioalbum Get A Grip, mit dem sie ihren allerersten Nummer-eins-Erfolg in den US-amerikanischen LP-Charts feiern. Darauf enthalten: die gut fünfminütige Ballade Crazy, in der Frontmann Steven Tyler sich mit einer Inbrunst den Schmerz über eine unerwiderte Liebe von der Seele singt, dass man ihm am liebsten eine Packung Taschentücher reichen möchte.

18. Aerosmith – I Don’t Want To Miss A Thing (1998)

Was. für. ein. Song. Als Bruce Willis Ende der Neunziger in Armageddon (1998) den Planeten rettet, indem er einen gewaltig großen Meteoriten mithilfe einer Bombe in seine Einzelteile zerlegt, liefern Aerosmith den passenden Soundtrack dazu. I Don’t Want To Miss A Thing funktioniert allerdings auch abseits der Einbindung in einen Film und zählt zu den besten Rockballaden aller Zeiten.

19. Blink-182 – I Miss You (2004)

Für Herzschmerz-geplagte Teenager war 2004 ein hervorragendes Jahr. Nicht, weil der Liebeskummer zu dieser Zeit irgendwie weniger schlimm gewesen wäre, sondern weil die Pop-Punks von Blink-182 der Jugend mit ihrem Song I Miss You ein Werkzeug zur Schmerzbewältigung an die Hand gaben. Mehr jugendlicher Gefühlscocktail in nur einer Ballade ist kaum möglich.

20. Green Day – Boulevard Of Broken Dreams (2004)

Diese Ballade gehört zur Haupthandlung auf dem siebten Green-Day-Album American Idiot und erzählt aus der Perspektive des Hauptcharakters „Jesus Of Suburbia“. Gemeinsam mit dem straighten Punkrock-Song Holiday vom gleichen Album, bildet Boulevard Of Broken Dreams eine Yin-und-Yang-artige Einheit: So steht Holiday für das „Hoch“, während Boulevard Of Broken Dreams das „Tief“ symbolisiert. Green Day formulieren es in einem Making-Of-Video von MTV ein wenig anders und bezeichnen Boulevard Of Broken Dreams als den Kater nach der Party.

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Riffs für die Unendlichkeit: Die längsten Rock-Songs aller Zeiten

Popkultur

35 Jahre „Lita“: Wie Lita Ford dem Hard-Rock-Männerclub den Kampf ansagte

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Lita Ford
Foto: Al Pereira/Getty Images

1988 hat Lita Ford schon eine Weltkarriere mit den Runaways hinter sich. Ihr drittes Soloalbum wird dennoch zu ihrer Sternstunde – eine mustergültige Hard-Rock-Bibel, auf der auch Ozzy Osbourne nicht fehlen darf.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch Lita anhören:

In der zweiten Hälfte der Achtziger ist die Rockmusik von zahlreichen weiblichen Stimmen geprägt. Roxette, Bonnie Tyler, Doro, Suzi Quatro oder Vixen feiern große Erfolge im Bandkollektiv oder im Alleingang. Ganz oben mischt auch Lita Ford mit. Die hat schon eine ganze Karriere hinter sich, als sie sich Anfang der Achtziger als Solitärin der Musikwelt stellt: 1975 wird sie in Los Angeles vom flamboyanten und undurchsichtigen Manager Kim Fowley für die neu gegründeten The Runaways entdeckt. Damals ist Lita Ford 16 Jahre alt.

Punk oder Hard Rock?

Die gebürtige Engländerin macht ihrem Namen alle Ehre, schmeißt alles hin und schließt sich der Damenband an, in der auch eine gewisse Joan Jett an der Gitarre steht. Musik spielt in ihrem Leben da schon lang eine Rolle: Mit elf fängt sie mit der Gitarre an, inspiriert von ihrem großen Helden Ritchie Blackmore, entdeckt auch ihre kräftige Stimme. Von Long Beach ist es nur ein Katzensprung auf den verruchten Sunset Strip, wo es dann nicht lange dauert, bis sie dem bestens vernetzten Fowley in die Arme läuft.

The Runaways werden zur Erfolgsgeschichte. Schon ihr Debüt The Runaways wird 1976 zum Hit, die Band tourt mit Van Halen, Cheap Trick oder Tom Petty And The Heartbreakers. Sie rutschen in die entstehende Punk-Bewegung, hängen im legendären New Yorker Club CBGB ab, feiern diesseits und jenseits des Atlantiks mit den Ramones oder den Sex Pistols. Nach einigen Welttourneen und dem großen Einmaleins der Rock’n’Roll-Exzesse geht es dann auch für die Runaways zu Ende. Erst feuern sie Manager Fowley, dann kriegen sie sich auch untereinander in die Haare. Joan Jett möchte mehr in Richtung Punk gehen, Lita Ford weiterhin Hard Rock spielen. Nach einem letzten gemeinsamen Auftritt am Silvesterabend 1978 bei San Francisco ist im April 1979 endgültig Schluss.

„Du musst hart sein, um in dieser Musik zu bestehen“

Für Lita Ford geht es da aber eben gerade erst los: Ihre ersten Gehversuche als Solokünstlerin verlaufen zunächst sehr unbefriedigend: Ihr früheres Runaways-Label Mercury Records bringt 1983 ihr Debüt Out For Blood raus, das Album bleibt aber weitgehend unbemerkt und floppt. Das lupenreine Heavy-Metal-Artwork mit Spinnweben, einer blutigen Gitarre und Ford in einem knappen Lederbody zeigt aber klar ihre musikalischen Ambitionen. „Rock’n’Roll ist eine harte Musik und du musst hart sein, um in dieser Musik zu bestehen“, sagte sie mal. „Leider sind nicht allzu viele Frauen hart, deswegen gibt es nicht so viele von uns.“ Ford gibt also nicht auf, beißt sich durch, landet mit dem Nachfolger Dancin’ In The Edge einen Achtungserfolg, der ihr zudem eine Grammy-Nominierung für ihre Gesangsleistung einbringt. Für eine Musikerin, die bislang überwiegend als Gitarristin aufgefallen ist, kann sich das durchaus sehen lassen. Oder auch: Die musikalische Früherziehung macht sich so langsam richtig bezahlt.

Ihren größen Coup landet Lita Ford vor 35 Jahren: Die selbstbetitelte dritte Platte Lita wird zum Vulkan, zum Platin-Erfolg, der sie für immer in den Annalen der Rockmusik verewigt. Nach den beiden Vorgängern gelingt Ford hier eine archetypische Rockplatte der Achtziger, wie viele ähnliche Releases der damaligen Zeit sorgsam austariert zwischen Hard Rock, Glam und Heavy Metal. Knackige, kernige Uptempo-Brecher, monumentale Balladen, flotte Pop-Rock-Hymnen, getragen von ihrer starken Stimme. Lita ist archetypisch Achtziger: Die Drums von Myron Grombacher klingen als wären sie in einer Kathedrale aufgenommen, die Keyboards laufen heiß, die Gitarren sägen, die Stimmung ist durch und durch hochdramatisch.

Duett mit Ozzy Osbourne

Lita ist aber auch aus anderen Gründen ein besonderes Album: Es markiert das erste Ergebnis der neuen Zusammenarbeit zwischen Ford und ihrer neuen Managerin Sharon Osbourne. Die bringt Ford gleich mit ihrem Ehemann Ozzy zusammen. Daraus entsteht der große letzte Akt Close My Eyes Together, eine große, epische Ballade mit amüsanter Background-Story: Ford und Osbourne müssen sich vom Fleck weg so gut verstanden haben, dass sie sich gleich mal gemeinsam im Studio die Birne vollsaufen und die Lyrics zu einem von Ozzy begonnenen Song gemeinsam schreiben. Der Song entsteht ungeplant – und wird doch zum größten Solo-Erfolg für sowohl Lita Ford als auch Ozzy Osbourne.

Schon abgefahren, wie es manchmal laufen kann. „Ich flog mal aus L.A. nach England nach Hause, als mich Sharon anrief und mich nach diesem halbfertigen Song fragte“, so Ozzy mal in einem Interview. „Ich konnte mich schon gar nicht mehr daran erinnern, aber offensichtlich wollte Lita mit mir an ihm arbeiten. Also flog ich zurück, wir tranken und schrieben das Ding und ich sagte ihr: Weißt du was? Du kannst ihn haben.“ Good guy Ozzy!

Ozzy Osbourne ist übrigens nicht der einzige Prominente, der sich auf Lita einfindet: Für Falling In And Out Of Love tut sich Ford mit Nikki Sixx von Mötley Crüe zusammen. Und Can’t Catch Me wird unter anderem von Lemmy Kilmister geschrieben. Wenn Lita Ford ruft, kommen sie damals eben alle. Und auch wenn sie seit 2012 kein Album mehr veröffentlicht hat: Lita Ford hat den Rock’n’Roll noch immer nicht aufgegeben.

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Zeitsprung: Am 5.8.1975 werden The Runaways gegründet, die erste große weibliche Rockband.

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Popkultur

Zeitsprung: Am 2.2.1969 lässt sich Yoko Ono von Gatte Nr. 2 scheiden & verliert ihre Tochter.

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Foto: Keystone/Hulton Archive/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 2.2.1969.

von Victoria Schaffrath und Christof Leim

Als sich Yoko Ono am 2. Februar 1969 von ihrem zweiten Ehemann Tony Cox scheiden lässt, steht Töchterchen Kyoko zwischen den Stühlen. Der folgende Sorgerechtsstreit sorgt dafür, dass Cox samt Kind schließlich untertaucht. Da die Scheidung den Stein ins Rollen bringt, nutzen wir ihr Datum für den heutigen Zeitsprung. Religiöser Fanatismus kommt auch vor.

Hört euch hier Sometime In New York City von John Lennon und Yoko Ono an, das kurz nach der Entführung entstand: 

Obwohl Yoko Onos Privatleben gefühlt der Weltöffentlichkeit gehört, dürften sich viele fragen: zweiter Gatte? Tochter? Die größte Aufmerksamkeit gilt stets der Beziehung und Ehe mit John Lennon, vielleicht noch Sohn Sean. Dass die Japanerin mit dem Beatle jedoch bereits das dritte Mal Hochzeit feierte, fällt häufig unter den Tisch. Angetrauter Nummer zwei: Anthony „Tony“ Cox, ein Filmproduzent und Kunstförderer.

Ungewöhnliche Verhältnisse

Der Amerikaner tritt 1961 in Onos Leben, nachdem er eines ihrer Werke sieht. Begeistert macht er sie in Tokio ausfindig. Man verliebt sich, die Ehelichung erfolgt ein gutes Jahr später. Oder tut es beinahe, denn die zierliche Künstlerin hatte wohl übersehen, die Scheidung von ihrem ersten Mann zu vollziehen. Macht ja nichts, nach einer Annullierung versucht man es einfach erneut, da ist dann auch schon Nachwuchs auf dem Weg. Kyoko Chan Cox kommt am 8. August 1963 zur Welt.

Auch beruflich macht man gemeinsame Sache, sodass beide trotz auftretender Eheprobleme an der Beziehung festhalten. Cox zeigt sich dabei verantwortlich für die Tochter und die Öffentlichkeitsarbeit des Künstlerpaares. Ono inspirieren die immer häufiger auftretenden Turbulenzen zu Konzeptkunst wie Half-A-Room und dem berühmten Ceiling Painting/Yes Painting.

Wer entführt wen?

Da kommt dann auch schon John Lennon ins Spiel, und die Ehe erhält den finalen Knacks. Die Scheidung von Ono und Cox erfolgt am 2. Februar 1969, aber 1971 nehmen die Dinge einen gleichermaßen unglaublichen und tragischen Verlauf: Mitten im Sorgerechtsstreit tauchen John und Yoko auf Mallorca auf und „entführen“ das dort lebende Kind, zumindest ein paar Stunden lang. Erst erhält Ono das Sorgerecht, dann kontert Cox mit deren Drogenkonsum; Kyoko soll laut Gericht doch bei ihm leben. Als seine Ex-Frau zumindest das Besuchsrecht durchsetzen möchte, sieht Cox rot.

Gemeinsam mit der Tochter und seiner neuen Frau taucht er in Kalifornien unter, verpasst Kyoko eine neue Identität und hält es scheinbar für eine gute Idee, sich einer Sekte namens The Walk oder Church Of The Living Word anzuschließen. Deren religiöser Fanatismus geht so weit, dass sie  unter anderem für die Ermordung diverser US-Präsidenten beten . Ab März 1972  verfrachten sie die Familie  in die ländliche Isolation. Ono und Lennon lassen derweil verzweifelt nach Kyoko suchen. Ohne Erfolg.

Ohne jede Spur

Nach einigen Jahren schnappt sich Cox seine Tochter und kehrt der Glaubensgemeinschaft den Rücken; Kontakt zu den Lennons sucht er keinen. Nach Johns Ermordung 1980 schicken er und Kyoko immerhin eine Beileidsbekundung an die Witwe. Erst 1986 gibt es wieder ein Lebenszeichen von Cox, dann gleich in Form einer Dokumentation: In Vain Glory erzählt er von seinen Erfahrungen im Schoße der Sekte. Ono sieht ihre Chance und verfasst einen öffentlichen Brief:

„Liebe Kyoko,

all diese Jahre gab es nicht einen Tag, an dem ich dich nicht vermisst habe. Du bist auf ewig in meinem Herzen. Ich werde jedoch keinen Versuch unternehmen, dich zu kontaktieren, da ich deine Privatsphäre respektiere. Ich wünsche dir nur das Beste. Falls du je mit mir in Kontakt treten möchtest, sei versichert, dass ich dich innig liebe und froh wäre, von dir zu hören. Du solltest dich jedoch nicht schuldig fühlen, wenn du dich entscheidest, es nicht zu tun. Du hast für immer meinen Respekt, meine Liebe und meine Unterstützung.

In Liebe, Mama“

Zunächst kommt nichts; erst in den Neunzigern meldet sich Kyoko bei ihrer Mutter. Seitdem pflegen die beiden regelmäßig Kontakt. So ganz scheinen sie die getrennte Zeit zwar bis heute nicht überwinden zu können, aber welche Familie ist schon perfekt?

Zeitsprung: Am 20.3.1969 heiraten John Lennon & Yoko Ono. Ein Song entsteht auch.

 

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Popkultur

Ein Schal für Freddie Mercury: Lisa Marie Presley wäre 55 Jahre alt geworden

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Lisa Marie Presley
Foto: Christopher Polk/Getty Images for Wonderwall

Am 1. Februar 2023 hätte Lisa Marie Presley ihren 55. Geburtstag gefeiert. Der Schock, dass sie das niemals tun wird, sitzt immer noch tief: Die Tochter von Elvis und Priscilla Presley starb am 25. Januar 2023 völlig überraschend.

 von Markus Brandstetter

Ein Leben im Scheinwerferlicht, das war für die einzige Tochter des King of Rock’n’Roll vorprogrammiert. Genau neun Monate nach der Hochzeit von Elvis und Priscilla wurde Lisa Marie Presley in Memphis im US-amerikanischen Bundesstaat Tennessee geboren. Sie war sechs Jahre alt, als sich ihre Eltern scheiden ließen. Sie zog mit ihrer Mutter nach Los Angeles, besuchte Elvis aber oft in Graceland.

Gute Beziehung zu Elvis

„Er war sehr beschützend, sehr fürsorglich und sehr wachsam. Ich wusste, dass ich geliebt wurde, daran bestand kein Zweifel“, erzählte sie einmal in einem Interview über ihren Vater. Lisa Marie war neun Jahre alt, als ihr Vater starb. Gemeinsam mit ihrer Großmutter Minnie Mae und ihrem Großvater Vernon Presley wurde sie zur Erbin des Elvis-Nachlasses erkoren; als die beiden 1979 und 1980 starben, wurde sie zur Alleinerbin. Als sie 25 Jahre alt war, bekam sie das Elvis Estate, damals 100 Millionen Dollar wert. Gut gewirtschaftet wurde mit dem Geld aber wohl nicht: 2018 erklärte sie vor Gericht, dass sie nur noch 14.000 Dollar habe und dies ihrem ehemaligen Businessmanager Barry Siegel zu verdanken sei.

Lisa Marie Presley zog es selbst zur Musik hin — ihr erstes Konzerterlebnis hatte sie ein Jahr nach dem Tod ihres Vaters. Da sah sie die britischen Rocklegenden Queen — und schenkte Freddie Mercury nach dem Konzert ein Accessoire ihres Vaters. „Ich erinnere mich, dass ich Freddie Mercury einen Schal meines Vaters mitbrachte und ihn ihm nach der Show schenkte. Ich liebte es. Ich liebte die Theatralik. Ich liebte Freddie. Ich fand Queen großartig“, erzählte sie einmal. Das erste Mal selbst in Erscheinung trat sie erst 1997 — mit einem virtuellen Duett mit ihrem Vater. Elvis hatte vor seinem Tod einige Aufnahmen und Gesangsspuren hinterlassen — aus einem wurde das Duett Don’t Cry Daddy.

„Ihre eigene Rock-Queen“: Presleys erstes Soloalbum

2003 veröffentlichte Lisa Marie Presley ihr erstes Soloalbum — und alle Augen waren natürlich auf sie gerichtet. Auf To Whom It May Concern arbeitete sie mit bekannten Songwritern und Produzenten (unter anderem Glen Ballard) zusammen. Die Lyrics stammen alle von ihr (mit Ausnahme des Stücks The Road Between, das sie gemeinsam mit Gus Black verfasste), bei der Musik war sie an allen Songs als Co-Autorin beteiligt. „Presleys überraschend kraftvolle Stimme schwingt von einem tiefen Ton bis zu einem bluesgetränkten Heulen und übertrumpft die glänzende Produktion von Eric Rosse und Andrew Slater“, schrieb der US-amerikanische Rolling Stone damals. Die Kritiken waren wohlwollend: „Nichtsdestotrotz zeigt To Whom It May Concern eine Menge Herzenswärme. Wenn sie das hier gezeigte Potenzial ausschöpft, hat die Tochter des King of Rock die Chance, ihre eigene Rock-Queen zu werden.“ Noch überzeugter zeigte sich der Kritiker Robert Hilburn, der die Kompromisslosigkeit des Albums lobte und attestierte: „Presleys mutige, bluesige Stimme hat ein unverwechselbares Flair.“ Das Album schaffte es auf Nummer 5 der US-amerikanischen Billboard Charts und wurde mit Gold ausgezeichnet.

2005 legte Presley mit dem Album Now What nach — mit eher durchwachsenen Kritiken. Wie auch der Vorgänger war die Platte eher im Pop-Rock angesiedelt. Ihr wohl bestes Werk war ihr letztes: Auf Storm & Grace widmete sich Presley Country, Folk und Blues (das alles immer noch mit jeder Menge Pop-Appeal), arbeitete dafür mit dem renommierten Musiker und Produzenten T Bone Burnett zusammen.

Nicht wegen Musik im Scheinwerferlicht

Allerdings war Lisa Marie Presley mehr wegen ihres Privatlebens als ihres musikalischen Schaffens im Rampenlicht. Klar, wenn die Tochter des King of Rock’n’Roll den King of Pop — wir sprechen hier natürlich von Michael Jackson — heiratet, ist das schon spektakulär. Die Ehe — es war nicht ihre erste – hielt zwei Jahre. Insgesamt war Presley viermal verheiratet, mit Danny Keough (sie hatte ihn bei Scientology kennengelernt) hatte sie zwei Kinder. Sechs Jahre nach der Ehe mit Jackson heiratete sie den Hollywood-Schauspieler Nicholas Cage, die Ehe ging nach drei Monaten in die Brüche. Von 2006 bis 2008 war sie mit dem Musiker Michael Lockwood verheiratet, mit dem sie 2021 Zwillingstöchter bekam. Den größten Schicksalsschlag ihres Lebens erlitt Lisa Marie Presley im Juli 2020, als ihr Sohn Benjamin Keough sich das Leben nahm.

Kurz vor ihrem Tod zeigte sich Lisa Marie Presley noch gemeinsam mit Mutter Priscilla auf dem roten Teppich der Premiere des Elvis-Biopics. Kurz danach kam die Meldung, sie habe einen Herzstillstand erlitten und befinde sich im Krankenhaus. Wenig später kam die traurige Gewissheit, dass Lisa Marie Presley im Alter von nur 54 Jahren verstorben war. Über ihren Gesundheitszustand, ihre letzten Monate und zuletzt auch ihr Testament wird immer noch viel spekuliert und berichtet, dies soll an dieser Stelle ausgespart werden. Über ihre eigenen Kämpfe berichtete sie im Laufe der Jahre selbst immer wieder — erzählte von Süchten, zerbrochenen Ehen und ihrer Einsamkeit als Teenager.

Lisa Marie Presley wurde in Graceland beigesetzt — neben ihrem Vater Elvis und ihrem Sohn Benjamin.

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Axl Rose: „November Rain“-Soloauftritt bei Lisa Marie Presleys Trauerfeier

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