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Popkultur

Zum 55. Geburtstag von Krist Novoselic: Der stille Hüne in der Einsamkeit

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Dave Grohl & Krist Novoselic
Dave Grohl (l.) & Krist Novoselic (Foto: Frazer Harrison/Getty Images)

Es waren mal drei Freunde. Der erste ist tot, der zweite ein Weltstar. Und der dritte? Feiert fernab des Trubels seinen 55. Geburtstag auf einer Farm: Das Bohei um Nirvana war Krist Novoselic eigentlich immer zu viel. Lieber schon spielt er mit Johnny Cash oder vertont Gedichte. Ein Blick auf ein Rockstar-Leben im Ruhestand.

von Björn Springorum

Er ist buchstäblich der Größte: Mit seinen 2,01 Metern überragt Krist Novoselic seine Nirvana-Kollegen Kurt Cobain und Dave Grohl um einen knappen Kopf. Während aus Cobain der unfreiwillige Märtyrer der Grunge-Bewegung wurde, der suizidale Posterboy einer verlorenen Generation, während Dave Grohl nach dem Tod des Sängers mit den Foo Fighters weitermacht, ist Novoselic trotz seiner auffallenden Größe nie jemand gewesen, der in den Mittelpunkt strebt. Wenn, dann geschieht es meist unfreiwillig.

Redselig wird Novoselic meist nur, wenn er stoned ist, wie das eine oder andere Video unterhaltsam unter Beweis stellt. Überwiegend agiert er aber einfach als Fels in der Brandung, der insbesondere in der sehr körperlichen Frühphase von Nirvana gefragt ist, wenn das Publikum oder ein Security-Schläger mal wieder übermütig werden. Für irgendwas muss so eine kapitale Größe ja schließlich gut sein!

Zuhause im Höllenloch

1965 als Sohn kroatischer Einwanderer im kalifornischen Compton zur Welt gekommen, zwingen die explodierenden Immobilienpreise im Großraum Los Angeles die Familie Novoselic dazu, 1971 nach Aberdeen im nordwestlichen Washington überzusiedeln. Gentrifizierung ist überall! Nachdem er 1980 für ein Jahr nach Kroatien geschickt wird, kommt er wieder, ein 16-jähriger Junge, der fließend kroatisch spricht, aber in den USA doch wieder von vorn anfangen muss. Er zieht sich in die Musik von Led Zeppelin und Black Sabbath zurück, entdeckt später auch die Sex Pistols und die Ramones. Was man eben so mcht als Teenager in einem Kaff, das früher als Hellhole of the Pacific bezeichnet wurde.

Fäkalien und Creedence Clearwater Revival

Seine Faszination für die lokalen Weirdos der Melvins bringt ihn eines Tages mit Kurt Cobain zusammen. Der ist eigentlich ein Kumpel von Novoselics jüngerem Bruder Robert, hängt aber sehr bald nur noch mit Krist ab. Es wird dennoch viele Monate dauern, bis sich Novoselic endlich mal dazu durchringen kann, das Demo-Tape von Cobains geschmackvoll Fecal Matter getaufter Punk-Band anzuhören. Ihm gefällt, was er hört, er und Kurt gründen eine Band. Eine Woche später ist wieder Schluss. Läuft doch nicht so. Sie raufen sich aber wieder zusammen, als sie hören, dass die Melvins 80 Dollar pro Show einsacken. Sorry, Leute, aber Punk ist das nicht gerade! Das, was jetzt kommt, auch nicht: Eine Creedence-Clearwater Revival-Coverband, bei der Cobain trommelt und Novoselic Gitarre und Gesang übernimmt. Zuhülf!

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Irgendwann raufen sie sich zwar zusammen und nehmen mit dem Drummer Chad Channing das Nirvana-Debüt Bleach auf. Aber so ganz läuft es dennoch nicht. Buzz Osborne, der Strubbelsänger der Melvins, kann sich das offensichtlich auch nicht länger ansehen: Er schickt die beiden zu einem Konzert der Punk-Band Scream, bei der ihnen sofort dieser wie irre auf seine Drums einprügelnde Schlagzeuger auffällt. Es ist, klar, Dave Grohl. Grohl ist der fünfte Schlagzeuger, an dem sich Novoselic und Cobain versuchen. Derart große Probleme mit dem Auffinden des richtigen Galeerentrommlers hatten vor ihnen wohl nur die Beatles.

Johnny Cash und Paul McCartney

Der Rest ist schnell erzählt: Nevermind, Weltruhm, In Utero, noch mehr Weltruhm, am 5. April 1994 das abrupte Ende der erfolgreichsten und wichtigsten Band einer ganzen Generation. Während Grohl mehr oder weniger direkt mit den Foo Fighters weitermacht und das selbstbetitelte Debüt im Alleingang einspielt, zieht sich Novoselic zurück. Mit Sweet 75 und Eyes Adrift gründet er zwei Bands und veröffentlicht jeweils eine Platte; mehr als halbherzige Beschäftigungstherapien sind die aber nicht.

Viel eher sein Ding sind Kollaborationen mit anderen Künstlern, kurzzeitige Engagements ohne große Verpflichtungen, ohne Rummel und Crowds von 50.000 austickenden Fans. Er spielt mit Johnny Cash und mit Paul McCartney, hilft auch mal seinem alten Buddy Dave Grohl mit seinem Akkordeon aus. Er macht Musik, wann und mit wem er möchte. Kein Druck, keine Verträge, vor allem keine langen Tourneen. Bei seiner Körpergröße ist eine Reise im Tourbus ja auch ungefähr so angenehm wie lebendig begraben zu werden.

Vor allem aber nutzt Novoselic die Zeit seit dem Ende von Nirvana für seinen politischen Aktivismus. Seit der High School interessiert ihn die Politik, er unterstützt Barack Obama, obwohl er bald danach genug von den Demokraten hat. Das Zwei-Parteien-System sei zu sehr Top-Down, meint er, und setzt sich seither für grundlegende politische Reformen ein. Alles ohne Hektik und mit der gegebenen Ruhe eines Mannes Mitte 50, der schon mit 30 alles erreicht hat, was man in diesem Business erreichen kann. Und ein bisschen mehr.

Entsprechend tiefenentspannt lebt er mit seiner Frau Darbury Ayn Stenderu auf einer Farm bei Deep River in Washington. Das muss man sich so vorstellen: Wald, Wiesen, noch mehr Wald, Seen und irgendwo mittendrin ihre Farm. Hier beobachtet Novoselic Vögel, vertont Texte von Walt Whitman mit der Lagerfeuergitarre, denkt nach und erntet ganz bestimmt auch an seinem heutigen 55. Geburtstag das Gemüse, das sie hier selbst anbauen. Ah, Rockstar im Ruhestand müsste man sein.

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40 Jahre „Nebraska“: Als Bruce Springsteen durch Zufall zum einsamen Cowboy wurde

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Bruce Springsteen
Foto: Bill Marino/Getty Images

Vor 40 Jahren nimmt Bruce Springsteen Demos auf, die er eigentlich mit seiner E Street Band einspielen will. Er entscheidet sich dagegen – und veröffentlicht mit Nebraska sein vielleicht bestes Album.

von Björn Springorum

 

Hier könnt ihr euch Nebraska von Bruce Springsteen anhören:

Die Fabeln der Arbeiterklasse und der Mythos Amerikas sind Tropen, ohne die Bruce Springsteens Kanon auseinanderfallen würde. Immer schon haben ihn die Geschichten der vermeintlich einfachen Leute mehr interessiert als alles andere. Die Folklore der Menschen, die die Vereinigten Staaten von der Ostküste westwärts erschlossen und aufgebaut haben, die Arbeiter an den Docks, den Schienen, in den Minen.

Im Oktober 1980 veröffentlicht der Boss mit The River ein vielbeachtetes Doppelalbum voller jener Themen. Ein ganzes Jahr ist er damit auf Tour, vor allem in den USA, taucht auf den langen Fahrten über die Highways erneut tief ein in den Mythos des Wilden Westens. Die Eindrücke, Begegnungen und Erfahrungen inspirieren ihn in seinem Zuhause in New Jersey zu neuer Musik. Er verwendet vor allem die akustische Gitarre, eine Mundharmonika oder ein Tambourin für die Demo-Aufnahmen, die er als Grundlage für die eigentliche Studioarbeit mit seiner E Street Band nutzen will.

Drei Akkorde für ein Halleluja

Doch der folkloristische, pure, rohe Charme der oftmals mit drei Akkorden auskommenden Stücke bringt etwas in ihm zum Schwingen. Zwar arbeitet er im April 1982 mit seiner Band an Rock-Versionen dieser Song; das Ergebnis, das sagt ihm jedoch nicht zu. Für ihn fehlt den Songs im Bandkontext der verwunschene Americana-Kontext, die Seele des Landes, aus dem er sie schöpfte. Er und sein Manager Jon Landau entscheiden, diese spärlich instrumentierten Songs vom Rest zu trennen und aus ihnen eine Springsteen-Soloplatte mit Namen Nebraska zu machen. Aus den als Electric Nebraska bekannten Sessions sollen dennoch acht Songs für den Nachfolger Born In The U.S.A. von 1984 hervorgehen. Unproduktiv ist echt anders.

Eine magische Nacht

Im Grunde ist Nebraska somit ein Album, das am 3. Januar 1982 erschaffen wird. In den Abend- und Nachtstunden nimmt Bruce Springsteen wie entfesselt 15 Demos auf. Die meisten davon landen auf Nebraska. „Ich war immer nur so lang im Studio, weil das Komponieren so viel Zeit brauchte“, so sagte Springsteen mal. „Deswegen besorgte ich mir einen kleinen Vierspurrekorder, um schon mal grobe Songs aufzunehmen, die ich dann der Band zeigen würde. Ich hatte also dieses Tape wochenlang mit mir dabei, bis ich merkte: Das ist kein Demo, das ist das Album.“

Bis heute ist Nebraska ein einnehmendes, sehnsüchtiges Fernweh-Folk-Album voller Antihelden, tragischer Geschichten und amerikanischer Weite. Es lebt vom kargen Charme und von einem Schwermut, den man in dieser Intensität noch nicht von Springsteen vernommen hat. Passt zu den Themen: Die Songs drehen sich um einfache Menschen, vom Pech verfolgt oder in die Kriminalität abgerutscht. Im Titelsong geht es um den Mörder Charles Starkweather auf dem Weg zum elektrischen Stuhl, im abschließenden Reason To Believe brechen zumindest vereinzelte Sonnenstrahlen durch die tiefhängenden Wolken über den Great Plains.

Hommage an Atlantic City

Keine Inspiration braucht er natürlich für Atlantic City, Ode und Brandbrief an die einstmalige Casino- und Strandhochburg am Atlantik. Die Stadt ist wie ein pars pro toto für den Mythos der untergegangenen USA, ein einstmals glanzvoller Boardwalk, jetzt weitgehend verlassen, heruntergekommen. Im Song singt Springsteen mit Verzweiflung in der brechenden Stimme von einem Liebespaar, das nach Atlantic City flüchtet, wo er aufgrund seiner Schulden in der organisierten Kriminalität versinkt. Es sind Songs wie dieser, von dem sich die Killers zu ihrem Akustikalbum Pressure Machine inspirieren lassen.

Nebraska ist auch 40 Jahre später ein Monument und Springsteens wahrscheinlich bestes Album. Bis Western Stars (2019) ist es das einzige Album, das nicht auf einer eigenen Tournee vorgestellt wird. Es war ihm wohl immer zu düster.

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Zeitsprung: Am 4.6.1984 erscheint „Born In The U.S.A.“ von Bruce Springsteen.

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Review: „The End, So Far“ verschafft Slipknot neun neue Leben

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Slipknot
Foto: Venla Shalin/Getty Images

Das verflixte siebte Studioalbum wird bei Slipknot zur Wasserscheide: Nach zuletzt eher homöopathischen Änderungen im brachialen Soundbild stellen Corey Taylor und seine Maskencrew mit The End, So Far die Weichen für die Zukunft. Ihre beste Platte ist es nicht. Aber zweifellos eine beeindruckende.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch The End, So Far anhören:

Das Ende naht. Vielleicht nicht für Slipknot als Band. Aber definitiv für die Strukturen, in denen sich die Seelenstripper aus Iowa bisher bewegten: The End, So Far ist das letzte Album der Band für ihr Label Roadrunner und trägt das Ende der 25-jährigen Partnerschaft bereits im Titel.

Den Fans dürfte das egal sein. Für Slipknot geht dennoch eine Ära zu Ende. Und anstatt ein halbgares neues Album oder gar eine Best-Of auf den Markt zu werfen, um aus dem Vertrag zu kommen, geht man richtig in die Vollen. The End, So Far ist zwar nicht das brutalste, das heftigste, das härteste Album, das Slipknot jemals gemacht haben; das muss es aber auch gar nicht sein, dafür warne schließlich Iowa und Co. Zuständig.

Synthies, Chöre, klarer Gesang

Die siebte Platte porträtiert eine Band, die älter geworden ist. Und das endlich auch selbst anerkennt. Man umkreist solangsam die 50, da muss man nicht mehr so tun, als sei man 28. Deutlich wird das sofort: Der Opener Adderall ist der vielleicht untypischste Slipknot-Song aller Zeiten: Getrieben von flirrenden Synthies, Chören und durchgehend klarem Gesang, erinnert die Nummer eher an David Bowie oder an Tool.

Slipknot achten sorgfältig und gewissenhaft auf Dynamik, auf Songreihenfolge und Stimmungsbilder. Sie sind eine Albumband, groß geworden in Zeiten, in denen man Platten noch ganz hörte. Dem werden sie auch mit The End, So Far gerecht. Mehr denn je breiten Slipknot ihre irisierenden Flügel aus, decken so viele musikalische Gefilde ab wie nie zuvor. Klar ist die Platte auch brutal, in einem Song wie H377 sogar so durchgehend, kompromisslos und nervenzerfetzend knallhart wie auf ihrem tollwütigen Exorzismus Slipknot. Überwiegend steht jedoch eine Balance zwischen abgründiger Härte und trostspendenden Momenten auf der Agenda.

Grunge-Gefühle

Slipknot wissen längst, wie man Dynamik ausschöpft und präzise einsetzt. Die tosenden, grollenden Abriss-Monumente wirken wenn überhaupt, dann noch heftiger als auf früheren, eher durchgebolzten Werken. Melancholische, schwebende Momente wie die Alternative-Rock-Nummer De Sade zeigen zwischendrin aber eben immer wieder, dass man Dämonen und mentalen Horror auch ohne durchgehendes Metal-Inferno verhandeln kann. Hölle, bei Acidic kommen sogar Grunge-Gefühle auf!

Das Vermächtnis der Toten

Einen mehr als ordentlichen Job macht der neue Percussionist und Drummer Jay Weinberg. Er versucht gar nicht erst, in die XXL-Fußstapfen von Joey Jordison zu trommeln, füllt sein dynamisches, tightes Spiel aber dennoch mit mancher Referenz an den 2021 verstorbenen Drummer – voller Respekt und Demut. Es ist der sensible und richtige Weg, die tragische Geschichte einer Band zu verhandeln und weiterzutragen: Nach Paul Gray ist Joey Jordison schon das zweite Mitglied, das Slipknot zu Grabe tragen mussten.

Das Vermächtnis der Toten lebt auch auf The End, So Far fort. Ein Album voller Schatten, gespenstischer Melodien und gurgelnder Härte. Nicht alle Songs sind Treffer, manche verlieren sich in Post-Rock-Wolkengebilden und unpassenden Ausbrüchen. Unterm Strich bleibt aber eine knappe Stunde eindrucksvolles Flexen von einer Band, die ungebrochen vor Evolution, Kreativität und Aufbruchstimmung steht. Und endgültig keine Lust mehr hat, Konventionen zu pflegen oder Erwartungen zu erfüllen.

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Slipknot: Von Masken-Weirdos zu globalen Superstars

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30 Jahre „Küssen verboten“: Als die Prinzen zu Königen wurden

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Die Prinzen
Foto: Hulton Archive/Getty Images

Sie gründen sich noch zu DDR-Zeiten und werden gleich nach der Wende zu gesamtdeutschen Popstars: Vor 30 Jahren verkünden die Prinzen mehrstimmig: Küssen verboten! Ohrwurm in drei, zwei eins…

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch das Küssen verboten anhören:

Alles beginnt im Knabenchor. Mehr oder weniger alle späteren Mitglieder der Prinzen singen sich erst mal in ostdeutschen Chören die Seele aus dem Leib – Sebastian Krumbiegel, Wolfgang Lenk sowie Henri Schmidt etwa im weltweiten Leipziger Thomanerchor. Was man eben so macht in der DDR. Daraus entsteht eine erste Band mit dem unglücklichen Namen Die Herzbuben. Der Versuch: Mit A-capella-Stücken erfolgreich werden.

Annette Humpe greift ein. Zum Glück

Das klappt zwar ganz gut, aber das große Problem ist: Immer wieder verlieren Die Herzbuben Mitglieder, weil sie sich aus der DDR absetzen. Es dauert also noch bis nach der Wende, bevor die Geschichte endlich Fahrt aufnehmen kann. Zu verdanken ist das übrigens Annette Humpe, die mit Ideal große Erfolge feiern konnte und mit Blaue Augen einen gewaltigen Hit komponiert hatte. Sie wird auf die Band aufmerksam, erkennt das Potential und verfrachtet sie im November 1990 zu Anselm Kluge für erste Aufnahmen in dessen Studio. Ihr ist auch zu verdanken, dass man den Namen Die Herzbuben ablegt und sich auf Die Prinzen einigt. Mit den Wildeckern wollte man dann auch nicht unbedingt verwechselt werden.

Danach geht es schnell: Schon die erste Single Gabi und Klaus wird 1991 zum Erfolg, das Debüt Das Leben ist grausam kann sich mehr als eine Million Mal verkaufen und bringt sie auf Tour mit Udo Lindenberg. Danach soll natürlich schnell ein Nachfolger her. Deutschland ist nach David Hasselhoffs Niedersingen der Mauer wiedervereint und dürstet nach deutschsprachiger Popmusik, die Prinzen sind als ostdeutsche Band in den alten und neuen Bundesländern der absolute Verkaufsschlager.

Auch Olli Dittrich mischt mit

Ihr Rezept – A-capella-Gesang trifft Pop mit teils hintersinnigen, teils albernen Texten – trifft den unbeschwerten Zeitgeist, der nach all dem Drama einfach mal eine gute Zeit haben will. Nur ein Jahr nach dem Erstling sind Die Prinzen mit Küssen verboten zurück. Diesmal produziert Annette Humpe gleich das komplette Album und hilft der Band beim Texten, zusätzliche Unterstützung bei den Lyrics kommt von Comedian Olli Dittrich – so etwa der Text zu Kleines Herz.

Aufgenommen wird im Frühjahr 1992 in den Boogie Park Studios im Hamburg, am 28. September erscheint das zweite Album der Prinzen. Und wird ein ähnlich großer Erfolg: Es verkauft sich über 800.000 Mal, was damals drei Goldene Schallplatten bedeutet. Neben dem großen Erfolg der Single Küssen verboten ist es vor allem der von Sebastian Krumbiegel verfasste Song Bombe, der einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Anders als die humorigen, leichten Songs der Leipziger postieren sich Die Prinzen mit fast schon punkiger Attitüde klar gegen Rechtsextremismus.

Gegen rechte Gewalt

Gemeinsam mit Annette Humpe spielen sie Bombe live beim „Heute die! Morgen du!“-Festivals gegen rechte Gewalt in Frankfurt vor 150.000 Zuschauern. Als der Song im Februar 1993 als Single erscheint, gehen viele besorgte Eltern auf die Barrikaden. So viel Sex und Kritik ist man von den Prinzen nicht gewohnt. Dem Erfolg schadet es nicht. Im Gegenteil: Die große Tournee zu Küssen verboten wird zum Durchmarsch, zu den fast 60 Konzerten in den größten Hallen des Landes kommen über 200.000 Besucher.

In nur zwei Jahren sind Die Prinzen von einer ostdeutschen A-Capella-Seltsamkeit zu einer der größten Popbands des Landes geworden. Wieder vergeht nur ein Jahr, bis sie diese Erfolgsgeschichte mit Alles nur geklaut fortsetzen werden. Nicht übel für so ein paar Typen aus dem Knabenchor…

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Zeitsprung: Am 31.10.1965 probt die DDR-Jugend den Beat-Aufstand.

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