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Popkultur

Zeitsprung: Am 11.3.1955 schreit Nina Hagen das erste Mal in den Äther.

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Nina Hagen
Foto: Paul Natkin/Getty Images

"Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 11.3.1955.

von Victoria Schaffrath und Christof Leim

Mehr als nur Farbfilm: Von Schlager bis Punk, Esoterik bis Christentum und Politik bis Polemik nimmt die „Godmother of Punk“ in ihrem Leben so ziemlich alles mit. Als eine der wenigen Deutschen erlangt sie dank überdimensionaler Persönlichkeit und gleichwertigem Talent internationale Berühmtheit. Zu ihrem Geburtstag am 11. März tauchen wir in ihr unkonventionelles Leben ein.

Hört hier in die Kompilation Was denn rein:

Als „Patentante des Punk“ kommt man nicht auf die Welt, den Titel muss man sich erarbeiten. Das tut Hagen ab dem 11. März 1955, an diesem Tag kommt sie als Catharina Hagen in Berlin-Friedrichshain auf die Welt. Das liegt zu diesem Zeitpunkt in der DDR. Ihre Mutter, Schauspielerin Eva-Maria Hagen, und Dissident und Liedermacher Wolf Biermann, der ab 1965 als Ziehvater fungiert, lehren sie sowohl Kreativität als auch Widerstand.

Farbfilm & Systemkritik

Das geht nicht lange gut, denn für die Stasi gilt sie dank ihrer systemkritischen Familienbande als nicht linientreu. Man verweigert ihr folglich die Aufnahme in die Schauspielschule. Macht nichts, dann nutzt Catharina eben ihre Singstimme (und der Film klopft bis heute auch ohne Zeugnis immer wieder an). Sie schließt eine Ausbildung als staatlich geprüfte Schlagersängerin ab; mit Vorbildern wie Janis Joplin, Otis Redding und Lotte Lenya interessiert dieses Genre sie freilich wenig. Mit der Gruppe Automobil gelingt ihr bald ein grenzübergreifender Hit: Du hast den Farbfilm vergessen erscheint 1974, da zählt Nina 19 Lenze.

Gern geschehen, der Ohrwurm. Doch es hilft nichts, man bürgert Biermann 1976 aus. Die junge Sängerin bekundet gemeinsam mit über 100 DDR-Kunstschaffenden Solidarität, vielen schwant erst jetzt, was da wirklich an Zensur und Kontrolle vor sich geht. Hagen reicht’s, sie verlässt mit der restlichen Familie die Heimat. Nächster Halt: London.

„That’s why the Lady is a Punk“

Das Epizentrum des Punk brodelt zu diesem Zeitpunkt, auch Reggae hält Einzug in das Bewusstsein der Schauspielertochter. Mit The-Slits-Sängerin Ari Up schreibt sie Material, das sie, zurück in Deutschland, verwerten möchte. Mit vier Kollegen, die später als Spliff Erfolge feiern, gründet sie daher die Nina Hagen Band, deren gleichnamiges Album 1978 erscheint. Hier erfindet sich die Künstlerin neu, singt deutlich anders als noch auf den Aufnahmen aus der DDR.

Aber Teamwork gehört nicht zu Hagens Sozialkompetenzen, weswegen sie sich noch vor der zweiten Platte mit der Band überwirft. Die Aufnahmen erfolgen 1979 schon getrennt, und man nennt den Langspieler passend Unbehagen. Das interne Spannungsverhältnis tut jedoch gut, denn das Album schafft es bis auf Platz zwei der Charts und gilt als wichtig für den deutschen Punk und als Katalysator für New Wave und Neue Deutsche Welle. Wenig später schockt die Chanteuse das prüde Deutschland, indem sie in einer österreichischen Talkshow vorführt, wie es denn so aussehen sollte, wenn Frauen masturbieren.

Typisch Angstlos

Es zieht die Frau mit der großen Stimme ohnehin wieder in die weite Welt; bis 1986 lebt sie mal in Amerika, mal in den Niederlanden. Irgendwie ist viel von UFOs die Rede, auch die Spiritualität nimmt eine zentrale Rolle in ihrem Leben ein. Der Name von Töchterchen Cosma Shiva zeugt bis heute davon. Hagen singt nun viel auf Englisch, arbeitet beispielsweise mit Giorgio Moroder an ihrer LP Fearless. Ein Auftritt beim ersten Rock in Rio zementiert ihren Ruf als Weltstar.

Doch sie will zurück in das Land Bertolt Brechts, dessen Werke sie immer wieder singt. Sohn Otis bekommt sie 1990, die Beziehung zu dessen Vater scheitert. Tatsächlich versucht dieser sogar, ihr den Nachwuchs zu entwenden. Die „eine große Liebe“ scheint es im Leben der Musikerin nicht zu geben, wohl aber Affären: zum Beispiel mit Anthony Kiedis von den Red Hot Chili Peppers. Dass Hagen auch zur Muse taugt, glauben wir gern.

Überhaupt scheinen ihr die Kinder die einzige Konstante. Und natürlich die Musik: Kollaborationen mit Wolfgang Niedecken von BAP, Oomph!, Apocalyptica und der Song Solo mit Thomas D von den Fanta 4 beweisen in den Neunziger Jahren und Anfang der Zweitausender Hagens Überdauern als Künstlerin. Irgendwo dazwischen faltet sie in einer Talkshow (aha!) Angela Merkel zusammen.

Zeitlos schrill

Ihr Platz in der Jury der Castingshow Popstars zementiert sie 2006 und 2007 erneut in den Zeitgeist. Doch so leicht macht es uns die Hagen nicht und sorgt für TV-Eklat Nummer drei und vier: In der Talkshow Menschen bei Maischberger redet sie sich gleich zweimal um Kopf und Kragen, dabei geht es wahlweise um Politik oder Außerirdische. Die Moderatorin folgert: „Ich habe, mit Verlaub, Nina, das Gefühl, dass wahnsinnig viel in deinem Kopf wirklich durcheinandergeht.“

Dem schließen wir uns zwar an, aber im Falle der hauptberuflichen Göre Hagen dient das eher als Kompliment. Zwischenzeitlich findet sie übrigens zu Gott, lässt sich 2009 taufen. „Ist das noch Punk?“, fragen wir uns da. Bei Nina Hagen irgendwie schon.

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Zeitsprung: Am 19.8.1939 kommt Ginger Baker zur Welt.

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Zoran Veselinovic/Wiki Commons

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 19.8.1939.

von Victoria Schaffrath und Christof Leim

Genie und Wahnsinn liegen nah beieinander, kaum einer beweist das so eindrucksvoll wie „Ginger“ Baker. Als Jahrhunderttalent revolutioniert er bei Cream und Blind Faith das Schlagzeugspiel und terrorisiert den Rock. Unterhaltsam ist das allemal, also werfen wir zum Geburtstag des trommelnden Derwisch einen Blick auf sein bewegtes Leben!

Hört hier das Debüt von Cream: 

Starten wir ganz am Anfang, denn geboren wird Peter Edward „Ginger“ Baker in Londons Arbeitermilieu. In seiner Jugend interessiert ihn die Musik zunächst in Form des Klavier- und Trompetenspiels, zudem sieht er sich mit Freunden gern Jazz-Shows an. Der eigentliche Karriere-Traum: Radrennfahrer. Als er im Teenageralter einen Unfall baut, zerlegt es den heißgeliebten Drahtesel. Um an Geld zu kommen, schlägt ein Freund ihm vor, er solle sich doch hinter ein Schlagzeug setzen. Da zählt Ginger 15 Jahre. Baker merkt hierzu später amüsiert an, dass wohl alle vor ihm wussten, dass ein Drummer in ihm steckt. Da es ihm immer noch an Budget fehlt, arbeitet er zunächst mit einem Kinderschlagzeug und moduliert es mit Zeltplanen und Keksdosen, um beim Vorspiel überhaupt ein Instrument vorweisen zu können. Er bekommt den Job.

Anfang der Sechziger folgt dann Unterricht beim legendären britischen Jazzer Phil Seamen, der ihm die erste Dosis Heroin spritzt, aber auch die Grundlage für den Part des jungen Schlagwerkers in der Graham Bond Organisation schafft. Dort ist er ab 1963 aktiv, mit dabei sind der Namensgeber, Dick Heckstall-Smith am Saxophon, John McLaughlin an der Gitarre und Jack Bruce am Bass. Er trägt Stücke wie Camels and Elephants bei, die Band tritt außerdem zwei Jahre nach ihrer Gründung im Film Gonks Go Beat auf, welcher katastrophale Kritiken erhält. 

Innerhalb der Gruppe gerät Baker immer wieder mit Bruce aneinander, den er schließlich feuert und mit einem Messer bedroht, um seiner Entscheidung Nachdruck zu verleihen. Ausgerechnet Bonds Drogenproblem geht ihm jedoch so sehr auf den Nerv, dass er sich nach neuen Möglichkeiten umsieht. Als „Ginger“ 1966 nach einem Konzert seinen geschätzten Musikerkollegen Eric Clapton heimfährt, erzählt er ihm von seiner Suche; Clapton, der sich an der Gitarre bei John Mayall & The Bluesbreakers kreativ unterfordert fühlt, schlägt ohne langes Zögern ein. Einzige Bedingung: Baker soll ausgerechnet Jack Bruce für den Bass anfordern. Der Rotschopf steuert laut Clapton beinahe das Auto in den Graben. Da die drei Musiker als „Crème de la Crème“ der Blues-Szene bekannt sind, nennt sich das Trio kurzerhand Cream und das Debütalbum Fresh Cream. Baker entwickelt auf dem Track Toad Elemente aus Camels And Elephants weiter und nimmt damit eines der ersten Drum-Soli überhaupt auf.

Nach drei weiteren Alben macht Cream jedoch schon 1969 wieder Schluss, die Spannungen zwischen Bruce und Baker sind unüberwindbar. Zwei Abschlusskonzerte in der Royal Albert Hall in London sind zwar kommerziell erfolgreich, bilden jedoch qualitativ keinen würdigen Abgang für die Ausnahmemusiker, die mehr gegeneinander als miteinander arbeiten. Mit Clapton versucht sich Baker noch einmal an einer Supergroup, gründet mit ihm, Steve Winwood von Traffic und Richard Grech Blind Faith. Erneut lässt die Begeisterung schnell nach, ein Muster, das sich bei Baker auch in Bezug auf seine diversen Ehen und Kinder durchzieht.

In den Siebzigern treibt es den Mann dann nach Nigeria, wo er mit viel Mühe ein Aufnahmestudio einrichtet, das unter anderem Paul McCartney und seinen Wings als Arbeitsplatz dient. Baker nimmt Material mit dem afrikanischen Multiinstrumentalisten und Menschenrechtler Fela Kuti auf und gründet die Baker Gurvitz Army, die drei Alben lang durchhält. 1980 zieht sich der Schlagzeugpionier zurück, um endlich seine Heroinsucht zu überwinden, spielt dann bei Hawkwind und geht Ende der Dekade nach Los Angeles, um auch noch Hollywood zu bezwingen. Stattdessen gibt’s in den Neunzigern doch wieder mehr Musik; zunächst mit Masters of Reality, dann wider besseres Wissen mit Jack Bruce bei BBM und im eigenen Projekt The Ginger Baker Trio. 

Eines verliert Baker bei den regelmäßigen Ortswechseln nicht: seinen Ruf als Dämon des Rock’n’Roll. Ob es nun an langjährigen Drogen- und Alkoholproblemen oder schlicht der Persönlichkeit liegt: Der Drummer macht Kollegen, Presse und Publikum gleichermaßen Angst, und zwar so sehr, dass seine Übellaunigkeit 2012 in der Dokumentation Beware Of Mr. Baker festgehalten wird, die auf einem Rolling Stone-Artikel basiert. Ob man’s glaubt oder nicht: Baker haut selbst während der Dreharbeiten einem Crewmitglied auf die Nase. 

Nicht gerade zimperlich: Das deutsche Cover zur Dokumentation „Beware Of Mr. Baker“.

Beim Polo bemüht er sich um einen Ausgleich, mit Cream findet er seinen Frieden allerdings nicht. Eine Reunion schrammt 2005 laut Clapton nur knapp an einem blutigen Ende vorbei. Seit 1999 treibt er in Südafrika sein Unwesen, leidet aber zusehends an starken gesundheitlichen Problemen. Baker verstirbt schließlich am 6. Oktober 2019 mit 80 Jahren im englischen Canterbury. Sein musikalisches Vermächtnis bleibt: Baker gilt als einer der einflussreichsten Schlagzeuger aller Zeiten, als Vorbild sämtlicher Heavy-Metal-Drummer und Pionier des Rock.

Zeitsprung: Am 26.11.1968 spielen Cream ein enttäuschendes Abschiedskonzert.

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30 Jahre „MTV Unplugged“: Eric Claptons intimster Moment

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Eric Clapton
Titelfoto: David Redfern/Getty Images

Der größten Tragödie seines Lebens folgt sein größter Erfolg: Vor 30 Jahren veröffentlicht Eric Clapton sein MTV Unplugged-Album. Es löst einen Boom aus und beflügelt seine Karriere.

von Björn Springorum

Das MTV-Unplugged-Format ist nicht neu, als Eric Clapton am 16. Januar 1992 an der Reihe ist. Sein Konzert vor Livepublikum in den Bray Film Studios in Windsor, England, wird dem Format aber einen ebenso großen Popularitätsschub verleihen wie seiner Karriere. Das konnten Paul McCartney, Don Henley, Stevie Ray Vaughan, The Allman Brothers Band, Sting oder Elvis Costello, die alle vor Clapton dran waren, nicht von sich behaupten.

Das eigentlich Besondere an Claptons Performance für MTV Unplugged ist aber ihr Zeitpunkt: Im Januar 1992 ist es nicht mal ein Jahr her, dass sein vierjähriger Sohn Conor aus dem 53. Stock eines New Yorker Apartments in den Tod stürzte. Clapton zieht sich zurück, schreibt Tears In Heaven, um die Trauer zu bewältigen. Sein Auftritt in den Bray Film Studios ist einer der ersten öffentlichen Auftritte des Sängers nach der Tragödie. Es soll sein Triumphzug werden.

Die Tickets wurden verlost

Davon ahnt zunächst mal niemand etwas. Die BBC verlost 150 Ticketpaare für die Aufzeichnung, beantwortet werden muss die Frage, wo Eric Clapton während der Aufnahmen zu I Shot The Sherrif wohnte. Die Antwort ist 461 Ocean Boulevard in Golden Beach bei Miami, zugleich der Titel des Albums, auf dem die Nummer steht. Für Clapton-Ultras natürlich eine Fingerübung, die 300 Tickets sind dementsprechend ratzfatz weg.

In Bussen geht es raus aus London nach Windsor, wo Eric Clapton die intimste und purste Show seiner bisherigen Karriere spielen wird. Nach Ansicht einiger Zeitzeug*innen auch seine beste. Überwiegend ausgerüstet mit Akustikgitarren von Martin (Modell 000-42), von denen eine mal für fast eine Million US-Dollar bei einer Auktion unter den Hammer kam, spielt sich Clapton auf lässige, ruhige und unaufgesetzte Weise durch sein Repertoire.

Wie beflügelt durch das akustische Setting seiner Band schwingt sich seine Stimme in ganz neue Sphären auf, klingt voll und präsent wie vielleicht nie zuvor. „Es fällt mir viel leichter, meine eigene Lautstärke anzupassen, wenn alle akustisch spielen“, sagte er mal. „Normalerweise klinge ich immer furchtbar platt auf der Bühne. Hier konnte ich wirklich dynamisch singen.“ Es soll nicht der einzige Benefit sein, den Clapton aus Windsor mit nach Hause nimmt: Er wendet auch an der elektrischen Gitarre vermehrt Fingerpicking an.

In Gedenken an seinen Sohn

Die Songauswahl des Abends ist längst so ikonisch wie das Unplugged-Setting selbst: Der instrumentale Samba Signe eröffnet den Abend leichtfüßig, danach kommt Bo Diddleys Blues Before You Accuse Me. Was folgt, ist eine Mischung aus Clapton-Material und alten Blues-Croonern. Besonders intensiv sind natürlich die neuen Songs, die Clapton im Sommer 1991 nach dem Tod seines Sohnes schreibt: Circus, Lonely Stranger und natürlich Tears In Heaven, das in seiner Unplugged-Version riesige Erfolge feiern wird. Das Besondere: Sowohl Tearns In Heaven als auch seine neue Fassung des Klassikers Layla von Derek And The Dominos klingen an diesem Abend in ihren akustischen Arrangements kraftvoll, aber vollkommen anders. Tears In Heaven hat bei aller Melancholie eine gewisse Leichtigkeit, Layla klingt eher schelmisch als verzehrend. Liegt natürlich auch an der stellaren Begleitband um Andy Fairweather Low, Chuck Leavell, Nathan East und weiteren Assen.

26 Millionen verkaufte Platten

Insbesondere für Tears In Heaven wird man dieses Konzert, dieses Album und diese schwierige Phase in Eric Claptons Leben in Erinnerung behalten. „Eric war an diesem Abend in Hochform“, erinnert sich der Musikhistoriker Marc Roberty. „Nach dem Songs, die er in Gedenken an Conor geschrieben hat, wurde er von seinen Emotionen übermannt.“ Auch das Publikum zeigt sich sichtlich gerührt. Viel von Claptons Rückkehr ins Rampenlicht ist diesem besonderen Moment zuzuschreiben. Seit 1992 ist Clapton immer wieder akustisch aufgetreten, generell sind Unplugged-Konzerte dieser Art heute nichts Außergewöhnliches mehr. 1992 sind sie das noch.

Merkt man auch an den Verkaufszahlen: Das Album verkauft sich mehr als 26 Millionen Mal, ist die erfolgreichste Live-Platte aller Zeiten und das bestverkaufte aller Clapton-Werke. Bei den Grammys 1993 staubt Eric Clapton ganze sechs Trophäen ab, drei allein für MTV Unplugged. Das Format wird 1993 durch Nirvana noch ikonischer, Claptons Karriere nach einem schwachen Start in die Neunziger revitalisiert. Nicht übel für ein einfaches Steckerziehen.

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Zeitsprung: Am 20.3.1991 stirbt Eric Claptons Sohn bei einem Sturz aus dem Fenster.

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Zeitsprung: Am 18.8.1964 starten die Beatles zu ihrer ersten US-Tour.

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Foto: Universal Music

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 18.8.1964.

von Victoria Schaffrath und Christof Leim

Am 18.8.1964 starten John, Paul, George und Ringo ihre Reise nach Amerika, um dort ihre erste volle US-Tour zu spielen. Nebst skurrilen Anekdoten und einem Treffen mit Bob Dylan hält die Tour jedoch auch brenzlige Situationen bereit, die schon am Tag der Anreise beginnen. Wir erinnern uns, wie die Beatles die „British Invasion“ vollzogen.

Hört euch hier die das damals aktuelle Album A Hard Day’s Night an:

Bereits im Februar 1964 hatten die Beatles vier Shows in den Vereinigten Staaten gespielt und so den Grundstein für die Massenbegeisterung gelegt. Am 18. August 1964 reist die Band dann von London aus für weitere 26 Termine über den Teich und muss unterwegs zweimal anhalten, um das Flugzeug zu betanken. Mit jedem Boxenstopp werden die Umstände wahnsinniger: Erwarten sie beim ersten Halt in Winnipeg, Kanada noch 500 Fans und einige Radiojournalisten, zählt man wenige Stunden später in Los Angeles bereits 2.000 kreischende Anhänger und ein stattliches Presseaufgebot. Bei Halt Nummer drei in San Francisco zeigt die Uhr 18:24 und 9.000 Beatles-Fans machen ihrer ohrenbetäubenden Begeisterung Luft.

Einige Meilen vor dem Flughafengebäude errichten Organisatoren in weiser Voraussicht „Beatlesville“. Was sich nach Freizeitpark oder luxuriösem Rückzugsort anhört, ist lediglich ein abgezäunter Bereich, in dem die „Fab Four“ für Fotos posieren sollen. Die Zäune halten jedoch der schieren Kraft der „Beatlemania“ nicht stand. Als mehr und mehr Fans sich gegen die Absperrung drücken, gibt sie nach. Lennon, McCartney, Harrison und Starr entkommen im letzten Augenblick in die Sicherheit ihrer Limousine, die sie in ihr Hotel bringt.

Die „Fab Four“ auf dem Titel des „Life“-Magazins während ihrer US-Tour im Sommer 1964)

Während eine Hälfte des Quartetts, nämlich Paul und George, das Gesehene erst einmal verarbeiten muss, rappelt sich der Rest der Truppe auf: John, Ringo, Publizist Derek Taylor und weitere Mitglieder der Entourage sowie Little Richards Organist (und später beinahe fünfter Beatle) Billy Preston wollen das kalifornische Nachtleben unsicher machen und landen wenig später im Rickshaw, einem Laden in Chinatown, der auch andere prominente Gäste aufweist. 

Starr erinnert sich später wohlwollend an eine Begegnung mit dem Schauspieler Dale Robertson: „Wir gingen in eine Bar, und er war da. Wow, Dale Robertson! Wir nahmen einen Drink, aber in Kalifornien schließt alles um zwei Uhr morgens. Sie schlossen also die Bar, der Kellner und alle anderen gingen raus, aber dann gingen wir wieder rein und machten weiter. Ich habe es geliebt.“ Dass die Polizei die von Beatles-Fans konfiszierten Drogen ungefragt an die Band weiterreichte (!), hat sicher zu diesem positiven Gesamteindruck beigetragen.

Am nächsten Tag geht die Tour dann so richtig los: Die Beatles spielen im Cow Palace in San Francisco vor 17.130 Zuschauern. Auch hier müssen sie flüchten, nachdem die Bühne von Fans gestürmt zu werden droht. Sie lassen buchstäblich die Instrumente fallen und werden in einem Krankenwagen zum Hotel transportiert, da ihre Limousine belagert wird. Die „Beatlemania“ erreicht im Verlauf dieser Tour fiebrige Höhen, und die vier Jungs aus Großbritannien lernen die Schattenseiten des Erfolgs kennen. Besonders John Lennon tut sich schwer: „Die Leute denken, Berühmtheit und Geld bringen Freiheit, aber das tun sie nicht.“ 

Während dieses Amerika-Aufenthaltes treffen sie jedoch auch auf Bob Dylan und äußern sich öffentlich gegen die dort noch übliche Segregation. Nicht zuletzt entsteht aus der klaustrophobischen Situation auch der Song Help!, den die Briten 1965 veröffentlichen sollen.

Zeitsprung: Am 18.12.1962 beginnen die Beatles ihr finales Engagement im Star-Club – Sex, Drogen, Pilzköpfe in Hamburg.

 

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