John Lennon Solo in 20 Songs

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John met Paul for the first time at a garden fete at Woolton Parish Church, Liverpool, on 6 July 1957. John’s band, The Quarrymen, named after nearby, Quarrybank School, were playing skiffle, as did just about every beat group that came along in the 1960s when they started out. From skiffle, John and Paul, joined by George, progressed to playing covers of American rock ‘n’ roll records. The rest is history.

The same week in July 1957, Little Richard’s ‘Lucille’ was in the British charts; it was the seventh record that the singer from Macon, Georgia had placed on the UK charts in just six months. The first Richard’s hits was, ‘Rip it Up’ in December 1956 and the b-side was ‘Ready Teddy’ and so when John came to record his Rock ‘n’ Roll album he covered both songs in a medley. John met Little Richard at the Star Club when the Beatles played in Hamburg, during which time they played both songs during their gigs.

Fats Domino’s ‘Ain’t That A Shame’, became the New Orleans pianist’s third hit in Britain in early 1957. These records, and the others featured on Rock ‘n’ Roll was the music that John grew up on, the music that stayed with him for the rest of his life, just like most people from his generation.

John’s first solo single was the anthemic, ‘Give Peace a Chance’ recorded in Montreal on 1 June 1969 during John and Yoko’s second bed-in for peace. Singer, Petula Clark was in Montreal at the same time playing concerts and she spoke to John on the phone one day and he invited her over to his and Yoko’s hotel, which is why she is one of the backing ‘singers’ on the record that made No. 14 on the Billboard Hot 100 and No.2 on the British singles chart. Aside from its chart success ‘Give Peace a Chance’ became the American anti-war movement’s theme song that was sung at countless rallies, as it has been ever since, all over the world. Some records are more important than just simply calling them, a ‘pop-song’.

Various - Instant Karma (single)
‘Instant Karma’ was recorded on 27 January at Abbey Road and released a little over a week later in the UK, and two weeks after that in America. It was credited to Lennon/Ono with the Plastic Ono Band and has the distinction of being the first Beatles’ solo record to sell a million. With the song’s “We All Shine On” chorus, this Phil Spector produced single is another that has an anthemic quality to it, which helped propel this record to No.5 on the UK singles chart and top 3 in America.

John’s debut solo album, John Lennon/Plastic Ono Band was recorded over a month long period from the end of September 1970 at Abbey Road. ‘Working Class Hero’ is typical of many of the songs on the album in its honesty and openness. John’s lyric, “A working class hero is something to be”, rings true of his own situation, brought home by the fact he was now living at Tittenhurst Park, a Georgian Country House surrounded by 72 acres. It’s a song that has resonated with many in the intervening years having been covered by David Bowie, Roger Taylor, Elbow and Ozzy Osbourne among many others.

John was never afraid of to be outspoken; just think of the controversy when he told an interviewer that, “We’re more popular than Jesus now.” John’s words have often been misquoted and twisted, but his point was a serious one, just as it is in ‘God’ that was also included on, John Lennon/Plastic Ono Band. It’s a song that doesn’t limit itself to Jesus this time; John cited Buddha, Elvis, Dylan and Gita among the other idols he had no belief in. It’s also a song about the break up of the Beatles, and their position as ‘God’ to some people – “If there is a God, we’re all it.” More controversy followed its release, but in 1988 U2 came up with ‘God Part II’ as a kind-of sequel on their Rattle and Hum album

We all know that there is beauty in simplicity, it’s really quite simple, and there are few more beautiful songs than ‘Imagine’, the title track from John’s 1971 album. It’s been used countless times to accompany film footage of war and outrage, yet it never ceases to have the same affect – it reduces many of us to tears. ‘Jealous Guy’, also from the Imagine album has its origins in a visit to India when the Beatles visited the Maharishi at Rishikesh. In it’s original form, with different lyrics, it almost made the final cut for the Beatles’ White Album. Perhaps some people think this was a John Lennon single, and it was, but only 5 years after his death in 1980; Roxy Music, who took it to No.1 in the UK charts in 1981, also covered it.

John and Yoko moved to New York in September 1971 and the album, Some Time in New York City started to be recorded in December 1971 and was completed in the following March. The move, and the people John met in the city inspired ‘New York City’, but it was also against the backdrop of the US Government trying to deport him. “If the man wants to shove us out. We gonna jump and shout. The Statue of Liberty said, ‘come!’” was John’s response.

John and Yoko’s ‘Happy Christmas (War is Over)’ recorded with the Harlem Community Choir came out in America at Christmas time 1971 and a year later in the UK. The couple’s concerns with global issues and in particular peace are evident throughout John’s solo work and his recordings with Yoko. In this beautiful song John’s hopes for a world where social unity and change could come through personal accountability now seem so obvious to us all, but then it still had something of a revolutionary feel to it all.

Mind Games
John’s fourth solo album recorded at the Record Plant in New York during the summer of 1973 was released in November of the same year. ‘Mind Games’, the albums title track was originally started during the sessions for the Beatles’ Let It Be album when it was called ‘Make Love, Not War’. The lyrics that advocate love and peace also include, “Yes is the answer”, a reference to Yoko’s art that was what originally brought the couple together. ‘Out of The Blue’ is from the same album and is a reference to John and Yoko becoming a couple and she appearing as the lyric suggests. It is one of John’s most beautiful ballads.

A year after Mind Games came, Walls and Bridges and the lead single from the record is ‘Whatever Gets you Through the Night’ that has the distinction of being John’s first single to top the American Hot 100 (bizarrely it only made No.36 in the UK); it was the only single to do so during his lifetime. It features Elton John on harmony vocals and piano and during its recording Elton bet John that it would be a No.1. John agreed to appear on stage with Elton if it ever did and after it made the top of the charts he kept his promise at Madison Square Garden on 28 November 1974; it would be John Lennon’s last major concert appearance.

‘#9 Dream’ was the second single to come from Walls and Bridges and it is for many fans one of the most imaginative records that John ever recorded. Its chorus is haunting and the use of cellos gives it the feel of some of George Martin’s arrangements for the Beatles. During 1974 John produced Harry Nilsson’s Pussy Cats album and ‘The Old Dirt Road’ was co-written during this period by the two men who had been friends since London in the 1960s. At the press conference in 1968 to announce the formation of Apple Corps, John when asked to name his favourite American artist, replied, “Nilsson”. ‘The Old Dirt Road’ polarizes opinion, but it is another example, if any more were needed, that John’s innate sense of song remained key to everything he did.

Double Fantasy was the final album to be released during John’s lifetime, just three weeks before his murder. In 1981 Double Fantasy won the Grammy as, ‘Album of the Year’. The lead single for the album, ‘(Just like) Starting Over’ was released at the end of October and reached No.1 in the USA and the UK in the wake of the tragedy. Picking this as the first single from Double Fantasy was so appropriate, not least because this was John’s first release since 1975 and the Rock ‘N’ Roll album.

‘Woman’, John’s ode to Yoko, and all women, came out a month after his murder and according to John on an interview for Rolling Stone on 5 December, 3 days before he was killed, “The song reminds me of a Beatles track, but I wasn’t trying to make it sound like that. I did it as I did ‘Girl’ many years ago. So this is the grown-up version of ‘Girl.’” As a counterpoint, ‘Beautiful Boy (Darling Boy)’ is a love song to John and Yoko’s son, Sean who was born in 1975. He was one of the principal reasons John retreated from the record business so he could spend more time with his son in these formative years. When Paul McCartney appeared on the BBC’s Desert Island Discs in 1982 he decided that if he could only take one record to the mythical island then this would be it.

In 1984 Milk and Honey, John and Yoko’s projected follow-up to Double Fantasy, finally came out; Yoko was unable to resume work on it to complete it for three years in the aftermath of John’s death. ‘Nobody Told Me’, was originally intended for Ringo Starr’s 1981 Stop and Smell the Roses, album and when it was released as a single it became a hit in many countries, including a top 5 in the US and No.6 in Britain.

Nobody told me
‘Grow Old with Me’ is one of the last songs ever written by John and was recorded as a demo while he was on holiday in Bermuda in 1980. It was inspired by a poem of Robert Browning’s entitled “Rabbi Ben Ezra” and a song by Yoko called ‘Let Me Count the Ways’ (which in turn had been inspired from a poem by Elizabeth Barrett Browning).

There is no more beautiful way to end this brief musical autobiography of John Lennon. We will never see his like again. ‘In His Own Write’, John’s book of poetry, published in 1964, somehow seems to encapsulate with its title, everything that made John what he was. He was his own man; never afraid to say or write what he felt and never one to court the establishment, wherever he was living or working.

John’s solo recordings and those with Yoko sound as fresh and as innovative today as they did when they first came out, many of them over 40 years ago. It’s time to listen once again to this wonderful music, and in so doing, you will find that more than many performers, John’s writing was autobiographical… it is what makes it so vital.

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40 Jahre „Nebraska“: Als Bruce Springsteen durch Zufall zum einsamen Cowboy wurde

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Bruce Springsteen
Foto: Bill Marino/Getty Images

Vor 40 Jahren nimmt Bruce Springsteen Demos auf, die er eigentlich mit seiner E Street Band einspielen will. Er entscheidet sich dagegen – und veröffentlicht mit Nebraska sein vielleicht bestes Album.

von Björn Springorum


Hier könnt ihr euch Nebraska von Bruce Springsteen anhören:

Die Fabeln der Arbeiterklasse und der Mythos Amerikas sind Tropen, ohne die Bruce Springsteens Kanon auseinanderfallen würde. Immer schon haben ihn die Geschichten der vermeintlich einfachen Leute mehr interessiert als alles andere. Die Folklore der Menschen, die die Vereinigten Staaten von der Ostküste westwärts erschlossen und aufgebaut haben, die Arbeiter an den Docks, den Schienen, in den Minen.

Im Oktober 1980 veröffentlicht der Boss mit The River ein vielbeachtetes Doppelalbum voller jener Themen. Ein ganzes Jahr ist er damit auf Tour, vor allem in den USA, taucht auf den langen Fahrten über die Highways erneut tief ein in den Mythos des Wilden Westens. Die Eindrücke, Begegnungen und Erfahrungen inspirieren ihn in seinem Zuhause in New Jersey zu neuer Musik. Er verwendet vor allem die akustische Gitarre, eine Mundharmonika oder ein Tambourin für die Demo-Aufnahmen, die er als Grundlage für die eigentliche Studioarbeit mit seiner E Street Band nutzen will.

Drei Akkorde für ein Halleluja

Doch der folkloristische, pure, rohe Charme der oftmals mit drei Akkorden auskommenden Stücke bringt etwas in ihm zum Schwingen. Zwar arbeitet er im April 1982 mit seiner Band an Rock-Versionen dieser Song; das Ergebnis, das sagt ihm jedoch nicht zu. Für ihn fehlt den Songs im Bandkontext der verwunschene Americana-Kontext, die Seele des Landes, aus dem er sie schöpfte. Er und sein Manager Jon Landau entscheiden, diese spärlich instrumentierten Songs vom Rest zu trennen und aus ihnen eine Springsteen-Soloplatte mit Namen Nebraska zu machen. Aus den als Electric Nebraska bekannten Sessions sollen dennoch acht Songs für den Nachfolger Born In The U.S.A. von 1984 hervorgehen. Unproduktiv ist echt anders.

Eine magische Nacht

Im Grunde ist Nebraska somit ein Album, das am 3. Januar 1982 erschaffen wird. In den Abend- und Nachtstunden nimmt Bruce Springsteen wie entfesselt 15 Demos auf. Die meisten davon landen auf Nebraska. „Ich war immer nur so lang im Studio, weil das Komponieren so viel Zeit brauchte“, so sagte Springsteen mal. „Deswegen besorgte ich mir einen kleinen Vierspurrekorder, um schon mal grobe Songs aufzunehmen, die ich dann der Band zeigen würde. Ich hatte also dieses Tape wochenlang mit mir dabei, bis ich merkte: Das ist kein Demo, das ist das Album.“

Bis heute ist Nebraska ein einnehmendes, sehnsüchtiges Fernweh-Folk-Album voller Antihelden, tragischer Geschichten und amerikanischer Weite. Es lebt vom kargen Charme und von einem Schwermut, den man in dieser Intensität noch nicht von Springsteen vernommen hat. Passt zu den Themen: Die Songs drehen sich um einfache Menschen, vom Pech verfolgt oder in die Kriminalität abgerutscht. Im Titelsong geht es um den Mörder Charles Starkweather auf dem Weg zum elektrischen Stuhl, im abschließenden Reason To Believe brechen zumindest vereinzelte Sonnenstrahlen durch die tiefhängenden Wolken über den Great Plains.

Hommage an Atlantic City

Keine Inspiration braucht er natürlich für Atlantic City, Ode und Brandbrief an die einstmalige Casino- und Strandhochburg am Atlantik. Die Stadt ist wie ein pars pro toto für den Mythos der untergegangenen USA, ein einstmals glanzvoller Boardwalk, jetzt weitgehend verlassen, heruntergekommen. Im Song singt Springsteen mit Verzweiflung in der brechenden Stimme von einem Liebespaar, das nach Atlantic City flüchtet, wo er aufgrund seiner Schulden in der organisierten Kriminalität versinkt. Es sind Songs wie dieser, von dem sich die Killers zu ihrem Akustikalbum Pressure Machine inspirieren lassen.

Nebraska ist auch 40 Jahre später ein Monument und Springsteens wahrscheinlich bestes Album. Bis Western Stars (2019) ist es das einzige Album, das nicht auf einer eigenen Tournee vorgestellt wird. Es war ihm wohl immer zu düster.

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Zeitsprung: Am 4.6.1984 erscheint „Born In The U.S.A.“ von Bruce Springsteen.

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Review: „The End, So Far“ verschafft Slipknot neun neue Leben

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Foto: Venla Shalin/Getty Images

Das verflixte siebte Studioalbum wird bei Slipknot zur Wasserscheide: Nach zuletzt eher homöopathischen Änderungen im brachialen Soundbild stellen Corey Taylor und seine Maskencrew mit The End, So Far die Weichen für die Zukunft. Ihre beste Platte ist es nicht. Aber zweifellos eine beeindruckende.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch The End, So Far anhören:

Das Ende naht. Vielleicht nicht für Slipknot als Band. Aber definitiv für die Strukturen, in denen sich die Seelenstripper aus Iowa bisher bewegten: The End, So Far ist das letzte Album der Band für ihr Label Roadrunner und trägt das Ende der 25-jährigen Partnerschaft bereits im Titel.

Den Fans dürfte das egal sein. Für Slipknot geht dennoch eine Ära zu Ende. Und anstatt ein halbgares neues Album oder gar eine Best-Of auf den Markt zu werfen, um aus dem Vertrag zu kommen, geht man richtig in die Vollen. The End, So Far ist zwar nicht das brutalste, das heftigste, das härteste Album, das Slipknot jemals gemacht haben; das muss es aber auch gar nicht sein, dafür warne schließlich Iowa und Co. Zuständig.

Synthies, Chöre, klarer Gesang

Die siebte Platte porträtiert eine Band, die älter geworden ist. Und das endlich auch selbst anerkennt. Man umkreist solangsam die 50, da muss man nicht mehr so tun, als sei man 28. Deutlich wird das sofort: Der Opener Adderall ist der vielleicht untypischste Slipknot-Song aller Zeiten: Getrieben von flirrenden Synthies, Chören und durchgehend klarem Gesang, erinnert die Nummer eher an David Bowie oder an Tool.

Slipknot achten sorgfältig und gewissenhaft auf Dynamik, auf Songreihenfolge und Stimmungsbilder. Sie sind eine Albumband, groß geworden in Zeiten, in denen man Platten noch ganz hörte. Dem werden sie auch mit The End, So Far gerecht. Mehr denn je breiten Slipknot ihre irisierenden Flügel aus, decken so viele musikalische Gefilde ab wie nie zuvor. Klar ist die Platte auch brutal, in einem Song wie H377 sogar so durchgehend, kompromisslos und nervenzerfetzend knallhart wie auf ihrem tollwütigen Exorzismus Slipknot. Überwiegend steht jedoch eine Balance zwischen abgründiger Härte und trostspendenden Momenten auf der Agenda.


Slipknot wissen längst, wie man Dynamik ausschöpft und präzise einsetzt. Die tosenden, grollenden Abriss-Monumente wirken wenn überhaupt, dann noch heftiger als auf früheren, eher durchgebolzten Werken. Melancholische, schwebende Momente wie die Alternative-Rock-Nummer De Sade zeigen zwischendrin aber eben immer wieder, dass man Dämonen und mentalen Horror auch ohne durchgehendes Metal-Inferno verhandeln kann. Hölle, bei Acidic kommen sogar Grunge-Gefühle auf!

Das Vermächtnis der Toten

Einen mehr als ordentlichen Job macht der neue Percussionist und Drummer Jay Weinberg. Er versucht gar nicht erst, in die XXL-Fußstapfen von Joey Jordison zu trommeln, füllt sein dynamisches, tightes Spiel aber dennoch mit mancher Referenz an den 2021 verstorbenen Drummer – voller Respekt und Demut. Es ist der sensible und richtige Weg, die tragische Geschichte einer Band zu verhandeln und weiterzutragen: Nach Paul Gray ist Joey Jordison schon das zweite Mitglied, das Slipknot zu Grabe tragen mussten.

Das Vermächtnis der Toten lebt auch auf The End, So Far fort. Ein Album voller Schatten, gespenstischer Melodien und gurgelnder Härte. Nicht alle Songs sind Treffer, manche verlieren sich in Post-Rock-Wolkengebilden und unpassenden Ausbrüchen. Unterm Strich bleibt aber eine knappe Stunde eindrucksvolles Flexen von einer Band, die ungebrochen vor Evolution, Kreativität und Aufbruchstimmung steht. Und endgültig keine Lust mehr hat, Konventionen zu pflegen oder Erwartungen zu erfüllen.

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Slipknot: Von Masken-Weirdos zu globalen Superstars

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30 Jahre „Küssen verboten“: Als die Prinzen zu Königen wurden

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Die Prinzen
Foto: Hulton Archive/Getty Images

Sie gründen sich noch zu DDR-Zeiten und werden gleich nach der Wende zu gesamtdeutschen Popstars: Vor 30 Jahren verkünden die Prinzen mehrstimmig: Küssen verboten! Ohrwurm in drei, zwei eins…

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch das Küssen verboten anhören:

Alles beginnt im Knabenchor. Mehr oder weniger alle späteren Mitglieder der Prinzen singen sich erst mal in ostdeutschen Chören die Seele aus dem Leib – Sebastian Krumbiegel, Wolfgang Lenk sowie Henri Schmidt etwa im weltweiten Leipziger Thomanerchor. Was man eben so macht in der DDR. Daraus entsteht eine erste Band mit dem unglücklichen Namen Die Herzbuben. Der Versuch: Mit A-capella-Stücken erfolgreich werden.

Annette Humpe greift ein. Zum Glück

Das klappt zwar ganz gut, aber das große Problem ist: Immer wieder verlieren Die Herzbuben Mitglieder, weil sie sich aus der DDR absetzen. Es dauert also noch bis nach der Wende, bevor die Geschichte endlich Fahrt aufnehmen kann. Zu verdanken ist das übrigens Annette Humpe, die mit Ideal große Erfolge feiern konnte und mit Blaue Augen einen gewaltigen Hit komponiert hatte. Sie wird auf die Band aufmerksam, erkennt das Potential und verfrachtet sie im November 1990 zu Anselm Kluge für erste Aufnahmen in dessen Studio. Ihr ist auch zu verdanken, dass man den Namen Die Herzbuben ablegt und sich auf Die Prinzen einigt. Mit den Wildeckern wollte man dann auch nicht unbedingt verwechselt werden.

Danach geht es schnell: Schon die erste Single Gabi und Klaus wird 1991 zum Erfolg, das Debüt Das Leben ist grausam kann sich mehr als eine Million Mal verkaufen und bringt sie auf Tour mit Udo Lindenberg. Danach soll natürlich schnell ein Nachfolger her. Deutschland ist nach David Hasselhoffs Niedersingen der Mauer wiedervereint und dürstet nach deutschsprachiger Popmusik, die Prinzen sind als ostdeutsche Band in den alten und neuen Bundesländern der absolute Verkaufsschlager.

Auch Olli Dittrich mischt mit

Ihr Rezept – A-capella-Gesang trifft Pop mit teils hintersinnigen, teils albernen Texten – trifft den unbeschwerten Zeitgeist, der nach all dem Drama einfach mal eine gute Zeit haben will. Nur ein Jahr nach dem Erstling sind Die Prinzen mit Küssen verboten zurück. Diesmal produziert Annette Humpe gleich das komplette Album und hilft der Band beim Texten, zusätzliche Unterstützung bei den Lyrics kommt von Comedian Olli Dittrich – so etwa der Text zu Kleines Herz.

Aufgenommen wird im Frühjahr 1992 in den Boogie Park Studios im Hamburg, am 28. September erscheint das zweite Album der Prinzen. Und wird ein ähnlich großer Erfolg: Es verkauft sich über 800.000 Mal, was damals drei Goldene Schallplatten bedeutet. Neben dem großen Erfolg der Single Küssen verboten ist es vor allem der von Sebastian Krumbiegel verfasste Song Bombe, der einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Anders als die humorigen, leichten Songs der Leipziger postieren sich Die Prinzen mit fast schon punkiger Attitüde klar gegen Rechtsextremismus.

Gegen rechte Gewalt

Gemeinsam mit Annette Humpe spielen sie Bombe live beim „Heute die! Morgen du!“-Festivals gegen rechte Gewalt in Frankfurt vor 150.000 Zuschauern. Als der Song im Februar 1993 als Single erscheint, gehen viele besorgte Eltern auf die Barrikaden. So viel Sex und Kritik ist man von den Prinzen nicht gewohnt. Dem Erfolg schadet es nicht. Im Gegenteil: Die große Tournee zu Küssen verboten wird zum Durchmarsch, zu den fast 60 Konzerten in den größten Hallen des Landes kommen über 200.000 Besucher.

In nur zwei Jahren sind Die Prinzen von einer ostdeutschen A-Capella-Seltsamkeit zu einer der größten Popbands des Landes geworden. Wieder vergeht nur ein Jahr, bis sie diese Erfolgsgeschichte mit Alles nur geklaut fortsetzen werden. Nicht übel für so ein paar Typen aus dem Knabenchor…

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Zeitsprung: Am 31.10.1965 probt die DDR-Jugend den Beat-Aufstand.

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