Popkultur

John Lennon Solo in 20 Songs

Published on

October 7, 2014

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John met Paul for the first time at a garden fete at Woolton Parish Church, Liverpool, on 6 July 1957. John’s band, The Quarrymen, named after nearby, Quarrybank School, were playing skiffle, as did just about every beat group that came along in the 1960s when they started out. From skiffle, John and Paul, joined by George, progressed to playing covers of American rock ‘n’ roll records. The rest is history.

The same week in July 1957, Little Richard’s ‘Lucille’ was in the British charts; it was the seventh record that the singer from Macon, Georgia had placed on the UK charts in just six months. The first Richard’s hits was, ‘Rip it Up’ in December 1956 and the b-side was ‘Ready Teddy’ and so when John came to record his Rock ‘n’ Roll album he covered both songs in a medley. John met Little Richard at the Star Club when the Beatles played in Hamburg, during which time they played both songs during their gigs.

Fats Domino’s ‘Ain’t That A Shame’, became the New Orleans pianist’s third hit in Britain in early 1957. These records, and the others featured on Rock ‘n’ Roll was the music that John grew up on, the music that stayed with him for the rest of his life, just like most people from his generation.

John’s first solo single was the anthemic, ‘Give Peace a Chance’ recorded in Montreal on 1 June 1969 during John and Yoko’s second bed-in for peace. Singer, Petula Clark was in Montreal at the same time playing concerts and she spoke to John on the phone one day and he invited her over to his and Yoko’s hotel, which is why she is one of the backing ‘singers’ on the record that made No. 14 on the Billboard Hot 100 and No.2 on the British singles chart. Aside from its chart success ‘Give Peace a Chance’ became the American anti-war movement’s theme song that was sung at countless rallies, as it has been ever since, all over the world. Some records are more important than just simply calling them, a ‘pop-song’.

‘Instant Karma’ was recorded on 27 January at Abbey Road and released a little over a week later in the UK, and two weeks after that in America. It was credited to Lennon/Ono with the Plastic Ono Band and has the distinction of being the first Beatles’ solo record to sell a million. With the song’s “We All Shine On” chorus, this Phil Spector produced single is another that has an anthemic quality to it, which helped propel this record to No.5 on the UK singles chart and top 3 in America.

John’s debut solo album, John Lennon/Plastic Ono Band was recorded over a month long period from the end of September 1970 at Abbey Road. ‘Working Class Hero’ is typical of many of the songs on the album in its honesty and openness. John’s lyric, “A working class hero is something to be”, rings true of his own situation, brought home by the fact he was now living at Tittenhurst Park, a Georgian Country House surrounded by 72 acres. It’s a song that has resonated with many in the intervening years having been covered by David Bowie, Roger Taylor, Elbow and Ozzy Osbourne among many others.

John was never afraid of to be outspoken; just think of the controversy when he told an interviewer that, “We’re more popular than Jesus now.” John’s words have often been misquoted and twisted, but his point was a serious one, just as it is in ‘God’ that was also included on, John Lennon/Plastic Ono Band. It’s a song that doesn’t limit itself to Jesus this time; John cited Buddha, Elvis, Dylan and Gita among the other idols he had no belief in. It’s also a song about the break up of the Beatles, and their position as ‘God’ to some people – “If there is a God, we’re all it.” More controversy followed its release, but in 1988 U2 came up with ‘God Part II’ as a kind-of sequel on their Rattle and Hum album

We all know that there is beauty in simplicity, it’s really quite simple, and there are few more beautiful songs than ‘Imagine’, the title track from John’s 1971 album. It’s been used countless times to accompany film footage of war and outrage, yet it never ceases to have the same affect – it reduces many of us to tears. ‘Jealous Guy’, also from the Imagine album has its origins in a visit to India when the Beatles visited the Maharishi at Rishikesh. In it’s original form, with different lyrics, it almost made the final cut for the Beatles’ White Album. Perhaps some people think this was a John Lennon single, and it was, but only 5 years after his death in 1980; Roxy Music, who took it to No.1 in the UK charts in 1981, also covered it.

John and Yoko moved to New York in September 1971 and the album, Some Time in New York City started to be recorded in December 1971 and was completed in the following March. The move, and the people John met in the city inspired ‘New York City’, but it was also against the backdrop of the US Government trying to deport him. “If the man wants to shove us out. We gonna jump and shout. The Statue of Liberty said, ‘come!’” was John’s response.

John and Yoko’s ‘Happy Christmas (War is Over)’ recorded with the Harlem Community Choir came out in America at Christmas time 1971 and a year later in the UK. The couple’s concerns with global issues and in particular peace are evident throughout John’s solo work and his recordings with Yoko. In this beautiful song John’s hopes for a world where social unity and change could come through personal accountability now seem so obvious to us all, but then it still had something of a revolutionary feel to it all.

John’s fourth solo album recorded at the Record Plant in New York during the summer of 1973 was released in November of the same year. ‘Mind Games’, the albums title track was originally started during the sessions for the Beatles’ Let It Be album when it was called ‘Make Love, Not War’. The lyrics that advocate love and peace also include, “Yes is the answer”, a reference to Yoko’s art that was what originally brought the couple together. ‘Out of The Blue’ is from the same album and is a reference to John and Yoko becoming a couple and she appearing as the lyric suggests. It is one of John’s most beautiful ballads.

A year after Mind Games came, Walls and Bridges and the lead single from the record is ‘Whatever Gets you Through the Night’ that has the distinction of being John’s first single to top the American Hot 100 (bizarrely it only made No.36 in the UK); it was the only single to do so during his lifetime. It features Elton John on harmony vocals and piano and during its recording Elton bet John that it would be a No.1. John agreed to appear on stage with Elton if it ever did and after it made the top of the charts he kept his promise at Madison Square Garden on 28 November 1974; it would be John Lennon’s last major concert appearance.

‘#9 Dream’ was the second single to come from Walls and Bridges and it is for many fans one of the most imaginative records that John ever recorded. Its chorus is haunting and the use of cellos gives it the feel of some of George Martin’s arrangements for the Beatles. During 1974 John produced Harry Nilsson’s Pussy Cats album and ‘The Old Dirt Road’ was co-written during this period by the two men who had been friends since London in the 1960s. At the press conference in 1968 to announce the formation of Apple Corps, John when asked to name his favourite American artist, replied, “Nilsson”. ‘The Old Dirt Road’ polarizes opinion, but it is another example, if any more were needed, that John’s innate sense of song remained key to everything he did.

Double Fantasy was the final album to be released during John’s lifetime, just three weeks before his murder. In 1981 Double Fantasy won the Grammy as, ‘Album of the Year’. The lead single for the album, ‘(Just like) Starting Over’ was released at the end of October and reached No.1 in the USA and the UK in the wake of the tragedy. Picking this as the first single from Double Fantasy was so appropriate, not least because this was John’s first release since 1975 and the Rock ‘N’ Roll album.

‘Woman’, John’s ode to Yoko, and all women, came out a month after his murder and according to John on an interview for Rolling Stone on 5 December, 3 days before he was killed, “The song reminds me of a Beatles track, but I wasn’t trying to make it sound like that. I did it as I did ‘Girl’ many years ago. So this is the grown-up version of ‘Girl.’” As a counterpoint, ‘Beautiful Boy (Darling Boy)’ is a love song to John and Yoko’s son, Sean who was born in 1975. He was one of the principal reasons John retreated from the record business so he could spend more time with his son in these formative years. When Paul McCartney appeared on the BBC’s Desert Island Discs in 1982 he decided that if he could only take one record to the mythical island then this would be it.

In 1984 Milk and Honey, John and Yoko’s projected follow-up to Double Fantasy, finally came out; Yoko was unable to resume work on it to complete it for three years in the aftermath of John’s death. ‘Nobody Told Me’, was originally intended for Ringo Starr’s 1981 Stop and Smell the Roses, album and when it was released as a single it became a hit in many countries, including a top 5 in the US and No.6 in Britain.

‘Grow Old with Me’ is one of the last songs ever written by John and was recorded as a demo while he was on holiday in Bermuda in 1980. It was inspired by a poem of Robert Browning’s entitled “Rabbi Ben Ezra” and a song by Yoko called ‘Let Me Count the Ways’ (which in turn had been inspired from a poem by Elizabeth Barrett Browning).

There is no more beautiful way to end this brief musical autobiography of John Lennon. We will never see his like again. ‘In His Own Write’, John’s book of poetry, published in 1964, somehow seems to encapsulate with its title, everything that made John what he was. He was his own man; never afraid to say or write what he felt and never one to court the establishment, wherever he was living or working.

John’s solo recordings and those with Yoko sound as fresh and as innovative today as they did when they first came out, many of them over 40 years ago. It’s time to listen once again to this wonderful music, and in so doing, you will find that more than many performers, John’s writing was autobiographical… it is what makes it so vital.

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Popkultur

Marie Fredriksson wäre 65 geworden: Die Roxette-Sängerin im Porträt

Published on

May 30, 2023

Phoebe Myers

Foto: Steve Jennings/Getty Images

Sie sind der zweitgrößte schwedische Pop-Export, gleich hinter ABBA. Mehr als 30 Millionen Platten haben Roxette im Lauf ihrer jahrzehntelangen Karriere verkauft. Eins der beiden Gesichter der Gruppe: die viel zu früh verstorbene Frontfrau Marie Fredriksson. Sie wurde nur 61 Jahre alt. Das ist ihre Geschichte.

von Timon Menge

Hier könnt ihr euch einige der größten Hits von Roxette anhören:

Zur Welt kommt Gun-Marie Fredriksson am 30. Mai 1958 in der Nähe des schwedischen 200-Seelen-Dorfes Össjö. Als sie vier Jahre alt ist, verkaufen ihre Eltern den Bauernhof der Familie und ziehen in das geringfügig größere Östra Ljungby um. Weitere drei Jahre später stirbt Maries älteste Schwester Anna-Lisa bei einem Autounfall; der Schock in der Familie sitzt tief. „Danach war ich auf mich allein gestellt“, verrät Marie in einem Interview. „Ich war erst sieben Jahre alt.“

Maries Eltern arbeiten Vollzeit, können sich aber keine Kinderbetreuung leisten, weshalb Marie und ihre Geschwister viel Zeit zuhause verbringen. Sie lernen das Notenlesen, singen und üben auf verschiedenen Instrumenten. Dabei spielt auch der Pastor in Östra Ljunby eine zentrale Rolle, der die musikinteressierten Kinder unterstützt. „Ich habe sehr schöne Erinnerungen an Östra Ljungby, sogar nachdem meine große Schwester gestorben war“, erinnert sich Fredriksson. Ihre Musikbegeisterung wird sie nicht mehr verlieren.

Marie Fredrikssons musikalische Anfänge

Als Marie älter wird, entdeckt sie die Beatles, Joni Mitchell und Jimi Hendrix, schreibt sich mit 17 an einer Musikschule ein und komponiert Musik für die Amateurtheaterstücke ihrer Freunde. Das Problem: Keiner aus dem Cast hat einen ähnlichen Stimmumfang wie die junge Musikerin, weshalb sie sich schließlich selbst auf die Bühne stellt. Mit einem Musical, das Fredriksson mitkomponiert hat, tourt die Gruppe durch Schweden — und absolviert sogar einen Auftritt vor dem damaligen Premierminister Olof Palme.

Nach ihrem Abschluss im Jahr 1977 zieht Fredriksson nach Halmstad, wo sie in die Indie-Szene eintaucht und eine Punk-Band gründet — wie man das halt Ende der Siebziger so macht. Die Gruppe heißt Strul und mit ihr feiert Fredriksson ihre erste Erfolge. So spielt sie mit dem Projekt zahlreiche Konzerte und tritt im Fernsehen auf. Zu Beginn der Achtziger ist die Luft raus: Nach einem „desaströsen“ Konzert, das auch noch im schwedischen Radio übertragen wird, lösen sich Strul auf.

Marie Fredrikssons Karriere mit Roxette

Fredrikssons nächstes Projekt heißt MaMas Barn und die Gruppe teilt sich einen Proberaum mit der erfolgreichen schwedischen Gruppe Gyllene Tider. Dort spielt auch ein Herr namens Per Gessle mit — und er soll ein wichtiger Bestandteil von Fredrikssons Leben werden. Zunächst überredet der Gitarrist Fredriksson noch zu einer Solokarriere. Doch 1986 schließen sich die beiden zusammen und gründen eine Band, die Pop-Geschichte schreiben wird: Roxette.

Ob It Must Have Been Love, Listen To Your Heart oder The Look: Im Lauf ihrer jahrzehntelangen Karriere landen Roxette großartige Hits, werden zu Dauergästen in den Charts und feiern auch in Übersee große Erfolge — und das obwohl der amerikanische Ableger der Plattenfirma von Roxette dem schwedischen Duo damals bescheinigt hatte, nicht zum US-Markt zu passen. Sieben Hit-Alben veröffentlichen Roxette von 1986 bis 2001. Doch dann schlägt das Schicksal zu.

Marie Fredrikssons viel zu früher Tod

Als Marie Fredriksson am 11. September 2002 mit ihrem Mann Mikael Bolyos joggen geht, fühlt sie sich plötzlich unwohl. Sie bricht im Badezimmer zusammen, zieht sich dabei eine Schädelfraktur zu und erleidet einen epileptischen Anfall. Nicht „nur“ das: Bei der anschließenden Untersuchung kommt raus, dass sie an einem Hirntumor leidet. Er kann in einer aufwändigen Operation entfernt werden; anstrengende Chemo- und Strahlentherapien sind die Folge. Doch Fredriksson kämpft sich ins Leben zurück.

Gemeinsam mit ihrem Mann nimmt sie neue Musik auf, als eine Art Therapie. Das daraus resultierende Album heißt The Change, erscheint am 20. Oktober 2004 und gerät zu einem vollen Erfolg. „Es waren drei schwere Jahre, aber ich bin gesund“, meldet sich Fredriksson 2005 in einem Interview zurück. Roxette liegen zunächst auf Eis. Das ändert sich im Jahr 2009: Fredriksson und Gessle gehen wieder gemeinsam auf Tour. 2011 erscheint mit Charm School das erste Roxette-Album seit zehn Jahren; drei weitere Folgen.

Im Jahr 2019 wird offensichtlich, dass Fredrikssons Krebserkrankung nicht so besiegt ist wie gedacht. Am 9. Dezember lautet die traurige Nachricht: Marie Fredriksson ist im Alter von gerade einmal 61 Jahren verstorben. Sogar der schwedische König Carl XVI. Gustaf zollt der Sängerin seinen Respekt und sagt: „Für viele Menschen in unserem Land, auch in meiner Familie, ist ihre Musik eng mit Erinnerungen an besonders wichtige Momente im Leben verbunden.“ Sorgen wir dafür, dass die Erinnerung bleibt. Ruhe in Frieden, Marie.

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Das sind die 10 ultimativen Roxette-Songs

Popkultur

Zeitsprung: Am 30.5.1980 landet Gary Moores G-Force auf dem Rockplaneten.

Published on

May 29, 2023

Christina Wenig

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 30.5.1980.

von Matthias Breusch und Christof Leim

Gary Moores Bandprojekt G-Force wird 1980 als heiße Nummer gehandelt. Aber der „Faktor Mensch“ ist unkalkulierbar. Das in Kalifornien entstandene Album erscheint am 30. Mai 1980 – und bleibt eine Zwischenlandung. Der nordirische Gitarrenhexer setzt seine Welteroberung in Europa fort.

Hier könnt ihr das Album hören:

Am Anfang steht ein großes Missverständnis. Der 27-jährige Gary Moore, seit mehr als einem Jahrzehnt furioser Gitarrist und zunehmend markanter Sänger, verlässt im Juli 1979 abrupt Thin Lizzy während der US-Tour zu die Black Rose und lässt sich in Los Angeles nieder. Dort tut er sich mit dem nur wenig älteren Engländer Glenn Hughes zusammen, der als virtuoser Bassist und Gesangsgenie seit seiner Zeit mit Deep Purple längst ganz oben angekommen ist. Beide sind begabte Songwriter, Moore hat 1978 mit Parisienne Walkways seinen ersten Meilenstein komponiert. Was soll da noch schiefgehen?

Alkohol!

Klären lassen lässt sich die Geschichte nie mehr so ganz, denn Hughes, der 1976 seinen musikalischen Zwillingsbruder und Deep-Purple-Kollegen Tommy Bolin nach dessen Drogentod zu Grabe getragen hat, sieht gesundheitlich zum Ausgang der Siebziger kaum Licht am Ende des Tunnels. Mehr noch: Es bleibt ein permanenter Filmriss, Blackout in Reinkultur. „Die Achtziger sind komplett weg“, erzählt er in späteren – nüchternen – Jahren immer wieder.

G-Force 1980 in London: Willie Dee, Gary Moore, Mark Nauseef und Tony Newton. Foto: Fin Costello/Redferns

Nichtsdestotrotz stellt Moore mit Hughes und dem nicht minder vielseitigen Schlagzeuger Mark Nauseef, mit dem er kurzzeitig bei Thin Lizzy gespielt hat, ein Trio zusammen. Diese Mannschaft bekommt noch vor den Aufnahmen seines ersten Albums das Angebot, mit den Shooting-Stars Van Halen auf große Amerika-Reise zu gehen. Die Tour findet statt, aber aus der Besetzung wird nichts. Schon nach den monatelangen Songwriting-Sessions und Proben offenbart sich: Hughes ist nicht in der Lage, eine Konzertreise durchzustehen. Nach einem Streit unter Alkoholeinfluss bricht das Gespann Moore/Hughes auseinander.

Röhren müssen glühen

Aus dem Trio wird ein Quartett. Mark Nauseef, der als umtriebiger Ex-Musikant von The Velvet Underground, der Ian Gillan Band und Ronnie James Dios Startrampe Elf über ein weit gesponnenes Netzwerk verfügt, engagiert zwei alte Bekannte: Keyboarder William Daffern alias Willie Dee unterstützt Gary bei den Vocals, den Bass bespielt Tony Newton, zuvor in Diensten von Jazz-Legende Tony Williams.

Nun weist Gary Moores mit musikalischen Perlen gespickte Laufbahn allerlei stilistische Richtungswechsel auf. Das Album G-Force ist eine frühe Blaupause dieser Kurvenstrecke, wenn auch nicht ohne Charme. Die Single Hot Gossip, wozu auch ein Clip gedreht wird (frech: Poser-Tony mit Doppel-Hals-Bass) schielt auf die Pop-Rock-Charts, You Kissed Me Sweetly hätte auch auf ein ELO-Album gepasst, und I Look At You erweist sich als echtes Fundstück für Liebhaber von Moores monumentalen langsamen Songs.

Die Nummer The Woman In Love mit Saxofon-Einlage erinnert schwer an die Fusion-Zocker The Tubes, Dancin‘ an die dünne Lizzy auf Koks, und mit White Knuckles/Rockin’ And Rollin’ lässt Meister Gary derart die Röhren in seinem Verstärker glühen, dass man nachvollziehen kann, warum die Nummer praktisch der finale Auslöser für seine mitreißende Hard-Rock-Karriere in den Achtzigern gewesen sein muss. Sie gehört für lange Zeit als festes Element in sein Live-Repertoire, was auch das Doppelalbum We Want Moore! von 1984 eindrucksvoll dokumentiert.

Schnelles Ende

Über die Veröffentlichung des Albums hinaus bleiben G-Force (zu Deutsch: Schwerkraft) lediglich als Liveband vorübergehend eine Einheit. Nach den Ready An‘ Willing-Tour 1980 im Vorprogramm von Whitesnake und den Gigs als Opener der 1981er-Van-Halen-US-Tour zieht Gary weiter: Zunächst als Partner von Greg Lake nach der Auflösung von Emerson, Lake & Palmer, ab 1982 geht dann sein Solo-Stern auf, teilweise basierend auf Ideen, die er bereits mit G-Force im Studio entwickelt hat.

Den Rest der Geschichte kennen wir. In den 1980ern avanciert er mit Nummern wie Out In The Fields, Empty Rooms, Shapes Of Things oder The Loner zum Hexenmeister der Stromgitarre, in den Neunziger zum König des „weißen Blues“. Festlegen lässt er sich jedoch nie. Auch sein experimentelles Album A Different Beat von 1999 gehört mit Songs wie Lost In Your Love in die Abteilung „Zwischenlandung“. Allerdings ohne jedes Missverständnis …

Zeitsprung: Am 26.3.1990 hat Gary Moore immer noch den Blues.

Popkultur

70 Jahre Danny Elfman: Die 10 legendärsten Stücke des Soundtrack-Hexers

Published on

May 29, 2023

Christina Wenig

Foto: Mark Von Holden/Variety via Getty Images

Danny Elfman hat die Filmmusik geprägt wie wenige andere. Vom Score der Simpsons bis zu den verhexten Meisterwerken von Tim Burton: Zum 70. Geburtstag des Komponisten hören wir noch mal seine schönsten, genialsten, gespenstischsten Momente.

von Björn Springorum

Über 100 Filme hat Großmeister Danny Elfman in seiner Karriere vertont. Bislang. Als Haus- und Hofkomponist von Tim Burton setzte er dessen gotisch-morbide Schauerwelten musikalisch ebenso perfekt in Szene wie Werke von Sam Raimi oder Gus van Zandt. Vier Oscar-Nominierungen, zwei Emmys und einen Grammy gab es schon dafür. Zu seinem 70. Geburtstag am 29. Mai 2023 lauschen wir noch mal seinen schönsten Spukmelodien und Geisterliedern.

1. The Simpsons Theme (1989)

Ja, man kennt Danny Elfman eher für dramatische Spuk-Soundtracks voller gotischer Grandezza, doch der Titelsong der berühmtesten Zeichentrickserie stammt auch von ihm. Fun fact: Das ganz zu Beginn gesungene „The Simpsooons“ haben er und seine Freunde eingesungen. Der Legende nach gab es dafür mehr Tantiemen als für das Stück an sich. Gecovert haben das Theme unter anderem Green Day und Weezer.

2. Beetlejuice Intro Theme (1988)

Schon 1988 macht Danny Elfman klar, worum es ihm in seinen Soundtracks geht: Zu Tim Burtons Gruselspaß komponiert er eine ahnungsvolle Horror-Nummer mit den typischen Piano auf Zehenspitzen, den unheilvollen Bläsern und der generellen Stimmung von Mystik, Schalk und Tod. Düster, ja, aber immer mit einem schiefen Grinsen.

3. Batman Main Theme (1989)

Nach eher schrägen Soundtracks irgendwo zwischen gotischem Horror und Fifties-Big-Band wendet sich Danny Elfman für Tim Burtons Batman der dunklen Seite der Klaviatur zu: Sein Main Theme ist ein düster wallendes, dicht orchestriertes Stück voller Streicher und einschüchternder Bläser. Bis heute ein ikonisches Stück Soundtrackgeschichte, das den Oscar verdient hätte.

4. Alice’s Theme (2010)

Tim Burtons Alice In Wonderland ist ein einziger lysergischer Sturz in den Kaninchenbau. Dazu schneidert Danny Elfman in seiner zwölften Zusammenarbeit mit Tim Burton dem Film ein musikalisches Kleid, das perfekter nicht passen könnte: Verwunschen, geheimnisvoll, nicht von dieser Welt. Höhepunkt ist Alice’s Theme, dessen Chöre und Streicher sofort Gänsehaut verursachen.

5. Spider-Man Main Title (2002)

Lange vor dem Marvel-Wahnsinn mit immer mehr verwirrenden Spin-Offs, Sequels und Prequels hat Regisseur Sam Raimi einen bis heute packenden Spider-Man-Reboot vorgelegt. Die Musik zum Film mit Toby Maguire kommt natürlich von Ramis Kumpel Danny Elfman, der seine Trademarks hier um spitze Violinen, majestätische Chöre und ein monumentales Grundgefühl erweitert.

6. Ice Dance (1990)

Das vielleicht schönste Stück von Danny Elfmans persönlichstem Soundtrack ist das elegische, fragile, wunderschöne Ice Dance. Edward mit den Scherenhänden ist ja eh ein emotionales Meisterwerk, doch gerade durch die Musik wird der Film noch mal auf eine ganz andere, ganz und gar andersweltliche Ebene gehoben.

7. This Is Halloween (1993)

Ein ganz großer Klassiker, nicht nur zu Halloween: This Is Halloween ist einer der Glanzmomente in der Musik von Nightmare Before Christmas, diesem unerreichten Stop-Motion-Meisterwerk. Irgendwo zwischen Gothic-Kabarett und nostalgischem Weihnachtsfest, aber immer mit viel Gefühl. Wie der Film eben.

8. Sleepy Hollow Main Titles (1999)

Tim Burtons Gothic-Horror-Meisterwerk Sleepy Hollow ist ein blutiges Märchen, das in Sachen Ausstattung und Stimmung für immer einen Platz in den Herzen der Cineast*innen einnehmen wird. Die verhexte, beunruhigende, spannungsgeladene Musik von Danny Elfman fasst die entlegenen Wälder Neuenglands und den kopflosen Reiter in die richtigen Töne. Mehr melodramatische Gotik als hier geht definitiv nicht.

9. After Midnight (2002)

Ja, auch an Chicago war Danny Elfman als Komponist beteiligt. Der swingende Bar-Jazz von After Midnight ist ein ziemlich großer Kontrast zu seinen anderen Werken. Und irgendwie auch nicht: Er ersetzt eben einfach mal Streicher und Chöre durch Trompeten und Jazz-Drums, doch das Ergebnis ist immer noch nicht ganz von dieser Welt.

10. Wednesday Main Titles (2022)

Wenn Tim Burton schon mal eine Serie um einen Spross der Addams Family macht, dann darf sein Freund Danny Elfman natürlich nicht fehlen. Zur erfolgreichsten Netflix-Serie aller Zeiten spendiert er Hauptcharakter Jenna Ortega ein ikonisches Hauptmotiv, das sowohl an die alten Addams-Family-Episoden erinnert als auch modernsten Horrorspuk in Töne fasst.

Bonus: Private Life (1982)

Einen gibt es noch als Bonus: Bevor Danny Elfman die Kinozuschauer*innen mit seinen Scores verzauberte und verängstigte, spielte er in einer Ska-/Wave-Band namens Oingo Boingo. Dort lebt er sich sehr experimentell aus, singt, spielt Gitarre und schreibt alle Songs. Coole Mucke, keine Frage. Wir sind dennoch nicht böse, dass Elfman dann bald die große Leinwand ins Visier genommen hat.