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Popkultur

5 Wahrheiten über Paul McCartney – Teil 1

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Für alle Insider, jahrzehntelangen Fans, Neugierigen und Einsteiger: Hier nehmen wir uns mal ein paar Minuten Zeit und präsentieren euch 5 Geschichten, Anekdoten oder Fun Facts zu einem Genre, einer Band oder einem/r Künstler/in. Einfach, weil das Leben witzigere, unglaublichere und interessantere Geschichten schreibt, als jeder Autor jemals könnte.

Wenn man bei Amazon die Stichworte “The Beatles” und “Biographie” eingibt, reihen sich die Ergebnisse auf ganzen 14 Seiten auf, etwa 160 Werke kommen da zusammen, und das sind nur die deutschen Bücher. Wenn man Paul McCartney eingibt, sind es sogar 53 Seiten voller Suchergebnisse! Ok, es sind Dopplungen darunter und auf den letzten Seiten hat sich wahrscheinlich das ein oder andere Plakat oder doch eine DVD auf den virtuellen Büchertisch geschlichen. Trotzdem: es ist eine stolze Menge an gefüllten Buchseiten, die da zusammen kommen über die Beatles und ihre Mitglieder. Dementsprechend scheint die Geschichte der Fab Four zunächst einmal auserzählt, alles wirkt hinlänglich bekannt. Jeder weiß das Wichtigste zur Supergroup, manche können das offiziell verbreitet Netz- und Archivwissen gar um eigene Anekdoten erweitern. Damals, als die Beatles auf der Reeperbahn in Hamburg u.s.w.

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Und wenn wir ehrlich sind, gibt es nur noch einen Beatle, der auch heute noch für gelegentlichen Wirbel sorgt: während John Lennon und George Harrison lange schon das Zeitliche gesegnet haben und Ringo Starr eher unter dem Radar läuft, auch wenn er noch regelmäßig Konzerte gibt, ist es Paul McCartney, der noch immer unermüdlich in Stadien spielt, wenig Berührungsängste mit der Jugend hat (Kollaborationen mit Kanye West, Rihanna und Co.), eine hochberühmte Tochter hervorbrachte und sich regelmäßig zu allem möglichen äußert, seien es die Rechte von Tieren oder jene der burmesischen Friedensnobelpreisträgerin Aung San Suu Kyi: Paul McCartney sagt gerne, was er denkt und setzt sich ein. Wir haben tief in den Archiven, Biographien, Fanblogs, “in diesem Internet” eben, gewühlt und präsentieren euch 5 Fakten, die ihr garantiert hoffentlich noch nie gehört habt über den großen Cutie der Beatles, Paul McCartney. Einer davon entstammt einer neuen Biographie über McCartney, die Paul Norman geschrieben hat. Norman konnte McCartney übrigens lange nicht ausstehen und lernte ihn erst während der Arbeit an der Biographie mögen – dafür nun umso mehr!


1. Paul war der Erste der Beatles, der sich für Avantgarde-Kunst und experimentellere Musik zu interessieren begann und steckte damit die anderen Beatles an.

Jap, man kann es sich nicht vorstellen, hat man doch John Lennon und Yoko Ono und ihre Performances vor Augen. Aber es war tatsächlich Paul “sweets” McCartney, der sich als Erster für Kunst zu interessieren begann. Biograph Philip Norman räumt das Klischee des rebellischen Lennon und des braven McCartneys aus: „Die Leute denken immer noch, McCartney sei der Taktvolle, Zuverlässige gewesen und Lennon der Rebellische, der alles kaputt schlägt […] Aber Paul war auch derjenige, der sich eine Aufführung von Luciano Berio [italienischer Komponist für experimentelle Musik] ansah oder seltsame New Yorker Kabarettbands wie The Fugs.” Norman will mit seiner Biographie auch die Vorstellung ausräumen, dass Lennon der große Kunst-Aficionado gewesen sei, der mit seiner Weggefährtin Yoko Ono am weißen Flügel sitzt und dadaistische Performancekunst betreibt, während McCartney der ewig-jugendliche, etwas brave Junge war. McCartney hat sich übrigens auch selbst schon als Maler versucht, die Versuche sind durchaus respektabel!

Im Studio soll es dann auch McCartney gewesen sein, der zum ersten Mal die Idee eines Field Recorders aufbrachte, mit dem er Umweltgeräusche aufnehmen und in die Stücke der Band einarbeiten wollte. Norman schreibt in seiner Biographie auch, McCartney habe sich schon als kleiner Junge – anders als Gleichaltrige – für Kunst interessiert. Das große Album Sgt. Peppers’ Lonely Hearts Club Band gibt einen Einblick in den Ozean der Ideen- und Experimentierfreudigkeit, auf dem McCartney und seine Bandkollegen segelten, und sich so endgültig unsterblich machten.


2. McCartney war beteiligt an der Entwicklung der Computertomographie

Okey, ganz ruhig, Paul McCartney wurde nicht der Physik-Nobelpreis vorenthalten! Die Geschichte geht so: EMI, das Label der Beatles hatte auch eine Forschungsabteilung, in der unter der Regie von Godfrey Hounsfield Computertechnologien erforscht wurden. Hounsfield war maßgeblich an der Erforschung der Röntgentomographie beteiligt, aus der in seinem Labor schließlich die Computertomographie, kurz CT, hervorging. Damit kann alles vom Knochenbruch bis zur Lymphknotenschwellung diagnostiziert werden. Und weil die Beatles so viel Geld verdienten und ihr Label reich machten wie Dagobert Duck, wollte EMI etwas Gutes tun und investierte in die Diagnostik unser aller Leberprellungen, yay! Die Computertomographie war in den 1970ern schließlich fertig entwickelt und ist heute technischer Bestandteil in jedem Krankenhaus.


3. Ohne Rivalen keine Competition? Paul McCartney fühlte sich von den Rolling Stones nie bedroht. Dafür wurde ihm jemand anderes gefährlich.

Die Musikpresse hatte sich das so gut ausgemalt: zwei britische Bands, hier die Pantyjäger und Antichristen, da die höflichen Pilzköpfe, die Anzugträger und Kirchgänger. “The Beatles want to hold your hand,” schrieb der Journalist Tom Wolfe, “but the Stones want to burn down your town.”

Diese Rivalität sei frei erfunden, betonten Beatles wie Stones immer wieder. Naja, vielleicht nicht ganz. Immerhin buhlten beide Bands gleichzeitig um die Aufmerksamkeit des britischen, amerikanischen und später globalen Publikums. Interessanterweise sind die Beatles eigentlich die Working Class Heroes aus der rauen Nachbarschaft in Liverpool, während die Stones wohlbehütet und gutsituiert in London aufwuchsen. Der Musiker, der McCartney im künstlerischsten Sinne am Engsten auf die Pelle rückte, war Brian Wilson von den Beach Boys. Beide waren Bassisten und komponierten einen Großteil der Songs für ihre Bands. McCartney war ein großer Fan des experimentellen “Pet Sounds”-Album, das als Quasi-Soloalbum von Wilson gilt, McCartney soll es jedem seiner Freunde als bestes Album ever empfohlen haben. Wilson sagte im Gegenzug, ihn habe Sgt. Pepper’s so eingeschüchtert, dass er fast aufgehört hätte, Musik zu machen. Die Rivalität scheint überwunden, gemeinsam gejammt wurde auch schon:


4. McCartney musste 1960 in ein Hamburger Gefängnis. Wieso? Darauf kommt man wirklich nicht einfach so.

Ganz am Anfang ihrer Karriere spielten die Beatles einen später berüchtigten Gig auf der Reeperbahn. Es gab aber offenbar Beschwerden über den Auftritt und die Engländer wurden mit viel Tamtam vom Hof gejagt. Man packte also etwas verdattert seine Sachen und da es im Backstageraum so dunkel war, kam McCartney auf die Idee, doch etwas für Licht zu sorgen. In Ermangelung anderer Utensilien entzündete McCartney ein Kondom. Wachtmeister Krause war sogleich zur Stelle und warf dem Beatle vorsätzliche Brandstiftung des Gebäudes vor. Alle Beatles mussten mit aufs Revier und durften einige – wahrscheinlich wenig lehrreiche – Stunden im Gefängnis verbringen. Es lebe die deutsche Willkommenskultur!


5. McCartney und der Brexit: Stimmte Paul für den Verbleib Großbritanniens in der EU oder gegen ihn?

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Hello oder Goodbye? Man(n) weiß es nicht so recht. “It’s crazy in England at the moment,” sagte McCartney 2016 in einem Interview mit “Le Parisien” aus Frankreich. “Everyone I talk to goes from one extreme to the other. I’m the same, I haven’t decided yet.” Er sei aber voll und ganz zufrieden mit der Entscheidung, die die Briten dann träfen. Ein Beatle als Mitläufer? Also wirklich, das ist aber keine lobenswerte Haltung. Paul, du bist ein Tastemaker und ein Aktivist mit Vorliebe zur Einmischung. Erhebe dich!

Am Ende hat McCartney übrigens gar nicht abgestimmt: Der Washington Post sagte er, seine Tour habe ihn daran gehindert und er konnte ganz einfach nicht zur Wahl gehen. Aber auch wenn er die Möglichkeit gehabt hätte, wäre ihm die Entscheidung sehr schwer gefallen: “But even if I had have been able to, I was so confused. You were hearing what seemed to be good arguments on both sides”, führte er weiter gegenüber der Washington Post aus.


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Popkultur

Zeitsprung: Am 22.5.2001 erscheint das erste Bon Jovi-Livealbum „One Wild Night“.

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Bon Jovi

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 22.5.2001."

von Christof Leim

Keine Frage: Bon Jovi dominieren den Hard Rock der Achtziger. Mit Slippery When Wet (1986) und New Jersey (1989) liefern sie zwei Nummer-eins-Alben hintereinander ab, daneben empfehlen sie sich als fleißige und mitreißende Liveband, die fast pausenlos durch die größten Hallen und Stadien in aller Welt tourt. Alleine die Konzertreise für Slippery dauert 15 Monate (von Juli 1986 bis Oktober 1987), danach hängen die Herren für New Jersey nochmal unfassbare 16 Monate (von Oktober 1988 bis Februar 1990) dran. Einen (offiziellen) Konzertmitschnitt dieser glorreichen Zeit sucht man allerdings vergebens.

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Hier könnt ihr in One Wild Night: Live 1985-2001 reinhören:

Klickt auf „Listen“ für das ganze Album.

Die erste „richtige“ Liveplatte erscheint nämlich erst viel später, am 22. Mai 2001. Da hat sich die Welt der Rockmusik schon weitergedreht, Grunge und Crossover sind gekommen und wieder gegangen. Bon Jovi haben mehrjährige Pausen eingelegt, Soloalben veröffentlicht und sich immer mehr zu einer erwachsenen Rockband entwickelt, die Springsteen stilistisch näher steht als Kiss und Aerosmith. Zuletzt brachten sie im Sommer 2000 das Album Crush auf den Markt, eine weitestgehend entspannte, oft balladeske Angelegenheit. Als Liveband aber lassen sie weiter nichts anbrennen und füllen immer noch die Stadien.


Für One Wild Night: Live 1985-2001 beschränken sich die Musiker nicht auf die Aufzeichnungen einer Show oder einer Tour, sondern stellen Songs aus drei Phasen ihrer Karriere zusammen: von aktuellen Konzerten im Jahr 2000 und Shows von der Mitte der Neunziger, als junge Rockhörer auf ganz andere Sounds standen, sowie von einem Gig in Tokio 1985. (Ja, die Herren sind schon früh ordentlich rumgekommen.) Aufnahmen aus den ganz großen Jahren, also von den Megatouren zu Slippery und New Jersey, fehlen sonderbarerweise.



Mit der Songauswahl decken Bon Jovi dabei alle Phasen ihrer Karriere ab; es finden sich die offensichtlichen Hits (Livin’ On A Prayer, Bad Medicine et al.), locker-flockiges Neunziger-Zeug (Something For The Pain, Something To Believe In) und damals neues Material wie Just Older oder It’s My Life. Als alte Schätzchen gibt es den ersten Hit Runaway vom 1984er-Debütalbum und In And Out Of Love vom oft (und zu Recht) vergessenen Zweitwerk 7800° Fahrenheit.



Interessant wird es bei den Coverversionen: Im südafrikanischen Johannesburg lassen Bon Jovi eine treibende Version von Neil Youngs Rocking In The Free World vom Stapel, bei I Don’t Like Mondays singt sogar Bob Geldof mit. (Für die Komplettisten: Diese Aufnahme wurde schon auf der Doppel-CD-Variante von These Days (1995) veröffentlicht; drei Mitschnitte aus Zürich gibt es ebenfalls auf der The Crush Tour-DVD. ) Bei der letzten Nummer schließlich, dem titelgebenden One Wild Night 2001 handelt es sich um einen Remix eines Tracks von Crush. Diese neue Version wird auch als Single ausgekoppelt, ebenso der alte Gassenhauer Wanted Dead Or Alive.



Alles in allem repräsentiert die Platte gut den musikalischen Stand der Gruppe zur Jahrtausendwende. Bon Jovi erweisen sich als souveräne Liveband mit guten Gesängen und einem Frontmann, der die Menge anzuspornen weiß. Natürlich klingen unsere Helden mittlerweile im Vergleich zur ungestümen Hardrockerei der Achtziger ein gutes Stück erwachsener. Was vor allem heißt: Der Chef schreit nicht mehr so viel, und die Gitarre macht weniger „Brett“. Das Album erscheint am 22. Mai 2001 und schlägt sich recht wacker in den Charts mit hohen Platzierungen in Europa (Platz 3 in Deutschland) und einem 20. Rang in den USA. Der nächste Konzertmitschnitt Inside Out lässt dann wieder bis 2012 auf sich warten, aber das ist eine andere Geschichte…

Zeitsprung: Am 28.4.1989 heiratet Jon Bon Jovi seine Jugendliebe – heimlich.

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„Hot Space“ verwandelt Queen vor 40 Jahren in eine Dance Pop-Band

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Queen
Foto: Kent Gavin/Mirrorpix/Getty Images

Vor 40 Jahren erschien Hot Space — jenes Queen-Album, das im Werk der legendären Band so richtig aus der Reihe tanzt. Betonung auf: Tanzt, denn hier regiert nicht heroischer Rock, sondern Disco. Bei vielen gilt die Platte als ungeliebter Ausreißer — wird ihr da Unrecht getan?

 von Markus Brandstetter

Hier könnt ihr Hot Space hören:

Es gab Zeiten, da betonten Queen noch extra, keinerlei Synthesizer in ihrer Musik zu verwenden. Im Juni 1981 gab’s dann aber eine ordentliche Kehrtwende in dieser Sache, denn als die Band ins Studio ging, um an ihrem neuen Longplayer zu arbeiten, wurden Synthesizer ein tragendes Element. Mehr noch: Queen vollzogen in den Augen vieler eine unverständliche Wandlung, denn plötzlich regierten Disco, Dance, R&B und Funk den Sound des britischen Quartetts. Damit nicht genug: Queen setzten sogar Drumcomputer ein — und die stets omnipräsente Leadgitarre von Brian May ordnete sich einer anderen Funktion unter.

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Roger Taylor sagt: John Deacon ist schuld

Geht es nach Schlagzeuger Roger Taylor, war es Bassist John Deacon, der die ersten musikalischen Impulse in diese Richtung setzte. „John war schon immer R&B-orientiert, unser Bassist, der Another One Bites The Dust schrieb, … was sich als die meistverkaufte Platte des Jahres herausstellte. Und ich glaube, das war der Song, der uns in diese Richtung katapultiert hat“, sagte Taylor damals — legte dann aber gleich nach, dass die Band mittlerweile der Meinung war, es etwas übertrieben zu haben. „Ich denke, wir sind zu weit gegangen und haben zu viel getan. … Jeder in der Band empfindet das jetzt so“, so Taylor.

Allerdings ist es nicht Deacon, dem im Nachhinein von der Band (minus Mercury) der schwarze Peter zugeschoben wurde — sondern Freddie Mercurys damaliger Manager Paul Prenter. Der war zwischen 1977 und 1984 für Freddies persönliche Angelegenheiten zuständig und übte in den Augen Taylors etwas zu viel Einfluss auf seinen Klienten aus. Und zwar so sehr, dass Taylor meinte, Prenter wollte Queen nach Gaybar klingen lassen. Eine Erklärung der etwas anderen Art hatte einer der Produzenten, Reinhold Mack, parat: Prenter habe Rockmusik gehasst — und habe Mercury regelrecht im Ohr gelegen.

Auch an die Aufnahmesessions an sich erinnert sich die Band nicht unbedingt gerne: Besonders die Aufnahmen in München (als zweiter Ort fungierte Montreux) zogen sich in die Länge. Die Band pflegte laut Brian May einen ungesunden Party-Lebensstil der in Orientierungslosigkeit resultierte.

Disaster und „Disco sucks“

Dass viele Fans und Kritiker*innen enttäuscht waren, ist wenig überraschend — denn Hot Space war definitiv eine Abkehr von dem, was die Band davor gemacht hatte. Der ehemalige Manager der Band, Jim Beach, sprach in der 2011 erschienenen Doku Queen: Days Of Our Lives sogar von einem regelrechten Desaster und erinnerte sich Fans, die mit „Disco sucks“-Banner zu Konzerten der Band kamen.

Das empfanden allerdings längst nicht alle so: Denn Michael Jackson verehrte das Album, bezeichnete es sogar als Inspiration für seinen Megaseller Thriller. Natürlich, bei Hot Space hat man es mit einem Ausreißer zu tun, einem Experiment einer etablierten Band, das längst nicht jeder gut fand und für viele sogar eine regelrechte Enttäuschung war. Und tatsächlich, in den nachhaltigen Queen-Kanon hat es daraus nur ein einziges Stück geschafft: das mit David Bowie in einer spontanen Session in Montreux entstandene Under Pressure, das für die Band in Großbritannien zum Nummer-eins-Hit wurde. Auch hier waren wieder Deacon und seine unglaublich eingängige Basslinie (wie schon bei Another One Bites The Dust) ausschlaggebend.

Zwei Jahre später kehrten Queen mit The Works wieder zu alter Form zurück. Hot Space geht auf alle Fälle als Experiment der Band in die Geschichte ein — als eines, das Teile der Band wohl gerne wieder rückgängig gemacht hätten, das aber auf alle Fälle ein kurzweiliges und interessantes Album ist, das dem damaligen Zeitgeist Rechnung trägt. Was Queen auch genügend Fans vorgehalten haben.

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25 Jahre „OK Computer“: Wie Radiohead den Prog neu erfinden

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Radiohead
Foto: Jim Steinfeldt/Michael Ochs Archives/GettyImages

Das Label geht von einem Flop aus, die Band setzt alles auf eine Karte: 1997 veröffentlichen Radiohead ihr drittes Album OK Computer. Die Bedenken sind unbegründet: Das Album wird zum kommerziellen Erfolg und gilt heute als eine der besten Platten aller Zeiten. Die ganze Geschichte der modernen Prog-Rhapsodie.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr Ok Computer hören:

Es ist 1997, und in Großbritannien hat man so langsam aber sicher genug von Britpop. Die anfängliche Euphorie ist verfolgen, die Aufregung rund um den Battle Of Britpop von 1995 längst vergessen, die Sperenzchen und Eskapaden der Gebrüder Gallagher öde. Sicher, Be Here Now ist ein weiterer Oasis-Megaseller, doch die britische Rockmusik sehnt sich insgeheim nach einer neuen Marschrichtung. Die kommt von Radiohead – von wem auch sonst, wie man aus heutiger Sicht treffsicher urteilen würde. Mit ihrem dritten Album OK Computer sorgen sie nicht nur für einen der ganz großen Klassiker der intelligenten Rockmusik; sie erfinden mal so eben den Prog neu und führen die Musik des Königreichs mit sicherer Hand gen neues Jahrtausend.

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Desillusioniert in den Staaten

Das war damals selbst ihnen nicht zuzutrauen. Oder doch? Schauen wir uns mal ihre bemerkenswerte Karriere bis zum Release von OK Computer an: Ihr Debüt Pablo Honey erscheint 1993, ein schroffes und kratziges Rock-Album, das mit Creep ihren ersten Megahit enthält, ansonsten aber noch in die Kategorie „ausbaufähig“ fällt. Das nehmen Radiohead sehr ernst. Die Band, die sich 1985 an einer Jungenschule im ländlichen Oxfordshire gründet, wird durch Presse, Radio und Fernsehen gereicht, eine desillusionierende USA-Tour besiegelt fast das Schicksal der Band.

The Bends, ihr zweites Album von 1995, zeigt eine merklich gereifte, angekratzte, bittere Band. Die nackte Emotion, die Verletzlichkeit und die Verzweiflung machen die Platte zu einer der definitiven Scheiben der Neunziger. Lange Touren mit R.E.M. oder Soul Asylum durch Nordamerika, Europa und Japan folgen, wieder merkt die Band, dass sie echt nicht für die Straße gemacht ist, dass Touren zermürben, aufreiben, aushöhlen. Dennoch kommt es auf der Tour zu einer folgenschweren Begegnung mit Brian Eno. Für seinen Charity-Sampler nehmen Radiohead am 4. September 1995 die Nummer Lucky auf – in fünf Stunden.

Diese spontane, impulsive, unmittelbare Arbeitsweise löst etwas aus in der Band. Das ist bitter nötig, immerhin steht sie gerade vor dem riesigen Problem, einem sehr erfolgreichen Album einen Nachfolger zu bescheren. Sie beginnen im Juli 1996 die Aufnahmen in ihrem eigenen Canned Applause Studio, treten aber trotz der anfänglichen Inspiration auf der Stelle, kommen nicht vorwärts. Da erscheint die Einladung von Alanis Morissette, mit ihr durch die Staaten zu touren, natürlich verlockend. Was die Band nicht wissen kann: Diese Tour wird OK Computer überhaupt erst möglich machen. Bei einem Konzert erhalten sie Besuch von Regisseur Baz Luhrmann, der gern einen Radiohead-Song in seinem kommenden Film Romeo und Julia haben würde.

Wo sind die Hits?

Exit Music (For A Film), Radioheads wunderschöner Beitrag zum Shakespearschen Drama, wird zur Initialzündung für die Metamorphose. Sänger Thom Yorke sagte später mal: „Das war unsere erste Aufnahme, bei der mich jede Note berauschte. Darauf konnte ich stolz sein, das konnte ich laut aufdrehen und dennoch jede Sekunde genießen.“ Der Rest geht schnell: Sie quartieren sich in St Catherine’s Court ein, einem historischen Anwesen bei Bath, breiten sich in dem elisabethanischen Haus aus und nutzen Treppenhäuser oder Korridore für die Aufnahmen. Zwischen September 1996 und März 1997 entsteht dort ein Album, das erst mal zum Schreckgespenst für ihr damaliges Label Parlophone wird. Dort erwartet man natürlich ein zweites The Bends, ein Alternative-Rock-Manifest für eine verlorene Generation oder mit anderen Worten: Singles, Hits und klingende Kassen.

Da machen Radiohead aber nicht mit. Sie entschieden sich, alles auf eine Karte zu setzen, geben die 100.000 Pfund Vorschuss ihres Labels für Equipment aus und produzieren das Album mit Unterstützung von Haus-und-Hof-Produzent Nigel Godrich selbst. Mit anderen Worten: Radiohead steigen schon jetzt aus den Mechanismen des Marktes aus und nehmen ihr Schicksal selbst in die Hand. Nach der Seelensuche von The Bends richten sie ihren Blick nach außen und schreiben eine fast schon dystopische Rhapsodie, ein Album, das viel von dem vorweg nimmt, was im neuen Jahrtausend auf die Welt zurollt: soziale Entfremdung, Isolation, Konsumismus und das aussaugende Leben in der Großstadt.

Die Wiedergeburt des Prog

Musikalisch steht der nächste Quantensprung an. Wo die meisten anderen guten Bands zwischen Pablo Honey und The Bends mindestens noch eine weitere Platte gebraucht hätten, um eine ähnliche Entwicklung hinzulegen, liegen zwischen The Bends und OK Computer mindestens zwei Alben. Mit traumwandlerischer Sicherheit bewegen sich Radiohead durch ihren mitternächtlichen Garten aus Rock, Prog, Pop und Electronica, ein fließendes, inhärent nachdenkliches, kunstfertig geschmiedetes Album. Kurz: ein Werk, dem ein Creep oder ein Fake Plastic Trees fehlt. Die Plattenfirma ist schockiert, weiß nicht, was sie mit dieser Musik anfangen soll. Sie setzt die Verkaufsprognose von mehreren Millionen auf eine halbe Million herab.

Und wird eines besseren belehrt: OK Computer, das ist schon der damaligen Presse klar, ist eine Wasserscheide. Lange Songs, komplexe Arrangements, eine Vielzahl an Instrumenten: Radiohead beleben den Prog neu. Ihnen gelingt das Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band der Neunziger, ein musikalisches und lyrisches Meisterwerk, so voller Assoziationen, doppelter Böden, Schichten und Ebenen, dass man wochenlang darin abtauchen kann. Inspiriert von Bitches Brew, dem gewagten Album von Miles Davis, Ennio Morricone, Can, Pet Sounds oder dem besten Pop-Song aller Zeiten, A Day In The Live, gelingt Radiohead eine Preziose, ein seltenes Kunstwerk.

Entstanden nach einer Periode der Instabilität und Unsicherheit, erwachsen Radiohead aus ihrem Kokon und machen einfach das, was sich in diesem Moment richtig anfühlt: Musik, und das überwiegend zusammen. 80 Prozent von OK Computer sind live entstanden. Hätte ihre Plattenfirma Recht behalten, hätten Radiohead das 21. Jahrhundert nicht mehr als Band erlebt. So bescheren sie den späten Neunzigern das wichtigste Album, revitalisieren mal so ganz nebenbei den Prog und bereiten der Rockmusik den Weg ins neue Jahrtausend.

Und dennoch ist das 1997 nur der Anfang: 2000 werden Radiohead mit Kid A vollkommen den Verstand verlieren. Im streng positiven Sinne, versteht sich.

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10 Songs, die die Rockmusik verändert haben – Teil 3

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