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Popkultur

MALCOLM YOUNG – NACHRUF AUF EINEN ROCKGIGANTEN

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Einfache Dinge können am schwersten sein. Dazu gehört auch die Rock’n’Roll-Rhythmusgitarre. Malcolm Young war ein Meister darin. Am 18. November ist der AC/DC-Gründer im Alter von 64 Jahren gestorben. Ein Nachruf auf einen Giganten des Rock von Christof Leim.


Hört hier die besten AC/DC-Songs:

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Malcolm Young stand meistens im Hintergrund, links neben dem Schlagzeug, Haare im Gesicht, mit einem rhythmischen Zucken im Bein, während vorne sein Bruder Angus in einer Schuluniform über die Bühne fegte. Doch Malcolm war das Herz von AC/DC, der Motor, von ihm stammt die Vision, die die australische Starkstrom-Brigade zur besten Rock’n’Roll-Band der Welt gemacht hat. Denn AC/DC liefern seit jeher unbeirrbar den puren, den guten Stoff: Rock mit einem ganz großen „R“ und einem unfassbaren Beat, grundehrlich, hochenergetisch und ohne jedweden Ballast. Exakt so hat Malcolm Young zeitlebens seine Gitarre gespielt. mit einem knackharten Anschlag direkt auf den Punkt. Diesen Groove kann man nicht lernen und nicht nachmachen. AC/DC nehmen die Essenz des frühen Wegbereiter wie Chuck Berry, Buddy Holly und Little Richard, hören gut zu bei Elvis und den Rolling Stones und verpassen dem Ganzen einen saftigen Energieschub. Dieses Ding ziehen AC/DC durch wie eine Dampflok , es ändern sich nur die Nuancen, nie die Grundlage.

Dabei liefern sie reihenweise Klassiker ab: Das 1980er-Epos Back In Black gehört zu meistverkauften Alben aller Zeiten, und wer Highway To Hell oder You Shook Me All Night Long nicht kennt, muss einige Dekaden unter einem Stein gelebt haben. Malcolm führt dabei die Band durch die Jahrzehnte, durch 17 Alben und über die ganze Welt. Zum aktuellen Rock Or Bust (2014) steuert er noch Ideen bei, mitspielen kann er da schon nicht mehr. Nach einer Herzoperation und Lungenkrebserkrankung muss er wegen fortschreitender Demenz in ein Pflegeheim in Sydney. Seinen Posten an der Gitarre übernimmt seitdem Stevie Young, ein Neffe der beiden Brüder. AC/DC sind und bleiben ein Familienunternehmen. Zu Malcolms Tod schreibt Angus: „Mit großer Hingabe war Malcolm die treibende Kraft hinter der Band. Als sein Bruder kann ich schwer in Worte fassen, was er für mich mein Leben lang bedeutet hat. Unsere Verbindung war einzigartig. Sein Vermächtnis wird ewig weiterleben.“ Malcolm hinterlässt seine Ehefrau O’Linda und die Kinder Ross und Cara sowie drei Enkel.


Immer geradeaus

Geboren wird Malcolm Young am 6. Januar 1953 in Glasgow in Schottland. Als er zehn Jahre alt ist, wandert seine Familie mit den acht Kindern nach Australien aus. Musik gehört dort schon früh zum Leben, denn der große Bruder George Young gehört zu den australischen Sixties-Popstars The Easybeats. Ruhm, Reichtum und schreiende Mädels beeindrucken Malcolm natürlich, also schmeißt er mit 15 die Schule, jobbt in einer BH-Fabrik und will fortan lieber Musik machen. Er spielt bei diversen Bands, kommt aber nicht so recht vorwärts. Deshalb gründet er im November 1973 seine eigene Kapelle und nimmt auch seinen zwei Jahre jüngeren Bruder Angus hinzu. An Silvester stehen AC/DC zum ersten Mal auf der Bühne, ab jetzt lautet der Kurs „Weltherrschaft“. Zielstrebig verfolgen die beiden nicht mal 1,60 Meter großen Young-Brüder dieses Ziel, gespielt wird in jeder Kneipe und an jeder Steckdose, immer mit Vollgas. Wer nicht mithalten kann, muss gehen.

Die ersten beiden Alben High Voltage und T.N.T. erscheinen 1975 nur in Australien, eine Compilation daraus schlägt ein Jahr später als High Voltage in Europa auf. Nach und nach nimmt der Rest der Welt Notiz von den ruppigen Krachmachern von „Down Under“, und die Band siedelt nach London über und landet 1979 mit Highway To Hell einen Treffer. Am 19. Februar 1980 stirbt Sänger Bon Scott in London an den Folgen eines massiven Saufgelages, und es ist Malcolm, der Bons Eltern in Australien benachrichtigt.


In Schwarz auf den Rockolymp

Lange steht die Rock-Maschine nicht still: Mit neuem Frontmann Brian Johnson geht es weiter. Back In Black (1980) wird zum Triumph und verkauft sich weltweit über 50 Millionen mal. Jetzt sind AC/DC nicht mehr zu stoppen. Malcolm ist dabei der Anführer, er trifft die letzte Entscheidung und lässt sich durch nichts vom Weg abbringen. Er bestimmt, wann mit der Presse gesprochen und wann Alben aufgenommen werden. Vor allem hält er die Band auf Kurs, ungeachtet aller Trends und ohne musikalische Experimente. Die Songs schreiben Malcolm und Angus gemeinsam, seit The Razors Edge (1990) sogar alle Texte. Und die bleiben so bodenständig wie die Musiker, es geht um Lebensfreude, Sex und Feierei oder die bluesige Kehrseite davon. Als die Beastie Boys 1985 eine Sequenz aus Back In Black verwenden wollen, erteilt Malcolm ihnen eine Absage: „Nichts gegen euch Jungs, wir halten nichts von Sampling.“

Das gleiche gilt für Promikult und High-Society-Theater: Man sieht die Musiker nie auf Glitzerveranstaltungen, roten Teppichen oder gar in Modemagazinen. Jeans, Shirt und Turnschuhe reichen vollkommen aus, damals wie heute. Jeder Schnickschnack ist AC/DC fremd, die Band pflegt eine bodenständige Arbeitseinstellung und geht zum Stadionkonzert mit 50.000 Leuten wie andere Leute zur Schicht.


Zwangspause und neue Triumphe

Auf der Tour zu Blow Up Your Video (1988) muss Malcolm eine Pause einlegen und wird zum ersten Mal durch Stevie Young ersetzt. Offiziell will sich der Musiker um seinen kranken Sohn kümmern, doch in Wahrheit erfordert jahrzehntelange Sauferei ihren Tribut. Mehr erfährt man jedoch nicht, AC/DC halten damals wie heute ihr Privatleben von der Öffentlichkeit fern. Zur nächsten Platte The Razors Edge (die mit Thunderstruck) steht Malcolm wieder mit seiner Gretsch neben dem Drumkit. Mittlerweile gehören AC/DC zu den größten Bands der Welt, sogar Metallica spielen 1991 vor den Australiern. Nur noch einmal geben die Gebrüder Young und ihre Jungs selbst die Vorgruppe, nämlich 2003 für die von ihnen verehrten Rolling Stones.

2008 steigt das Album Black Ice dann in sage und schreibe 29 Ländern auf Platz Eins ein und beschert der Band eine Grammy-Auszeichnung. Doch Malcolm Young bekommt zunehmend Probleme mit seinem Gedächtnis: Auf der Tour muss er immer wieder Lieder üben, die er selbst geschrieben hat. Das zieht er solange durch, wie er kann – bis es einfach nicht mehr geht. Seit September 2014 lebt Malcolm deshalb in einem Pflegeheim. Laut Angus freut er sich immer noch über Musik, erkennt viele Menschen aber nicht mehr.

AC/DC nehmen daraufhin mit Malcolms Einverständnis Rock Or Bust mit Stevie Young an der Gitarre auf und touren um die Welt, zuletzt mit W. Axl Rose am Mikro. Mittlerweile steht Angus als letztes Originalmitglied auf der Bühne. Wie es mit AC/DC weitergeht, weiß nur er.


Die Rocker trauern

In der Rock-Welt herrscht große Trauer nach Malcolms Youngs Tod. Unzählige musikalische Helden bringen zum Ausdruck, wie sehr sein Gitarrenstil, sein Songwriting und seine Haltung sie geprägt haben. Dabei sind sich die besten Rockmusiker der Welt einig, dass nur ganz wenige gibt, die an der Rhythmusgitarre an Malcolm Young heranreichen können. Lars Ulrich von Metallica schreibt: „Malcolm, Danke für, dass du ein wichtiger Teil im Soundtrack meines Lebens warst. Deine Musik ist die Definition von zeitlos und inspirierend.“ Guns N’ Roses-Zylinderkopf Slash (Guns N’ Roses) spricht von einem „monumental traurigen Tag für den Rock’n’Roll“, Eddie Van Halen veröffentlicht: „Malcolm Young war mein Freund, das Herz und die Seele von AC/DC.“

Fest steht: Das Vermächtnis von Malcolm Young wird Bestand haben. Besser, lauter, aufregender kann man Rock’n’Roll nicht spielen. Ruhe in Frieden, Malcolm.


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Popkultur

Zeitsprung: Am 17.1.1949 erblickt Mick Taylor das Licht der Welt.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 17.1.1949.

von Timon Menge und Christof Leim

Mick Taylor zählt zu den versiertesten Gitarristen der Rockgeschichte und hat die Diskografie gleich zwei großer Bands mitgeprägt: John Mayall’s Bluesbreakers und The Rolling Stones. Als Solomusiker tourt er seit 1974 um die Welt. Am 17. Januar feiert Taylor Geburtstag.

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Hört hier in sein Soloalbum Mick Taylor rein:

Klickt auf „Listen“ für die vollständigen Songs.

Der Jugendliche

Mick Taylor kommt am 17. Januar 1949 in Welwyn Garden City in England zur Welt und wächst im Ort Hatfield auf. In seiner Jugend gründet er die Bands The Juniors und The Strangers, mit denen er sogar im Fernsehen auftritt und eine erste Single veröffentlicht. Ab 1965 spielt er als Mitglied von The Gods mit Musikern wie Brian Glascock (später bei Dolly Parton und Iggy Pop), mit seinem Bruder John Taylor (Jethro Tull), Ken Hensley und Lee Kerslake (beide Uriah Heep) sowie Greg Lake (King Crimson, Emerson, Lake & Palmer).

Der Bluesbreaker

Etwa zur selben Zeit besucht Taylor ein Konzert von John Mayall’s Bluesbreakers in seiner Geburtsstadt. Als Mayalls Gitarrist Eric Clapton aus ungewissen Gründen nicht auftaucht, fragt Taylor den britischen Bluesveteranen in der Pause kuzerhand, ob er einspringen soll. Nach kurzer Bedenkzeit ist Mayall einverstanden. Später sagt Taylor dazu: „Ich habe in dem Moment gar nicht daran gedacht, dass das eine tolle Gelegenheit ist. Ich wollte bloß auf die Bühne und Gitarre spielen.“



Der junge Gitarrist beeindruckt den Bandleader so sehr, dass die beiden ihre Telefonnummern austauschen. Als Mayall ein Jahr später einen Ersatz für Peter Green sucht, erinnert er sich an das Nachwuchstalent. Von 1966 bis 1969 tourt Taylor mit der Gruppe, spielt Alben wie Crusade (1967), Bare Wires (1968) und Blues From Laurel Canyon (1968) ein. Er profiliert sich als hervorragender Blues-Gitarrist mit Jazz-Einflüssen, seine Karriere nimmt Fahrt auf.

Mick Taylor mit den Stones 1972 – Pic: Larry Rogers/Wikimedia Commons

Der Rolling Stone

Als die Rolling Stones im Juni 1969 ihren Gitarristen Brian Jones feuern, legen John Mayall und Stones-Keyboarder Ian Stewart bei Mick Jagger ein gutes Wort für Taylor ein. Die Stones laden ihn ein, nehmen einige Songs mit ihm auf – und rekrutieren den damals 20-jährigen als neues Mitglied. Sein Bühnendebüt gibt er am 5. Juli 1969 bei einem kostenlosen Konzert im Londoner Hyde Park. Mehr als eine Viertelmillion Zuschauer pilgern zu der Show, nicht zuletzt deshalb, weil sich das Konzert spontan zu einem Brian Jones-Tribut entwickelt: Der Stones-Mitgründer war zwei Tage vorher gestorben.



In den kommenden Jahren gestaltet Taylor eine wichtige Phasen der Truppe mit: So spielt er nicht nur die legendären Platten Let It Bleed (1969) und das Livealbum Get Yer Ya-Ya’s Out! (1970) ein, sondern auch die Klassiker Sticky Fingers (1971) und Exile On Main St. (1972). Im Zuge der Aufnahmen zu It’s Only Rock ’n Roll (1974) kommt es jedoch zu Querelen zwischen den Musikern. So hat Taylor nach eigenen Aussagen die Songs Till The Next Goodbye und Time Waits For No One mitverfasst, wird aber nicht als Songschreiber genannt. Überhaupt: Bei ihm stellt sich das Gefühl ein, mit den Rolling Stones alles erreicht zu haben. Außerdem ist dem Gitarristen der immense Drogenkonsum der Gruppe nicht geheuer. Im Dezember 1974 verlässt er die Band, seine Nachfolge tritt Ron Wood von Faces an, nachdem sich diese aufgelöst haben.



1995 sagt Mick Jagger in einem Interview mit dem Rolling Stone über Taylor: „Er hat Großes geleistet und für mehr Musikalität in der Gruppe gesorgt. Sein Stil ist sehr flüssig und melodisch. Das hatten wir vorher nicht und haben es bis heute nicht. Weder Keith noch Ronnie Wood spielen wie er. Es war sehr gut für mich, mit ihm zu arbeiten.“ Kein Wunder also, dass sich die Wege der Musiker auch in folgenden Jahrzehnten kreuzen und Taylor immer wieder mit seinen alten Kollegen auf der Bühne steht.



Der Solokünstler

Nach seiner Zeit bei den Stones widmet sich Mick Taylor den unterschiedlichsten Projekten. So spielt er mit Mike Oldfield, Little Feat, Bob Dylan, Carla Olson, Alvin Lee und Mark Knopfler, heuert gelegentlich bei seinem alten Arbeitgeber John Mayall an und gründet eine Band mit Jack Bruce von Cream. 1977 unterschreibt er einen Solo-Plattenvertrag mit Columbia Records, 1979 erscheint sein erstes Album Mick Taylor. Seine zweite Platte unter eigenem Namen lässt bis 1998 auf sich warten und trägt den Titel A Stone’s Throw.

Der Gitarrist

Taylor erzählt mit jedem Solo eine Geschichte anstatt bloß sein handwerkliches Können unter Beweis zu stellen. Da verwundert es nicht, dass zum Beispiel Slash von Guns N’ Roses den Briten als Einfluss nennt. New York Times-Musikjournalist Robert Palmer bringt Mick Taylors Karriere folgendermaßen auf den Punkt: „Er ist der fähigste Gitarrist, der jemals für die Rolling Stones gespielt hat. Taylor war nie ein Rocker oder gar eine Rampensau, sondern ein Blues-Gitarrist mit dem melodischen Gespür eines Jazz-Musikers.“ Respekt. Wir sagen: Happy Birthday!



Titelfoto: Dina Regine/Wiki Commons

Zeitsprung: Am 5.12.1968 feiern die Rolling Stones “Beggar’s Banquet” – mit einer Tortenschlacht.

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„Der Triumph des Jazz“: Die musikalischen Einflüsse des Martin Luther King, Jr.

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Martin Luther King Jr.
Foto: Donald Uhrbrock/Getty Images

Am 15. Januar 2022 hätte die US-amerikanische Bürgerrechtsikone Martin Luther King ihren 93. Geburtstag gefeiert. Zu Ehren Kings möchten wir an dieser Stelle seine Verbindung zur Musikkultur ein wenig näher beleuchten.

von Markus Brandstetter

Die Bilder und Worte sind fest im kollektiven Bewusstsein verankert, selbst wenn man zu jener Zeit noch nicht auf der Welt war: Im August 1963 fanden sich über 200.000 Menschen in Washington, DC zum „Marsch auf Washington für Arbeit und Freiheit“ (englischer Titel: March on Washington for Jobs and Freedom) zusammen.

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Vor dem Lincoln Memorial hielt Martin Luther King seine berühmte Rede, deren Worte „I have a dream“ in die Geschichte eingingen. Musik war (nicht nur) an diesem Tag ein wesentlicher Bestandteil der Proteste. Bob Dylan und Joan Baez traten auf, Peter, Paul & Mary, Odetta Holmes, Mahalia Jackson und der Eva Jessye Choir, auch Harry Belafonte war anwesend. Für King war Musik aber weit mehr als eine akustische Untermalung — er sah sie als Mittel zur Veränderung an — und, im Falle von Jazz, Triumph der Schwarzen — dazu später mehr.

Kings musikalischer Background

Für Martin Luther King, das schreibt der US-amerikanische Autor Alfonso Pollard in seinem Artikel The Extraordinary Influences of Dr. Martin Luther King, Jr., habe Musik seit seiner Kindheit eine bedeutende Rolle gespielt. Kings Mutter Alberta King spielte hier wohl die Schlüsselrolle: Sie war Chorleiterin und Organistin in der Ebenezer Baptist Church. Auch Kings spätere Ehefrau Coretta Scott, die er an der Universität kennenlernte, war Kirchenchorleiterin, außerdem Sopranistin und Multiinstrumentalistin.

Geht es nach Pollard, gab es in Kings musikalischer Sozialisation zwei große Säulen: die Gospelmusik zum einen, zeitgenössische Sängerinnen wie Mahalia Jackson, Sister Rosetta Tharpe, Nina Simone, Miriam Makeba zum anderen. Später wurde auch Jazz für ihn immer wichtiger — eine Musik, die er als „triumphal“ bezeichnete. Damit meinte er den Triumph der Afroamerikaner*innen über die Unterdrückung, über Ungerechtigkeit, Kummer, Tragödien.

Der Triumph des Jazz

1964 wurde King gebeten, die Eröffnungsrede auf dem JazzFest Berlin (damals „Berliner Jazztage“ genannt) zu halten. In seiner Rede sprach er über eben dieses Triumphale im Jazz: „Gott hat viele Dinge aus der Unterdrückung heraus geschaffen. Er hat seine Geschöpfe mit der Fähigkeit ausgestattet, zu erschaffen, und aus dieser Fähigkeit sind die süßen Lieder der Trauer und der Freude hervorgegangen, die es dem Menschen ermöglicht haben, mit seiner Umwelt und vielen verschiedenen Situationen zurechtzukommen. Der Jazz spricht für das Leben. Der Blues erzählt von den Schwierigkeiten des Lebens, und wenn man einen Moment nachdenkt, wird man feststellen, dass er die härtesten Realitäten des Lebens in Musik umsetzt, um dann mit neuer Hoffnung oder einem Gefühl des Triumphs wieder herauszukommen.“

„Die letzte Bastion des Elitismus“

Wie die Verbindung Kings zur klassischen Musik ist, ist indes nicht hinreichend beleuchtet. Der US-Dirigent Paul Freeman (1936-2015) berichtete einst in einem Interview von ein Zusammentreffen mit dem Bürgerrechtler. Als dieser ihn fragte, was er in Atlanta mache, erklärte ihm Freeman, er habe ein Engagement als Gastdirigent des Atlanta Symphony Orchestra. Die Antwort von King darauf kann als sozialkritisch bis sarkastisch gelesen werden: „Ah, die letzte Bastion des Elitismus! Glory, Halleluja!“ Freeman, dessen erklärte Mission es war, die Klassik (sowohl als Musiker*in als auch als Hörer*in) für alle zugänglich zu machen, sah dies aber nicht als Seitenhieb, sondern als Inspiration, sein Ziel zu verfolgen.

Nachzusehen ist dies in diesem Interview:

Wie wichtig King war, zeigen zahlreiche Tribute. Soul-Legende Stevie Wonder war ausschlaggebend dafür, dass Martin Luther Kings Geburtstag zum Feiertag erklärt wurde — und widmete ihm das Stück Happy Birthday. U2 schrieben Pride (In The Name Of Love) über ihn, James Taylor zollte ihm mit Shed A Little Light Tribut — und natürlich darf man Nina Simones Stück Why (The King Of Love Is Dead) nicht vergessen, dass sie drei Tage nach seinem Tod vorstellte.

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Zeitsprung: Am 15.1.1969 kehrt George Harrison zu den Beatles zurück.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 15.1.1969.

von Timon Menge und Christof Leim

Getrennte Wege gehen die Beatles erst zu Beginn der Siebziger, doch dicke Luft herrscht schon vorher. Die Musiker fühlen sich ausgelaugt, gemeinsamer Tatendrang bleibt die Ausnahme. Am 10. Januar 1969 verlässt George Harrison sogar die Band. Fünf Tage später kehrt er zurück — allerdings mit Forderungen…

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Hört hier in Let It Be rein:

Klickt auf „Listen“ für das ganze Album.

Im Januar 1969 befinden sich die Beatles im Twickenham Studio in London und arbeiten an ihrer Platte Let It Be. Das White Album (1968) hallt noch nach, das Erscheinen von Yellow Submarine (1969) steht kurz bevor. Als die Band am Morgen des 10. Januar mit wenig Erfolg an den Songs Get Back und Two Of Us arbeitet, hat George Harrison die Nase voll. Er verlässt das Studio und lässt die anderen drei Musiker im Regen stehen. Nachdem sich McCartney, Lennon und Starr die erste Wut von der Seele gespielt haben, sagt Lennon trocken: “Ist er am Dienstag nicht zurück, holen wir Clapton.” Am 12. Januar treffen sich die Beatles bei Harrison zuhause, doch die Zusammenkunft verläuft alles andere als gut und endet von Harrisons Seite mit einem: “Man sieht sich.”

Einer der Gründe für Harrisons Abgang: Immer wieder geraten er und Paul McCartney aneinander. Harrison emanzipiert sich zu jener Zeit als Songschreiber und empfindet McCartney als zu dominant. In einem Interview mit dem Rolling Stone erzählt er: „Es ist mir immer sehr schwergefallen, beim Songwriting mitzumischen, weil Paul diesbezüglich sehr aufdringlich war. Wenn er meine Songs gespielt hat, lief das immer gut. Ich musste allerdings 59 seiner Ideen ausprobieren, bevor er sich meine überhaupt anhören wollte.“



Auch John Lennon und Harrison sind sich zu jener Zeit nicht grün. So stellt der britische Musikjournalist David Stubbs in einem Artikel für das Magazin Uncut die These auf, Harrison sei sogar noch genervter von Lennon als von McCartney, weil Lennon Probleme mit Harrisons wachsendem Einfluss auf das Songwriting gehabt habe. Nicht nur das: Lennons Beziehung zu Yoko Ono treibt einen Keil zwischen die beiden Beatles, die sich gerade erst richtig angefreundet hatten — vermutlich auch über ihre gemeinsame Vorliebe für LSD.

Außerdem stört Harrison sich daran, dass im Studio ein Film gedreht werden soll, obwohl die Beatles nur streiten. „Es kam vor der Kamera nie zum Eklat“, räumt er später ein. „Aber ich habe mich die ganze Zeit gefragt, was das eigentlich soll.“ Er beschließt, die Band zu verlassen — ein Prozess, den auch Schlagzeuger Ringo Starr durchläuft, und zwar nur wenige Monate zuvor während der Sessions zum White Album.



Einige Tage nach Harrisons Abgang merken McCartney, Lennon und Starr endgültig, dass die Band nicht ohne den Gitarristen funktioniert. Die Musiker setzen ein Treffen für den 15. Januar an, und der verlorene Sohn taucht wieder auf — allerdings mit Forderungen. Harrison möchte im Gegensatz zu McCartney nach unfassbar vielen Konzerten nicht mehr live auftreten. Außerdem bittet er darum, das Studio zu wechseln. Die übrigen Bandmitglieder schlagen ein, die Beatles ziehen in die Apple Studios um und setzen den Aufnahmeprozess fort.


Die Symptome lassen sich durch die Veränderungen kurzzeitig bekämpfen, doch die Ursachen liegen tiefer. Trotz vorübergehender Wiedervereinigung kommt es langfristig zur Auflösung der Band. Vorher schließen die Briten die Aufnahmen des Albums Abbey Road ab, das durch diverse Umstände sogar noch vor Let It Be erscheint. Zur endgültigen Trennung kommt es im Frühjahr 1970, etwa einen Monat vor der Veröffentlichung der letzten Platte.

Zeitsprung: Am 21.1.1966 heiratet George Harrison. Eric Clapton grätscht rein.

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