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Popkultur

10 Songs von Patti Smith, die du kennen solltest

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Patti Smith
Foto: Roberto Ricciuti/Redferns/Getty Images

Godmother of Punk wider Willen: Als Patti Smith in den Siebzigern in New York Bekanntheit erlangt, möchte sie eigentlich vor allem Eins sein: Lyrikerin. Doch irgendwie rutscht sie in die Musik, gründet eine Band und schreibt mit ihrer atemlos-rotzigen Interpretation der Punk- und New-Wave-Bewegung mal eben so Musikgeschichte. Zu ihrem Geburtstag am 30. Dezember nehmen wir 10 Songs von Patti Smith unter die Lupe, von denen ihr gehört haben solltet.

von Sina Buchwitz

Patti Smith kommt am 30. Dezember 1946 als Patricia Lee Smith in Chicago auf die Welt. Als junge Frau zieht sie nach New York und arbeitet in einem Buchladen. Später lernt sie den Keyboarder Allen Lanier von Blue Öyster Cult kennen und verliebt sich in ihn. Für seine Band schreibt sie verschiedene Songtexte, bis sie sich 1974 endlich von Kumpel Tom Verlaine dazu überreden lässt, selbst ins Studio zu gehen. Der Rest ist Geschichte. Hier kommen 10 Songs von Patti Smith.

1. Gloria: In Excelsis Deo (1975)

„Jesus died for somebody’s sins, but not mine.“ Gleich mit der ersten Zeile ihres ersten Songs von ihrem ersten Album meißelt Smith ihren Stand in die Rockgeschichte. Unangepasst, wild und düster klingt ihre Version von Van Morrisons Gloria. Die simple drei-akkordige Instrumentation unterstützt Pattis Performance zwar und feuert sie mit Tempowechseln an, glänzt aber erst durch ebendiese In-Your-Face-Mentalität ihrer Sängerin.

2. Redondo Beach (1975)

Auf rotzig folgt sanft: Die Reggae-Klänge, die sich an Gloria anschließen, lassen Pattis Vielfältigkeit erahnen, die sie in den kommenden Jahrzehnten immer wieder unter Beweis stellen wird. Die Lyrics sind einem Gedicht entnommen, das Patti bereits 1972 geschrieben hatte und sie stehen im harschen Gegensatz zum leichtfüßigen Ton des Songs: Sie erzählen von einer jungen Frau, die sich (scheinbar) nach einem Streit mit ihrer Freundin das Leben nimmt. Die Annahme, dass es in Redondo Beach um eine lesbische Liebe handelt, unterstützt Smith in ihren Live-Performances: „Redondo Beach ist ein Strand, an dem Frauen andere Frauen lieben“, kündigt sie den Song immer wieder an.

3. Free Money (1975)

Free Money ist Patti Smith durch und durch: Schwurbelige Lyrics, die sich in unzählige Richtung interpretieren lassen, treffen auf Smiths punkige Stimme, Tempowechsel und anschwellenden Sound. Vom Piano zu den Drums und dann zur Gitarre: Free Money klingt wie ein rockiger Ritt durch einen Fiebertraum, der nur von Patti Smith stammen kann.

4. Ask The Angels (1976)

Als nur elf Monate nach dem Debütalbum Horses Smiths zweites Album Radio Ethiopia erscheint, klingt dieses dank des Aerosmith-Produzenten Jack Douglas deutlich komprimierter – doch nicht minder forsch. Für ausschweifende Lyrik ist weniger Zeit, aber Patti Smiths Persönlichkeit überstrahlt die Platte wie eh und je. Auf Titeln wie Ask The Angels glänzt außerdem Ivan Králs knackiges Gitarrenspiel.

5. Because The Night (1978)

Zugegeben: Eigentlich müsste Because The Night nicht auf dieser Liste stehen, denn dieses Lied kennt jeder. Dennoch wollen wir Pattis größten Hit nicht außer Acht lassen, wo doch insbesondere seine Entstehungsgeschichte so schön ist: Die Künstlerin arbeitet gerade im Studio an ihrem dritten Album Easter, als ein nicht ganz unbekannter Kollege nebenan ins Mikro trällert – Bruce Springsteen nimmt zeitgleich sein Album Darkness On The Edge Of Town auf.

Springsteen hat Schwierigkeiten mit Because The Night, der später zu Smiths bekanntester Nummer werden soll. Jimmy Iovine schlägt dem Boss kurzerhand vor, den Song an Patti abzugeben. „Wenn sie was draus machen kann, kann sie ihn haben“, soll er geantwortet haben. Und sie kann.

6. Dancing Barefoot (1979)

Nur einer Lyrikerin wie Patti Smith gelingt es, ein Liebeslied gleichzeitig lässig und tief mystisch klingen zu lassen. Wobei – Todd Rundgren müssen wir hier auch etwas Lob einräumen, denn der hat die Nummer produziert. Etwas gediegener als zuvor rockt sich Patti durch ein Potpourri der Gefühle: Verwirrung, Kontrollverlust und das berauschende Gefühl des Sich-Verliebens wechseln sich in den Lyrics ab. 2004 ernennt das Rolling Stone Magazin das Lied zu einem der „500 Greatest Songs of All Time“. Die magische Wirkung von Dancing Barefoot gefällt auch Kollegen wie U2, Simple Minds und Pearl Jam, die den Titel im Laufe der Jahrzehnte covern.

7. Frederick (1979)

Ebenso wie Dancing Barefoot erscheint auch der klischeebefreite Lovesong Frederick auf Pattis viertem Album Wave. In dem ungewohnt poppigen Titel besingt die Künstlerin ihren späteren Ehemann Frederick Fred „Sonic“ Smith, seines Zeichens Gitarrist bei MC5. Die Melodie des Songs ist an ein Live-Arrangement von Springsteens Prove It All Night angelehnt.

8. People Have The Power (1988)

Ein Song, bei dem die Message mindestens genau so kraftvoll ist wie die Drums: Mit People Have The Power schafft Patti Smith 1988 einen Titel, der heutzutage noch genauso gültig ist wie zu seiner Entstehungszeit. 2020 erhält das Stück neue Aufmerksamkeit, als Patti Smith Größen wie R.E.M-Sänger Michael Stipe, Skateboard-Held Tony Hawk und Cyndi Lauper um sich schart. Gemeinsam halten sie die Menschen in einem Video dazu an, für eine bessere Zukunft im November an den Wahlen teilzunehmen.

9. Paths That Cross (1988)

Wie viele Patti-Smith-Songs lässt sich auch Paths That Cross auf viele Lebenslagen beziehen. So scheint der Titel in einem Moment noch über eine verflossene Beziehung zu erzählen, während er im nächsten eher wie ein hoffnungsvoller Neuanfang klingt. Wo andere Punk-Performer*innen der ersten Stunde Ende der Achtziger sang- und klanglos untergehen, nutzt Smith die Zeit, um nach neun Jahren Pause ein neues Album aufzunehmen.

In Zusammenarbeit mit Ehemann Fred entsteht Dream Of Life, ein Album, das seine Künstlerin zwar reifer, aber kein bisschen ausgebrannt klingen lässt. Paths That Cross untermalt genau diese gelungene Mischung aus neu gewonnener Wärme und altbekannten lyrischen Purzelbäumen.

10. Smells Like Teen Spirit (2007)

2007 bringt Patti Smith ein Cover-Album heraus, auf dem auch der Nirvana-Klassiker Smells Like Teen Spirit zu hören ist. In typischer Patti-Manier nimmt die Künstlerin den Titel sorgsam auseinander, um etwas völlig Eigenes daraus zu machen. Die folkige Akustikversion kann man lieben oder hassen – aber gehört haben sollte man sie in jedem Fall.

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Die 10 besten Protestsongs der Musikgeschichte

Popkultur

Interview mit In Flames: „Sobald man ein paar Alben veröffentlicht hat, ist plötzlich alles voller Regeln“

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In Flames

Mit Foregone liefern In Flames das Album, auf das alle seit Reroute To Remain gewartet haben: Ein großes Melodic-Death-Metal-Album, das mehr als nur ein bisschen auf die legendären Neunziger schielt. Warum das nichts mit Nostalgie zu tun hat, wie die Schweden Fortschritt dosieren und was er gern an seinem 50. Geburtstag machen würde, verrät uns Sänger und Kappenträger Anders Fridén im Interview.

von Björn Springorum

Ihr habt schon vor Veröffentlichung des neuen Albums eine lange Europatournee gespielt. Was man so gehört hat, kam die ja wahnsinnig gut an. Wie war es, wieder unterwegs zu sein?

Ich weiß nicht, was, aber wir scheinen gerade irgendwas richtig zu machen. (lacht) Der Band geht es sehr gut und wir alle haben es genossen, endlich mal wieder eine richtige Tour zu spielen. Es war viel zu lang her.

Die Stimmung in In Flames ist derzeit also bestens?

Unsere Band verteilt sich ja mittlerweile auf Schweden und die USA, also waren wir wegen der Pandemie ewig nicht zusammen im selben Raum. Das war nicht einfach, hat unserer Beziehung aber gut getan. Wir konnten alle mal einen Schritt zurücktreten und in aller Ruhe betrachten, was wir uns da eigentlich aufgebaut haben. Als Band machst du ja nie Pause, du machst einfach immer so weiter, bis du ein wenig aus den Augen verlierst, was für ein gewaltiges Privileg das alles ist. Alle sind jetzt wieder so dermaßen hungrig auf die Band, alle ziehen an einem Strang. Außerdem sind alle in absoluter Topform. So eine hohe Qualität hatten wir bei In Flames noch nie.

Wie hast du die Pandemie überstanden?

Habe ich das? (lacht) Ja, wahrscheinlich schon. Es ging. Ich fühlte mich merkwürdig ruhig, als alles losging. Erstmals in meinem Leben gab es da ein Ereignis, das alle auf der Welt im gleichen Maße betraf. Ich fühlte mich allen anderen Menschen verbunden, so etwas hatte ich noch nie erlebt. Das änderte sich dann auch bei mir irgendwann in Richtung Frustration, aber zumindest die erste Phase war durchaus inspirierend.

„Ich weiß, dass wir die Hoffnung nie verlieren sollten“

Deine Texte waren ja immer sehr introspektiv und persönlich. Hat die Pandemie sie universaler gemacht?

Die Texte sind persönlich wie immer, richtig. Aber wenn ich so darüber nachdenke, dann sind sie tatsächlich mehr nach außen gerichtet. Ich beobachte mein Umfeld mehr.

Foregone sprüht nicht gerade vor Optimismus und Zuversicht. Wo findest du noch Hoffnung?

In meinem ersten Kaffee am Morgen? (grinst) Ansonsten ist es schwierig, das gebe ich zu. Ich sollte wahrscheinlich einfach aufhören, die Nachrichten zu lesen. Sicher, Hoffnung gibt es irgendwie immer, aber manchmal scheint es alles immer nur noch schlimmer zu werden. Es ist nicht einfach und sagt sich so leicht, aber ich weiß, dass wir die Hoffnung nie verlieren sollten. Für unser eigenes Seelenheil.

Foregone wurde aus Frustration und Angst geboren“

Auf der letzten Tour habt ihr die Songs der neuen Platte direkt mit sehr alten Songs gepaart. Zufall?

Ich finde, dass die neuen Songs sehr gut zu den eher älteren Sachen aus unserem Kanon passen. Irgendwas an ihnen transportiert diese Stimmung der Neunziger.

Hat das mit Nostalgie zu tun?

Ich weiß schon, dass einige der neuen Songs nach unseren ganz frühen Alben klingen, aber wir sehen das anders. Ich bin kein nostalgischer Mensch, ich schaue eigentlich nie zurück. Diese Elemente waren immer da und kommen jetzt einfach wieder ein wenig mehr zum Vorschein, denke ich. Foregone wurde aus Frustration und Angst geboren, diese beiden abgefuckten letzten Jahre sind in dieses Album geflossen.

„Man hört einem Song an, dass es ein In-Flames-Song ist“

Dann war es also keine bewusste Wurzelkunde?

Nein. Mit In Flames haben wir im Grunde nur ein Ziel: Wir wollen besser werden. Bessere Songwriter, bessere Musiker, bessere Menschen. Es ist ja nun mal so: Wir schreiben Songs, mit denen wir für immer leben müssen. Also haben wir keine andere Wahl als alles zu geben. Wer uns nicht mehr mag, kann einfach aufhören, uns zu hören, aber ich muss hinter diesen Songs stehen und sie Nacht für Nacht spielen.

Es kommt also nicht vor, dass ihr im Proberaum mal sagt: „Cooles Riff, klingt aber zu sehr nach Cloud Connected“?

Wir haben unseren Sound, von dem können und wollen wir uns auch gar nicht lösen. Manchmal klingt ein Riff also nach The Jester Race, manchmal nach Reroute To Remain. Man könnte natürlich auch sagen: Manchmal klingen In Flames nach In Flames (lacht). Wir versuchen, uns nicht zu wiederholen, aber auch unsere Gitarren haben nur diese Anzahl an Noten…

Und wie dosiert ihr dann Fortschritt?

Gute Frage. Es ist uns wichtig, uns immer weiterzuentwickeln. Aber wir wollen nie so weit gehen, dass man uns nicht mehr erkennt. Ich denke, das haben wir geschafft. Sicher gab es Änderungen und eine Menge Evolution, aber man darf nicht vergessen, dass wir mittlerweile sehr viele Jahre, sehr viele Tourneen und sehr viele Biere hinter uns haben. Doch unser Sound ist sofort erkennbar. Man hört einem Song an, dass es ein In-Flames-Song ist. Das liegt sicherlich an meiner Stimme, aber auch an der Art und Weise, wie wir Songs schreiben. Das können nur wir so.

„Jede neue Band ist voller Naivität und Aufbruchstimmung“

Wie ist Foregone entstanden?

Wir schreiben weder, wenn wir auf Tour sind, noch alleine für uns. Björn [Gelotte] und ich müssen im selben Raum sein, sonst gibt es keine Magie. Wir zehren voneinander, beflügeln uns gegenseitig. Was sich nie ändern wird: Wir schreiben Alben, keine Singles. Da werden wir für immer alte Schule bleiben.

Du wirst im März 50. Was macht das Älterwerden mit dir?

Es bringt mehr Ruhe. Privat wie musikalisch. Jede neue Band ist voller Naivität und Aufbruchstimmung. Und das ist ja auch das Schöne daran. Deswegen fand ich mein Zuhause in der Heavy-Metal-Szene: Es gab keine Regeln. Doch sobald man dann ein paar Alben veröffentlicht hat, ist plötzlich alles voller Regeln. Fremde sagen dir, was du tun darfst und was nicht und du wirst plötzlich unsicher und weißt nicht mehr, wo du stehst. Das ändert sich mit dem Älterwerden zum Glück wieder. Du wirst dein eigener Kompass und hörst auf deine innere Stimme. Ich mache das seit 1989, da bleibt schon bisschen was hängen.

Was darf man als Band nie verlieren?

Die Leidenschaft. Ich will auf die Bühne geben und das Gefühl haben, dass es auf der ganzen Welt nichts Besseres gibt. Wenn das mal nicht mehr da ist, höre ich auf. Warum sollte ich das sonst auf mich nehmen? Ich war 2022 fast pausenlos auf der ganzen Welt unterwegs…

Was wünschst du dir zum 50. Geburtstag?

Ein Urlaub auf einer einsamen Insel mit meiner Familie, weit weg von euch allen. (lacht)

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Zeitsprung: Am 3.9.2002 wagen In Flames etwas mit „Reroute To Remain“.

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Popkultur

Zeitsprung: Am 8.2.2013 verliert Axl Rose den Prozess gegen „Guitar Hero III“.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 8.2.2013.

von Christof Leim

2010 verklagte W. Axl Rose die Firma Activision, die das Computerspiel Guitar Hero III auf den Markt gebracht hatte, in dem auch Guns N’ Roses vorkommen. Der Sänger störte sich vor allem daran, dass beim Song Welcome To The Jungle Gitarrist Slash als spielbare Figur auftaucht. Nicht nur das: Sein alter Kollege ziert sogar die Verpackung. Mit seiner Beschwerde kommt Axl allerdings nicht durch…

Hört euch hier die Klassiker von Guns N’ Roses an und lest weiter:

Den Deal damals hatte Axl als Herrscher über das Guns-N’-Roses-Imperium abgesegnet. Dabei vereinbarte er mit der Firma, dass auf keinen Fall sein (damals) ungeliebter Ex-Kollege Slash zu sehen sein darf. Dass zudem einige Songs von dessen neuer Combo Velvet Revolver in der Bonussektion gespielt werden können, störte den Rotschopf ebenso. Nach Meinung von Axl habe die Firma ihn trotz entsprechender Versprechen damit schlicht hintergangen und sei vertragsbrüchig. Als Schadenersatzsumme warf seine anwaltliche Vertretung eine praktische runde Summe in den Ring: 20 Millionen Dollar.

Tauchen beide in Guitar Hero III auf: W. Axl Rose und Slash. Das geht gegen die Abmachung, fand Axl. Credit Foto rechts: Stefan Brending / via Wikimedia Commons.

Die Klage wird abgewiesen

Doch daraus wird nichts: Am 8. Februar 2013, wird die Klage mit Schwung abgewiesen. Hauptgrund: Das Spiel war schon 2007 erschienen, aber Team Axl hat sich drei Jahre Zeit mit der Klageerhebung gelassen – zu lange. Und das, obwohl der Agent des Künstlers schon viel früher eine Beschwerdemail an Activision geschrieben hatte. Rose hatte aber einen guten Grund zu warten, denn die Firma hatte ihm ein eigenes Spiel angeboten. Da wartet man doch gerne. Über die juristischen Details streiten sich in der Folge diverse Anwaltskanzleien.

Ganz schön viel Theater um Daddelei und Rockbands, könnte man meinen. Allerdings geht es um viel Geld und, vielleicht wichtiger, Außenwirkung. Immerhin ist Axl Rose damals mit einer ganz neuen Gunners-Besetzung unterwegs. Glücklicherweise hat sich das aber erledigt: Heute sind er und Slash wieder Freunde und touren höchst erfolgreich um die Welt. Ist auch besser so.

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Zeitsprung: Am 21.7.1985 spielen Guns N’ Roses auf einer Universitätsparty.

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Popkultur

Prince, Madonna und die Rolling Stones: Die besten Super-Bowl-Halbzeitshows aller Zeiten

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Prince
Foto: Jonathan Daniel/Getty Images

Ein Auftritt im Rahmen der Super-Bowl-Halbzeitshow gleicht einem popkulturellen Ritterschlag, nirgendwo ist das TV-Publikum größer. Vielen Sternchen wurde diese Ehre in den vergangenen Jahrzehnten bereits zuteil. Von U2 bis hin zu den Rolling Stones: Diese zehn Halbzeitshows finden wir besonders gelungen.

von Timon Menge

10. The Blues Brothers, ZZ Top, James Brown (1997)

Wenn der Super Bowl in einer Blues-Metropole wie New Orleans stattfindet, muss natürlich auch eine Blues-orientierte Halbzeitshow her. Mit Everybody Needs Somebody To Love und Soul Man gaben die Blues Brothers am 26. Januar 1997 zwar vor allem Soul-Klassiker zum Besten, genau wie James Brown im Anschluss; doch spätestens ZZ Top versorgten das Publikum mit reichlich Bluesrock. Eine coole Sonnenbrillen-Party zwischen zwei Halbzeiten!

9. U2 (2002)

Den Iren U2 wurde am 3. Februar 2002 eine ganz besondere Verantwortung zuteil. Die Terroranschläge von 11. September 2001 lagen noch kein halbes Jahr zurück, da sollten Bono und Co. bei der größten Unterhaltungsveranstaltung der Welt auftreten – übrigens erneut in New Orleans. Doch U2 wurden ihrem Auftrag gerecht, lieferten ein hervorragendes Set ab und gedachten auf einer riesigen Leinwand all jenen, die am 11. September ums Leben gekommen waren.

8. The Rolling Stones (2006)

Auf eine große Bombast-Show verzichteten die Rolling Stones bei ihrem Auftritt am 5. Februar 2006 in Detroit. Doch ganz ehrlich: Wenn Mick Jagger und seine jahrzehntelangen Weggefährten eine Bühne betreten, braucht es keine Schnörkel und kein Chichi. In wenigen Minuten rockten sich die Stones durch große Hits wie Start Me Up und (I Cant Get No) Satisfaction. Einen Luxus gönnten sich die Briten dann allerdings doch: eine Bühne in Form einer riesigen roten Zunge.

7. Katy Perry (2015)

Zugegeben, für hartgesottene Rocker*innen klingt der Sound von Katy Perry etwas ungewohnt. Doch mindestens zwei Dinge kann ihr keiner nehmen: hervorragende Popsongs und einen mehr als nur gelungenen Auftritt am 1. Februar 2015. In Sachen Show macht den größten Pop-Sternchen einfach niemand etwas vor, wie wir auch im weiteren Verlauf unserer Liste feststellen werden. Als Gäste durfte Perry Hip-Hop-Legende Missy Elliott und Gitarrengott Lenny Kravitz begrüßen.

6. Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, Kendrick Lamar & 50 Cent (2022)

Diese Halbzeitshow ist noch nicht lange her, setzte am 13. Februar 2022 aber völlig neue Standards. Zum ersten Mal in der Geschichte des Super Bowl durfte sich die Hip-Hop-Welt nach Herzenslust präsentieren. Das Line-up des Abends liest sich wie ein Who‘s who: Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, Kendrick Lamar … Sie alle waren dabei und setzten dem Sprechgesang ein etwa 15-minütiges Popkultur-Denkmal. Als Gaststars tauchten 50 Cent und Anderson .Paak auf.

5. Madonna (2012)

Wenn die „Queen Of Pop“ eine Halbzeitshow gestaltet, darf man einiges erwarten. Und wie so oft wurde Madonna den Erwartungen am 5. Februar 2012 vollständig gerecht. Als griechische Göttin verkleidet, ließ sie sich von ihren Spartaner-Tänzern über die Bühne tragen und manifestierte ihren Status als größte Popkünstlerin aller Zeiten. Unterstützung erhielt sie unter anderem von Cee Lo Green, Nicki Minaj, M.I.A. und LMFAO. Den Abschluss der Show markierte ein Gospelchor, mit dem Madonna Like A Prayer zum Beten … äh … zum Besten gab.

4. Lady Gaga (2017)

Als die Verantwortlichen der NFL den Vertrag mit Lady Gaga unterzeichneten, dürften ihnen durchaus ein paar Schweißperlen auf der Stirn gestanden haben. Schließlich kann man bei der exzentrischen Künstlerin nie so genau wissen, mit welchen Show-Einlagen sie ihr Publikum überrascht. (Wir erinnern uns an das Rindfleischkleid von 2010.) Bei der Super-Bowl-Halbzeitshow am 5. Februar 2017 ging die Musikerin allerdings auf Nummer sicher und legte einen unfassbaren Auftritt hin. Die Performance ihrer LGBTQ-Hymne Born This Way ließ sich Gaga trotzdem nicht nehmen.

3. Michael Jackson (1993)

Zu den Eigenheiten der Super-Bowl-Halbzeitshow zählt unter anderem der enge Zeitplan. Selten stehen für die Performance mehr als 15 Minuten zur Verfügung; meist wird jede Sekunde davon genutzt. Michael Jackson ging das Ganze im Januar 1993 ein wenig anders an. Länger als eine Minute blieb er vor seiner fulminanten Show still auf der Bühne stehen, als sei er eine Statue – und wurde dafür auch noch bejubelt. Das sagt einiges über seinen damaligen Stand des „King Of Pop“ aus.

2. Beyoncé & Destiny’s Child (2013)

Die Super-Bowl-Halbzeitshow 2013 war in jeder Hinsicht etwas Besonderes. Nicht nur, dass mit Beyoncé eine der hochkarätigsten Künstlerinnen des 21. Jahrhunderts das Programm gestaltete. Nein, es kam auch zur lange erwarteten Reunion von Destiny’s Child, denn Kelly Rowland und Michelle Williams waren ebenfalls mit von der Partie. An jenem Abend dürften Beyoncé und ihre Kolleginnen viele Frauen und Mädchen sehr glücklich gemacht haben. Im Anschluss an ihren Auftritt fiel allerdings für mehr als eine halbe Stunde der Strom aus.

1. Prince (2007)

Der Auftritt von Prince im Rahmen der 41. Super-Bowl-Halbzeitshow ist nichts anderes als eine Lehrstunde in Sachen Rockstar-Perfektion. Scheinbar mühelos fegte der gerade einmal 1,57 Meter große Musiker am 4. Februar 2007 über die Bühne in Form seines Logos. Keine Sekunde verging, ohne dass er das Publikum fest im Griff hatte. Prince und eine Blaskapelle? Oh ja. Prince spielt Purple Rain im Regen? Absolut. Ein Abend für die Geschichtsbücher!

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„California Love“: Die musikalischen Höhepunkte der Super-Bowl-Halbzeitshow

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