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Popkultur

Die musikalische DNA von Soundgarden

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Mitte und Ende der achtziger Jahre fanden sich rund um die Stadt Seattle im US-amerikanischen Bundesstaat Washington viele Bands zusammen, die Rock neu definieren wollten. Die pompösen siebziger Jahre lagen weit zurück, die Punk-Revolution war erlahmt und die Musik, die Anfang des Jahrzehnts als Hardcore bekannt wurde, verlor ebenso ihre Kraft. Metal hingegen – ob Heavy oder Thrash, amerikanisch oder britisch – war mittlerweile in den großen Stadien angekommen. Das konnte unmöglich der richtige Ort für Gegenkultur sein!


Hört hier in die musikalische DNA von Soundgarden rein:

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Soundgarden war eine der Bands, die es anders machen, die eine Alternative anbieten wollten. Ihre Lyrics waren poetischer, die Musik bewegte sich zwischen stiller Introspektion und krassem Lärm. Soundgarden waren von Anfang an nuancierter, differenzierter und abwechslungsreicher als viele ihrer Vorgängerbands und vor allem als die meisten der zeitgenössischen Gruppen. Was allerdings niemanden daran hinderte, sie mit vielen anderen Bands in einen Topf zu werfen. Von Alice In Chains über Pearl Jam zu Nirvana: Soundgarden ist Grunge, hieß es. Ein problematischer Begriff, denn nicht nur hatten diese Bands nur bedingt viel miteinander zu tun. Auch wird er der musikalischen Komplexität der Gruppe schlicht nicht gerecht. „Wir waren nie Grunge, sondern nur eine Band aus Seattle”, fasst Ben Shepherd es einst zusammen.

The Velvet Underground, die Meat Puppets, Killing Joke und Metallica nannte Leadgitarrist Kim Thayil als Eckpfeiler ihres „Klanggartens“ und der 2017 durch Suizid aus dem Leben geschiedene Sänger Chris Cornell bezog sich in seinen Texten unter anderem auf die Werke der Dichterin Sylvia Plath. Ein noch genauerer Blick auf die musikalische DNA von Soundgarden verrät, warum Soundgarden so wichtig für die Rock-Musik der Achtziger, Neunziger und dem neuen Jahrtausend waren und bleiben. In ihrer Musik läuft Härte und Zärtlichkeit, Dunkelheit und Optimismus zusammen wie bei keiner anderen Gruppe – ob nun aus Seattle oder nicht.


1. Skin Yard – The Blind Leading The Blind

Aber fangen wir doch genau dort an, denn um Seattle führt kein Weg herum. Kim Thayil und Chris Cornell wurden hier geboren und Thayil lernte hier an der High School Hiro Yamamoto kennen, der gemeinsam mit den beiden anderen im Jahr 1984 Soundgarden gründen sollte. Zuerst aber gab es die Band Shemps mit Cornell am Schlagzeug und Yamamoto am Bass, der später von Thayil abgelöst werden sollte. Nach Ende der Band blieben sie in Kontakt, fanden für Jam-Sessions zusammen und siehe da, Soundgarden – benannt nach einem Landschaftskunstwerk von Douglas Hollis in der Nähe ihrer Heimatstadt – war geboren und wurde bald von Scott Sundquist ergänzt, der von Cornell das Drumkit übernahm.

Nach einigen Konzerten veröffentlichte die Gruppe ihre ersten drei Songs auf der Compilation Deep Six neben Bands wie den Melvins und Malfunkshun. Neben dem Sub Pop 100-Sampler und Green Rivers Come On Down-EP gilt die Sammlung als eines der frühsten Dokumente des neuen Sounds von Seattle, der später unter dem unglücklichen Namen Grunge zusammengefasst werden sollte. Wichtig war für Soundgarden vor allem die Verbindung zur Band Skin Yard, deren Werk heute fast vollständig in Vergessenheit geraten ist und die doch als großer Einfluss auf Gruppen wie Green River, Screaming Trees und natürlich Soundgarden gelten. Nicht allein, weil Skin Yard-Schlagzeuger Matt Cameron Sundquist bei Soundgarden dauerhaft ersetzen sollte…


2. Nirvana – About a Girl

Nicht selten hat es den Anschein, als wäre die neue Generation von Bands aus Seattle ein eingeschworener Haufen gewesen, als hätten sie zusammen in verräucherten Backstageräumen die weltweite Grunge-Revolution geplant. Das ist ein Mythos, die Realität war bei weitem profaner: Die einzelnen Gruppen kannten einander zwar, mochten einander mehr oder weniger, bewegten sich bisweilen aber in völlig verschiedenen Kreisen. Am nächsten kamen sich Soundgarden und Nirvana etwa in den Charts, als Badmotorfinger und Nevermind um die Pole Position stritten. Wer damals gewann, wissen wir.

Doch jeder noch so absurde Mythos enthält mitunter ein Quäntchen Wahrheit. Nirvana-Frontmann Kurt Cobain zählte zu den größten Fans von Soundgarden und Gerüchten zufolge soll er ihretwegen auf das Label Sub Pop zugegangen sein, wo 1989 das Debütalbum seiner Band erschien. In den Credits von Bleach wird ein gewisser Jason Everman genannt, der auch auf dem Cover zu sehen ist – ab Februar des Jahres verstärkte er die Band an der Gitarre. Zu hören war er darauf allerdings nicht und verließ Nirvana nach wenigen Monaten, um woanders anzuheuern: Everman wurde Bassist von Soundgarden.


3. The Beatles – Come Together

Diese Anekdote verdeutlicht wohl am besten, was es mit der Seattler Szene auf sich hatte: Es war ein ständiges Kommen und Gehen, personelle Überschneidungen bei einigen der größten Bands dieser Zeit waren gang und gäbe. Everman, der später eine erfolgreiche Karriere in der US-amerikanischen Armee aufnahm, verließ Soundgarden auch schnell wieder und wurde von Ben Shepherd ersetzt, der seitdem den Bass schwingt. Neben der LP Loudest Love und dem Live-Video Louder Than Live war Everman allerdings noch auf einem eher ungewöhnlichen Cover vertreten: 1990 interpretierten Soundgarden Come Together von den Beatles neu.

Come Together wurde als B-Seite zur Maxi Hands All Over vom Loudest Love-Album veröffentlicht und markierte den Beginn einer kleinen Soundgarden-Tradition, ihren Singles Cover-Versionen von bekannten Songs aus der Rock- und Pop-Geschichte beizugeben. Dabei war schon das Original voller Anspielungen auf berühmte Stifterfiguren, die auch für Soundgarden wichtig waren wie etwa Muddy Waters (mit der Zeile „He got muddy water, he one Mojo filter“ nach dem Waters-Stück Got My Mojo Workin‘). Den Helden des Blues und dem Rock’n‘Roll-Vorläufer Rhythm and Blues zollten Soundgarden schließlich auch an anderer Stelle Tribut – siehe zum Beispiel ihre Interpretation von Smokestack Lightning von Howlin’ Wolf.


4. Led Zeppelin – In My Time of Dying

Dass der moderne, von Metal und Punk gleichermaßen inspirierte Rock-Sound der Gruppe im Blues wurzelt, ist aus heutiger Sicht nicht sofort erkenntlich. Damals allerdings hörten alle vor allem eine Band aus dem Sound der frühen Veröffentlichungen des Quartetts heraus: Led Zeppelin, selbst so etwas wie britischen die Traditionsverwalter des Blues Rock. Es ist vielleicht eine Ironie der Musikgeschichte, dass ausgerechnet diejenige Band, deren Karriere von Plagiatsvorwürfen begleitet wurde, dermaßen viele Nachahmer auf den Plan rief. Soundgarden aber, so meinte die Presse früher, gehörten unbedingt dazu.

Es ist aber eben auch schwer von der Hand zu weisen, dass Soundgarden sich einiges von Led Zeppelin abgeguckt haben. Jimmy Page und Co. hatten schließlich vorgemacht, wie sich Härte und Eleganz, Energie und Virtuosität miteinander vereinen ließen. Dass insbesondere Cornell den Gesang Robert Plants genau studiert hatte, lässt sich nicht leugnen. Bei ihrem letzten Konzert vor Cornells Tod im Mai 2017 spielte die Band sogar einen Led Zeppelin-Song an. Kaum mehr als eine Stunde, bevor sich Cornell in seinem Detroiter Hotelzimmer erhängte, sang er die Zeilen des von Led Zep aufgepeppten Traditionals mit dem Titel In My Time of Dying


5. The Doors – Waiting for the Sun

Aus ihrem Faible für den klassischen Rock der sechziger und siebziger Jahre machten Soundgarden im Allgemeinen keinen Hehl. Wieso auch? Bands wie Led Zeppelin oder auch die Doors hatten schließlich mit ihren monumentalen Riffs den Weg für den Sound der Band geebnet. Ein Cover von The Doors‘ Waiting for the Sun erschien auf der limitierten Before the Doors: Live on I-5-EP im Jahr 2011, wurde allerdings bereits 1996 bei einem Soundcheck aufgenommen, derselben Zeit also, welches das Live-Album Live on I-5 abbildet.

Was die Band an den Doors faszinierte, ist offensichtlich. Auch Cornells Interesse an ihrem enigmatischen Frontmann Jim Morrisson erklärt sich fast wie von selbst. Morrisson war einer der wenigen Sänger seiner Generation, der Songtexte immer auch als Lyrik verstand. Während sich Morrisson allerdings eher für die Kraft des Unbewussten mit all ihren sexuellen Implikationen interessierte, siedelten sich Cornells Texte auf der Schattenseite des Lebens an. Die Texte von Superunknown beispielsweise wurden von den Gedichten der Schriftstellerin Sylvia Plath inspiriert, selbst nicht unbedingt für eine lebensbejahende Einstellung bekannt. Da bedeutete es für Cornell vielleicht eine schöne Abwechslung, statt Black Hole Sun mal folgende Zeilen zu singen: „Can you feel it / Now that Spring has come / That it‘s time to live in the scattered sun“.


6. Jeff Buckley – Last Goodbye

Das Rätselhafte und Mysteriöse, das Existentielle und Düstere sind fester Bestandteil von Soundgardens musikalischer DNA. Während andere Bands aus dem Seattler Wirkungskreis ihre Depressionen, ihren Weltschmerz und ihre Drogenprobleme in unbändiger Wut kanalisierten, ließen Soundgarden immer auch Verletzlichkeit zu. Wut und Schmerz gehen in ihrer Musik Hand in Hand, was für die Rock-Welt eher ungewöhnlich ist. Ein Songwriter allerdings war dafür beispielhaft: Jeff Buckley. Obwohl der früh und unter ungeklärten Umständen im Mai 1997 verstorbene Sänger zu Lebzeiten nur ein einziges Album veröffentlichte, ist sein Einfluss auf die Rock-Musik der neunziger Jahre und darüber hinaus kaum zu überschätzen.

Einer seiner größten Fans war Chris Cornell, der fast auf den Tag genau 20 Jahre später aus dem Leben schied. Er sollte ursprünglich das unfertige zweite Buckley-Album (heute als Sketches for My Sweetheart the Drunk bekannt) nach dessen Tod vollenden. „Er hatte eine Aura”, erklärte Cornell. „Es ist unmöglich zu sagen, was ein Typ wie er an sich hat, dass es so viele Menschen in seinen Bann zieht. Aber er hatte mehr davon als jeder andere Mensch, den ich je getroffen habe.“ Ab 2011 stand bei Solo-Shows Cornells immer ein Hocker mit einem roten Telefon drauf auf der Bühne – ein Geschenk von Buckleys Mutter, die Cornell das Telefon aus Buckleys Besitz vermacht hatte. Der Anruf für ein Last Goodbye kam allerdings nie.


7. Guns N’Roses – November Rain

Bevor es zu deprimierend wird, möchten wir eins einwerfen: Soundgarden können genauso gut ziemlich viel Arsch treten! Ihr eigener Musikgeschmack bezog sich schließlich selbst nicht allein aus wehmütiger Musik, sondern ebenso aus Rock, wie er leibt, lebt, feiert und Spaß macht. Gut, Guns N’Roses waren auf ihre eigene Art bisweilen nicht ohne, gehören aber wohl zu den eher fröhlichen Hard Rock-Kombos, die Soundgarden unter ihre Fittiche nahmen. 1991 – dem Jahr, in dem Use Your Illusion I & II erschienen – wählten Axl Rose und seine Mannen die noch junge Band als Support für ihre Nordamerika-Tour aus.

Sonderlich gut ging nicht. „Es hat nicht wirklich viel Spaß gemacht, jeden Abend 35 Minuten für 40 000 Menschen zu spielen“, resümierte Cornell. „Die meisten hatten unsere Songs nie gehört und scherten sich einen Dreck drum. Es war ziemlich bizarr.“ Das änderte nichts daran, dass Soundgarden und die enfants terribles des Hard Rock weiterhin gut befreundet blieben, als ihre Wege sich nach der Tour trennten. Als Guns N’Roses-Gitarrist Slash zum Beispiel 2009 sein selbstbetiteltes Solo-Debüt veröffentlichte, fand sich darauf auch eine Nummer mit Cornell am Mikrofon, Promise.


8. Black Sabbath – Into The Void

Abgesehen von der Unterstützung und allen zwischenmenschlichen Faktoren war es wohl auch Guns ‘N Roses erfrischendes Amalgam aus Punk und Metal, das Soundgarden reizte. Denn obwohl Soundgarden auch langsam und getragen können: Manchmal reißen sie die Verstärker gerne bis 11 auf, wie es bei Spinal Tap – der fiktiven Band aus der This Is Spinal Tap-Mockumentary, von der Soundgarden ebenfalls ein Stück coverten – heißen würde. Metal ist eine der großen Leidenschaften von beispielsweise Shepherd und Cameron, die 2000 die große Ehre hatten, an Tony Iommis Album IOMMI mitzuwirken. „Soundgarden sind ganz gut…“, ließ der sich zitieren. „Das ist ungefähr derselbe Kram, den wir gemacht hätten.“

Wir? Richtig, Iommi spricht von Black Sabbath, mit welcher er Heavy Metal aus der Taufe hob. Die schweren, schleppenden Riffs des italienischstämmigen Briten prägten die Klangsprache ganzer Generationen – einschließlich Soundgarden! Thayil bezeichnete seine eigene Truppe sogar als „Sabbath-beeinflusste Punkgruppe“ und auch Cornell bezog sich auf die Band, deren Song Into the Void vom Album Master of Reality sie 1992 für die EP Satanoscillatemymetallicsonatas neu interpretierten: „Als wir Soundgarden gründeten, waren wir ziemlich Post-Punk – sehr schrullig. Dann fanden wir irgendwie diesen neo-Sabbath-Psychedelic Rock, der bestens zu uns passte.“


9. Bauhaus – Bela Lugosi’s Dead

Moment mal, Post-Punk? Jetzt wird uns einiges klar. Wie schon einleitend erwähnt bezogen sich Thayil zufolge auf die Musik von The Velvet Underground, den Meat Puppets und Metallica, aber auch Killing Joke. Ferner standen Gang of Four, Wire und selbst die Goth-Pioniere Bauhaus hoch in ihrer Gunst. Die Band um Sänger Peter Murphy hob Punk auf ein neues Level und brachte Elemente aus Dub und Funk in ihre düsterschwarze Musik mit ein. Das begeisterte viele aus der Seattler Szene, weil Bauhaus für eine alternativen Zugang zur typischen Punk-Ästhetik standen: elegant und doch wild, schwermütig und doch energisch.

Daniel House, unter anderem Bassist bei Skin Yard und eine einflussreiche Figur im Seattle der achtziger Jahre, erinnerte sich in einem Interview an die Anfangstage von Soundgarden, als diese noch ein Trio waren. „Die Leute halten mich heute für verrückt, wenn ich das sage, aber sie waren eine komplette Bauhaus-Rip-Off-Band“, erklärte er. „Ich habe mir Chris immer als Schwamm vorgestellt. Zu dieser Zeit kaute er Bauhaus und Peter Murphy wieder…“ Und das sogar wortwörtlich: Der Song Entering von Soundgardens Debüt-EP Screaming Life ist deutlich an Bauhaus und ihren Song Bela Lugosi’s Dead angelehnt. Das beweist auch ein Live-Video der zu dieser Zeit schon aus vier Mitgliedern bestehenden Band aus dem Jahr 1988: Das Stück geht nahtlos in eine Cover-Version über…


10. Linkin Park – One Step Closer

Soundgarden stehen wie keine andere Band ihrer Generation für eine radikale Offenheit ein. Einerseits stilistisch, denn wie wir mit Blick auf ihre musikalische DNA erfahren haben, kannten die vier Kernmitglieder Cornell, Thayil, Shepherd und Cameron keine Scheu vor genrefremder Musik und mischten sich ihren eigenen musikalischen Cocktail. Andererseits waren es auch die Lyrics Cornells, die Soundgardens Musik zu etwas Besonderem machen. Es sind poetische Texte, die doch klar von den Seelenabgründen ihres Autors sprechen. Damit fand Cornell bei den nachfolgenden Generationen offene Ohren und Herzen vor.

Linkin Park gründeten sich 1996 und feierten ihren internationalen Durchbruch 2000 mit dem Album Hybrid Theory, drei Jahre nach der Auflösung von Soundgarden, die sich erst 2010 wiedervereinten. Obwohl die Band mit ihrer Mischung aus Metal, Hardcore und Hip Hop gänzlich anders klang, schienen sie doch das weiterzuführen, was Soundgarden einst begonnen hatten. Es verwundert deshalb kaum, dass sich die beiden Sänger Cornell und Chester Bennington anfreundeten. Bennington wurde sogar der Patenonkel von Cornells Tochter. Mehr noch als die Musik vereinte die beiden ihr tragisches Schicksal: Der eine wie der andere litt unter Depressionen. Nur etwas mehr als zwei Monate nach Cornells Freitod nahm sich auch Bennington am 20. Juli 2017 das Leben – es wäre Cornells 53. Geburtstag gewesen. Nun ist es an der neuen Generation, das Erbe der beiden Ausnahmesänger weiterzuführen.


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Zeitsprung: Am 8.8.2004 ist bei der Dave Matthews Band die K**ke am Dampfen.

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WMG

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 8.8.2004.

von Timon Menge und Christof Leim

Im Sommer 2004 tourt die Dave Matthews Band durch die USA. Als die Gruppe in Chicago gastiert, schicken die Musiker ihren Fahrer Stefan Wohl alleine Richtung Hotel. Der kommt auf die Idee, das Busklo über dem Chicago River zu entleeren. Nur fährt unter der Brücke gerade ein Ausflugsschiff…

Hier könnt ihr euch Busted Stuff von der Dave Matthews Band anhören: 

Die Polizei von Chicago staunt nicht schlecht, als sie es am 8. August 2004 mit dem Tourbus der Dave Matthews Band zu tun bekommt. Schlagen sich die Gesetzeshüter im Bezug auf Rockbands üblicherweise mit den typischen „Berufskrankheiten“ wie Drogendelikten oder leichter Körperverletzung herum, hat sich der Fahrer der amerikanischen Jam-Rocker an jenem Tag einen ganz besonderen Fauxpas geleistet, der mehr als 100 Leuten einen echt beschissenen Tag beschert. Leider im Wortsinn… 

Zur Tatzeit befinden sich Dave Matthews und seine Musiker nicht im Bus, Fahrer Stefan Wohl ist alleine unterwegs. Als er sich dazu entscheidet, das Busklo über dem Fluss zu leeren, hat er nicht im Blick, dass gerade das Ausflugsschiff Chicago’s Little Lady unter der Kinzie Street Bridge entlangfährt. Mit voller Wucht erwischt die Ladung die über 100 Touristen.

Für die Betroffenen gibt es auf dem engen Gefährt keine Möglichkeit, dem Sturzbach aus 400 Kilo Fäkalien auszuweichen. Später beschreiben die Passagiere die Masse als „Regen aus faulig riechendem, braungelbem Schlamm“. Als Folge erkranken einige von ihnen, andere müssen mindestens ihre Kleidung entsorgen. „Keiner der Touristen leidet an irgendwelchen Folgeschäden“, stellt Staatsanwalt Robert Egan 2005 im Tribune klar.

Dave Matthews selbst zeigt sich umgehend engagiert und spendet jeweils 50.000 US-Dollar an die Friends Of The Chicago River und den Chicago Park District. „Wir arbeiten eng mit der Stadt zusammen, um all unsere Fragen bezüglich des Zwischenfalls zu beantworten“, erklärt die Band in einem Statement. „Wir möchten jetzt nur, dass der Heilungsprozess beginnen kann.“

Fahrer Stefan Wohl streitet seine Tat zunächst ab. Erst als er mit den Aufnahme einer Überwachungskamera konfrontiert wird, räumt er ein, die Ladung von der Brücke abgeworfen zu haben. Anschließend wird er zu 18 Monaten Bewährung verurteilt, muss 150 Sozialstunden leisten und eine Strafe von 10.000 US-Dollar zahlen. Die Stadt behält den Vorfall als „Poopgate“ in Erinnerung. 

Zeitsprung: Am 4.6.1997 treibt der Leichnam von Jeff Buckley im Mississippi.

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Popkultur

Zeitsprung: Am 7.8.1954 heiraten Johnny Cash und Vivian Liberto.

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Michael Ochs Archives/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 7.8.1954.

von Timon Menge und Christof Leim

Üblicherweise denkt man in Bezug auf das Liebesleben von Johnny Cash an seine Ehefrau June Carter Cash. Doch der „Man in black“ war bereits vorher einmal verheiratet – mit Vivian Liberto. Zunächst tauschen die beiden mehrere hundert Seiten Liebesbriefe aus. Cash leistet zu jener Zeit seinen Wehrdienst in Deutschland. Am 7. August 1954, also direkt nach seiner Entlassung, heiratet das Paar. Die Ehe hält zwölf Jahre, doch 1966 reicht Liberto die Scheidung ein.

Hier könnt ihr euch die wichtigsten Songs von Johnny Cash anhören: 

Der Startschuss für die Liebesbeziehung zwischen Vivian und Johnny fällt am 18. Juli 1951, als Cash sich gerade in einem Trainingsprogramm der Air Force befindet. Auf einer Rollschuhbahn in San Antonio lernt er die 17-jährige Vivian Liberto kennen. Drei Wochen lang treffen sich die beiden — doch dann wird Cash von der Armee für drei Jahre nach Deutschland geschickt, um sowjetische Botschaften zu entschlüsseln. Damals soll er sogar die Geheimnachricht von Tod Stalins aufgespürt haben.

Während seiner Abwesenheit schickt sich das Paar mehrere hundert Seiten Liebesbriefe. Im Juli 1954 feiert Cash seine Entlassung, nur einen Monat später heiratet er seine Vivian, ebenfalls in San Antonio. In den Jahren danach bekommen die beiden vier Kinder: Rosanne, Kathy, Cindy und Tara. Später zieht das frisch verheiratete Paar nach Memphis, wo Cash seine zukünftigen Kollegen Luther Perkins (Gitarre) und Marshall Grant (Bass) kennenlernt. Gemeinsam spielen die Musiker erste Aufnahmen für Sun Records ein, das Label, das auch Elvis Presley zu Bekanntheit verhalf. So ergeht es auch Cash, seine Karriere geht durch die Decke. Leider macht ihm der zunehmende Ruhm auch zu schaffen, er greift zu Alkohol und Pillen. Vivian sorgt sich um ihren Mann. Der schreibt zu ihrer Beruhigung den Song I Walk The Line.

1961 siedelt die Familie nach Kalifornien um, wo Cash den Johnny Cash Trailer Park betreibt. Aber: Sein Alkoholismus bringt ihn wiederholt mit dem Gesetz in Konflikt. Am 4. Oktober 1965 erreichen die Eskapaden einen ihrer traurigen Höhepunkte, als der Musiker an der Grenze von New Mexico verhaftet wird — mit unglaublichen Mengen an Aufputsch- und Beruhigungsmitteln in einem Gitarrenkoffer. Noch in der selben Nacht landet er im Gefängnis und wird zwei Monate später schuldig gesprochen. Er kommt allerdings mit einem verzögerten Urteil und einer Strafe von 1.000 US-Dollar davon.

Startet zuerst bei Sun Records durch, genau wie Elvis Presley: Johnny Cash

Doch die Verhaftung zieht noch ganz andere Probleme nach sich. Einen Tag nach der Gerichtsverhandlung landet ein Foto von Cash und seiner Vivian in sämtlichen Zeitungen — und viele Leser denken, dass die italienischstämmige Frau an Cashs Seite schwarz ist. In den Monaten danach erhält der Musiker nicht nur Hassbriefe, sondern auch Morddrohungen, vor allem aus dem Süden der USA. Die Auswüchse dieses Alltagsrassismus sind erschreckend.

In der Ehe läuft es davon abgesehen leider auch nicht gut: 1966 reicht Liberto die Scheidung ein und gibt als Grund den Drogen- und Alkoholmissbrauch ihres Mannes an. Außerdem sei er immer unterwegs gewesen, habe sie mehrfach betrogen und bereits während der Ehe eine enge Beziehung zu June Carter gepflegt. 

Einer von Vivian Libertos Gründen, sich von Johnny Cash scheiden zu lassen: seine Beziehung zu June Carter

June Carter lernt Johnny Cash auf Tour kennen, sie zieht gemeinsam mit der Carter Family durch die Lande. 1968 macht der Musiker seiner späteren Frau auf der Bühne einen Heiratsantrag. Sie sagt „Ja“ und hilft Cash dabei, seine Dämonen zu besiegen. Doch das ist wieder einmal eine andere Geschichte.

Zeitsprung: Am 12.9.2003 stirbt Country-Legende Johnny Cash im Alter von 71 Jahren.

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Popkultur

Zeitsprung: Am 6.8.1996 spielen die Ramones ihre letzte Show

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Ramones
Foto: Michael Ochs Archives/Getty Images

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 6.8.1996.

von Christof Leim

Nach über 20 Jahren und 2263 Shows ist Schluss: Die Ramones spielen am 6. August 1996 ihr letztes Konzert im Palace in Hollywood, Kalifornien.

Hört hier das letzte Studioalbum ¡Adios Amigos! der Ramones:

Über die Wichtigkeit der Band für den Rock’n’Roll müssen wir vermutlich nicht viele Worte verlieren. Es gibt kaum einen Akteur der wilden Spielarten der Musik, der nicht irgendwann mal einen der einfachen, aber damit umso effektiveren Punk-Rock-Songs der vier Lederjackenhelden aus New York geschmettert hat. Ramones-Cover gibt es von Metallica, Rob Zombie, Kiss, den Chili Peppers und unzähligen anderen. Motörhead haben der Kapelle sogar einen eigenen Song gewidmet.

Berühmt und erfolglos

Zum Zeitpunkt der letzten Show zeichnet sich das Ende schon ab: Die Band darf sich 1996 zwar berühmt und einflussreich nennen, aber entsprechend erfolgreich ist sie nicht. Auch die letzte Tour passiert noch im Van. Das geht irgendwann an die Substanz, und nicht um jedermanns Gesundheit steht gut. Vor allem sprechen Joey und Johnny Ramone schon seit Jahren kein Wort mehr miteinander, trotz Abertausenden an gemeinsam abgesessenen Kilometern, seit sie sich wegen einer Dame (die später Johnnys Ehefrau wurde) gestritten haben.

Am 6. August 1996 kommt dann das Ende, das finale Konzert von insgesamt 2263. Es findet statt im Palace in Hollywood in Kalifornien, wo Bandboss/-diktator Johnny Ramone mittlerweile wohnt – und damit fern von der Heimat in New York. Beim Abschied stehen einige Gäste mit auf der Bühne, darunter Chris Cornell, Eddie Vedder und Lemmy. Der sagt später: „Wenn das die letzte Show der Ramones war, dann ist das eine Beleidigung für die Intelligenz der Welt und eine Schande für den Rock’n’Roll. Sie sind eine der besten Bands, die es gibt.“

An diesem Abend spielen die Ramones 32 Songs, die finale Nummer ist das Dave-Clark-Cover Anyway You Want It. Ein Mitschnitt erscheint am 18. November unter dem Titel We’re Ramones Were Outta Here CoverOutta Here!. Zum letzten Aufgebot gehören neben Joey und Johnny noch Bassist C.J. und Drummer Marky. Ihre Wege trennen sich nach dem Konzert, die Musiker verabschieden sich nicht mal voneinander.

Fünf Jahre später, 2001, stirbt Sänger Joey an Krebs, ohne dass der Streit mit Johnny jemals beigelegt worden wäre. Der erliegt 2004 ebenfalls einem Krebsleiden. 2002 fällt Ur-Bassist Dee Dee einer Heroin-Überdosis zum Opfer. Der erste Schlagzeuger Tommy stirbt 2014, auch an Krebs. Damit weilen die originalen Vier nicht mehr unter uns, die Ramones sind endgültig Geschichte.

 

Zeitsprung: Am 24.8.1979 läuft der Ramones-Film „Rock’n’Roll High School“ an.

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