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Popkultur

Von Versace bis Bowie: Die nennenswertesten Queen-Kollaborationen

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Foto: Michael Putland/Getty Images

Gerade in der ersten Hälfte ihrer beinahe 50 Jahre zählenden Karriere zeigen sich Queen äußerst wählerisch, wenn es um musikalische Partner geht. Die ausgesuchten Kollaborationen, die die Band im Laufe der Zeit durchführt, hauen uns dafür umso mehr vom Hocker. Schauen wir uns die spektakulärsten Exemplare an.

von Victoria Schaffrath

Hört hier in Queens vergessene Tracks aus Queen Forever rein:

Als Verantwortliche für das erfolgreichste britische Album aller Zeiten und einen der wichtigsten Live-Auftritte überhaupt können Queen sich schon länger aussuchen, mit wem sie zusammenarbeiten wollen. Zu Ehren des 2018 veröffentlichten Freddie Mercury-Biopics Bohemian Rhapsody gibt es sogar ein ganzes Feuerwerk an Kollaborationen: Neu-Interpretationen durch Nachwuchskünstler wie Shawn Mendes und Troye Sivan bis hin zu Kollektionen mit Wrangler und Bademoden-Hersteller Vilebrequin halten für jeden Fan etwas bereit.


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Davor geht es etwas ausgewählter zu, wodurch die wenigen Kooperationen zu absoluten Glanzpunkten geraten:

1. David Bowie

Wenige Songs definieren die frühen Achtzigerjahre besser als Under Pressure von Queen und David Bowie. Die Leser des Rolling Stone wählen ihn gar auf Platz zwei der besten musikalischen Gruppenarbeiten. Die Entstehungsgeschichte hat mehr Versionen als David Bowie Alter Egos, zuletzt erzählt Brian May sie 2016 anlässlich des Ablebens des „thin white duke“.

Queen und Bowie, zu dem Zeitpunkt bereits vage bekannt, treffen sich in Montreux zum Musikmachen. Aus der Session kristallisiert sich schnell eine Melodie, als John Deacon als Antwort auf ein Riff von Brian May die berühmte Bassspur vorschlägt. Als er diese nach einem feucht-fröhlichen Mittagessen beinahe vergisst, muss Bowie nachhelfen. Auf Geheiß des Rotschopfs nutzt das Gespann dann eine experimentelle Methode, um weitere Elemente des Songs zusammenzutragen, hier entstehen die „De Dah Day“s von Mercury. Das Ergebnis soll für Queen die zweite, für Bowie die dritte Nummer-eins-Single in UK und ein weltweiter Erfolg werden, der unzählige Coverversionen inspiriert.

2. Montserrat Caballé

Zugegeben, ursprünglich erscheint Barcelona 1987 im Rahmen von Mercurys gleichnamigen Album mit der Katalanin Caballé. Die Stadt Barcelona hatte die Sängerin beauftragt, für die 1992 anstehenden Olympischen Spiele einen Song zu produzieren, für den sie sich die Unterstützung des Briten sichert. Die Zusammenarbeit läuft so gut, dass das Duo sie gleich auf einen ganzen Langspieler ausweitet. Die Präsentation des Songs bei der Eröffnungsfeier der Spiele erlebt Mercury leider nicht mehr, er erliegt im Jahr zuvor seiner AIDS-Erkrankung.

Als eines der anspruchsvollsten und erfolgreichsten Crossover-Projekte geht die orchestrale Single in die Musikgeschichte ein; spätestens als Queen sie 1999 auf dem Album Greatest Hits III neu veröffentlichen, gehört sie auch fest in den Katalog der Jahrhundertband.

3. Michael Jackson

Bevor alle Queen-Fans stirnrunzelnd vor ihre Plattensammlung treten: Nein, es gab zu Lebzeiten der übergroßen Stimmwunder Jackson und Mercury keine gemeinsame Single. An Versuchen mangelt es zwar nicht; der „King of Pop“ und Mercury hatten sich Anfang der Achtziger angefreundet und entschieden, gemeinsam Musik zu machen. Die Fertigstellung eines solchen Duetts scheitert letztlich an den Eigenheiten der beiden Exzentriker. Jackson sieht sich nicht in der Lage, ohne sein zahmes Lama im Studio aufzunehmen, Mercury lässt sich daraufhin von Manager Jim „Miami“ Beach rausboxen: „Miami, Liebling, du musst mich hier rausholen. Ich stehe mit einem Lama im Studio.“

Jackson ist’s recht, der findet nämlich nicht gerade Gefallen an den Koks-Resten, die Mercury auf seinem Wohnzimmertisch hinterlässt. So kommt die Öffentlichkeit zunächst nicht in den Genuss der drei Songs There Must Be More To Life Than This, State Of Shock und Victory. Letzterer bleibt bis heute unveröffentlicht, State Of Shock nehmen die Jacksons später mit Mick Jagger auf. There Must Be More erscheint immerhin als Mercury-Solo auf dessen Debütalbum Mr. Bad Guy. 2014 erhalten May und Roger Taylor dann die Rechte für den Jackson-/Mercury-Mix, sodass sie ihn auf dem Album Queen Forever veröffentlichen.

Etwas Gutes bewirkt die Zusammenarbeit jedoch schon zu Beginn der Achtziger: Ohne die Ermutigung von „Jacko“ wäre Another One Bites The Dust nie als Single erschienen.

4. Versace & Béjart

Freddie Mercury sagte einst, Queen habe „mehr mit Liza Minelli gemein als mit Led Zeppelin“. Wir stimmen zu: Ihre opulenten Balladen, theatralische Rock-Nummern und nicht zuletzt ihr Sinn für Bühnenauftritte machen aus der Band ein inspirierendes Gesamtkunstwerk, das durch die Geschichte ihres Sängers auch eine dramatische Seite bekommt. Der legendäre Choreograf Maurice Béjart macht aus dieser Mischung ein Ballett, das das Leben Mercurys und seines ebenfalls an AIDS verstorbenen Tänzers Jorge Donn feiern soll. Fehlt nur noch Gianni Versace, der die beeindruckenden Kostüme beisteuert und den Sinnesrausch perfekt macht.

Ballet For Life feiert 1997 in Paris Premiere und erscheint dieses Jahr als DVD, Blu-Ray, Digitalversion und Deluxe-Boxset inklusive Fotobuch. Zu Wort kommen neben Mercury, Béjart und Versace auch Tanz-Ikonen wie Arlene Phillips und Gil Roman.


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5. The Freddie Mercury Tribute Concert & Party At The Palace

Nach dem tragischen Tod Freddie Mercurys stellen die drei hinterbliebenen Königinnen ein Benefiz-Konzert auf die Beine, das sich gewaschen hat. Am 20. April 1992 treten May, Deacon und Taylor im Wembley-Stadium gemeinsam mit den größten Künstlern ihrer Zeit auf: Metallica, U2, Guns N’ Roses, Roger Daltrey, Zucchero, Robert Plant, George Michael, David Bowie und mehr lassen es sich nicht nehmen, Mercury Tribut zu zollen und nebenher eine stattliche Spendensumme für AIDS-Einrichtungen zu sammeln. Besonders im Gedächtnis bleiben die emotionalen Ansprachen der Gäste und die Bohemian Rhapsody-Version mit Elton John und Axl Rose.

Auch 2002 versammelt sich auf einer Bühne in Großbritannien alles, was Rang und Namen hat, dieses Mal jedoch aus freudigerem Anlass: Die Queen feiert fünfzigjähriges Thronjubiläum und Queen macht mit. Für eine Version von Radio Ga Ga überlässt Roger Taylor das Schlagzeug Phil Collins und macht es sich kurzzeitig am Mikrofon bequem, bevor er dieses für We Will Rock You an Brian May weiterreicht. Bohemian Rhapsody bestreiten sie mit den Darstellern des Queen-Musicals We Will Rock You und versammeln sich schließlich mit Sir Paul McCartney, Joe Cocker, Ozzy Osbourne und anderen teilnehmenden Künstlern für All You Need Is Love und Hey Jude von den Beatles. Den absoluten Gänsehaut-Moment liefert May jedoch, als er auf dem Dach des Buckingham Palace das Konzert mit God Save The Queen eröffnet.

6. Adam Lambert

Nachdem Queen 1997 bei der Uraufführung von Ballet For Live mit Elton John am Mikrofon auf der Bühne stehen, zieht John Deacon einen persönlichen Schlussstrich unter die Bandgeschichte und setzt sich zur Ruhe. Der Gastsänger hingegen stachelt May und Taylor immer wieder an: „Ihr Jungs müsst wieder spielen. Das ist ja, als hätte man einen Ferrari in der Garage und würde nur auf einen Fahrer warten.“ Über die Jahre entwickelt sich die Idee, Mercury nicht etwa zu ersetzen, das Lineup der Band aber durch unterschiedliche Sänger zu ergänzen. So gehen May und Taylor 2005 erstmals als „Queen +“ auf Tour und teilen sich bis 2009 regelmäßig mit Paul Rodgers die Bühne.

Freddie Mercury: Neues Greatest-Hits-Album „Never Boring“ zelebriert die Solokarriere des Queen-Frontmanns

Im selben Jahr treffen sie auf Adam Labert. Der junge Amerikaner kommt aus dem Musical-Bereich und tritt gerade bei American Idol an. Bereits beim Casting singt er Bohemian Rhapsody, ein Traum wird wahr, als er im Finale mit May und Taylor We Are The Champions einem Millionenpublikum präsentiert. Den Briten gefällt, was sie hören: 2011 macht man einen Deckel drauf, seitdem sind Queen + Adam Lambert unterwegs und bei Publikum und Kritikern so beliebt, dass sie 2019 gar die Academy Awards eröffnen.

Popkultur

Interview mit In Flames: „Sobald man ein paar Alben veröffentlicht hat, ist plötzlich alles voller Regeln“

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In Flames

Mit Foregone liefern In Flames das Album, auf das alle seit Reroute To Remain gewartet haben: Ein großes Melodic-Death-Metal-Album, das mehr als nur ein bisschen auf die legendären Neunziger schielt. Warum das nichts mit Nostalgie zu tun hat, wie die Schweden Fortschritt dosieren und was er gern an seinem 50. Geburtstag machen würde, verrät uns Sänger und Kappenträger Anders Fridén im Interview.

von Björn Springorum

Ihr habt schon vor Veröffentlichung des neuen Albums eine lange Europatournee gespielt. Was man so gehört hat, kam die ja wahnsinnig gut an. Wie war es, wieder unterwegs zu sein?

Ich weiß nicht, was, aber wir scheinen gerade irgendwas richtig zu machen. (lacht) Der Band geht es sehr gut und wir alle haben es genossen, endlich mal wieder eine richtige Tour zu spielen. Es war viel zu lang her.

Die Stimmung in In Flames ist derzeit also bestens?

Unsere Band verteilt sich ja mittlerweile auf Schweden und die USA, also waren wir wegen der Pandemie ewig nicht zusammen im selben Raum. Das war nicht einfach, hat unserer Beziehung aber gut getan. Wir konnten alle mal einen Schritt zurücktreten und in aller Ruhe betrachten, was wir uns da eigentlich aufgebaut haben. Als Band machst du ja nie Pause, du machst einfach immer so weiter, bis du ein wenig aus den Augen verlierst, was für ein gewaltiges Privileg das alles ist. Alle sind jetzt wieder so dermaßen hungrig auf die Band, alle ziehen an einem Strang. Außerdem sind alle in absoluter Topform. So eine hohe Qualität hatten wir bei In Flames noch nie.

Wie hast du die Pandemie überstanden?

Habe ich das? (lacht) Ja, wahrscheinlich schon. Es ging. Ich fühlte mich merkwürdig ruhig, als alles losging. Erstmals in meinem Leben gab es da ein Ereignis, das alle auf der Welt im gleichen Maße betraf. Ich fühlte mich allen anderen Menschen verbunden, so etwas hatte ich noch nie erlebt. Das änderte sich dann auch bei mir irgendwann in Richtung Frustration, aber zumindest die erste Phase war durchaus inspirierend.

„Ich weiß, dass wir die Hoffnung nie verlieren sollten“

Deine Texte waren ja immer sehr introspektiv und persönlich. Hat die Pandemie sie universaler gemacht?

Die Texte sind persönlich wie immer, richtig. Aber wenn ich so darüber nachdenke, dann sind sie tatsächlich mehr nach außen gerichtet. Ich beobachte mein Umfeld mehr.

Foregone sprüht nicht gerade vor Optimismus und Zuversicht. Wo findest du noch Hoffnung?

In meinem ersten Kaffee am Morgen? (grinst) Ansonsten ist es schwierig, das gebe ich zu. Ich sollte wahrscheinlich einfach aufhören, die Nachrichten zu lesen. Sicher, Hoffnung gibt es irgendwie immer, aber manchmal scheint es alles immer nur noch schlimmer zu werden. Es ist nicht einfach und sagt sich so leicht, aber ich weiß, dass wir die Hoffnung nie verlieren sollten. Für unser eigenes Seelenheil.

Foregone wurde aus Frustration und Angst geboren“

Auf der letzten Tour habt ihr die Songs der neuen Platte direkt mit sehr alten Songs gepaart. Zufall?

Ich finde, dass die neuen Songs sehr gut zu den eher älteren Sachen aus unserem Kanon passen. Irgendwas an ihnen transportiert diese Stimmung der Neunziger.

Hat das mit Nostalgie zu tun?

Ich weiß schon, dass einige der neuen Songs nach unseren ganz frühen Alben klingen, aber wir sehen das anders. Ich bin kein nostalgischer Mensch, ich schaue eigentlich nie zurück. Diese Elemente waren immer da und kommen jetzt einfach wieder ein wenig mehr zum Vorschein, denke ich. Foregone wurde aus Frustration und Angst geboren, diese beiden abgefuckten letzten Jahre sind in dieses Album geflossen.

„Man hört einem Song an, dass es ein In-Flames-Song ist“

Dann war es also keine bewusste Wurzelkunde?

Nein. Mit In Flames haben wir im Grunde nur ein Ziel: Wir wollen besser werden. Bessere Songwriter, bessere Musiker, bessere Menschen. Es ist ja nun mal so: Wir schreiben Songs, mit denen wir für immer leben müssen. Also haben wir keine andere Wahl als alles zu geben. Wer uns nicht mehr mag, kann einfach aufhören, uns zu hören, aber ich muss hinter diesen Songs stehen und sie Nacht für Nacht spielen.

Es kommt also nicht vor, dass ihr im Proberaum mal sagt: „Cooles Riff, klingt aber zu sehr nach Cloud Connected“?

Wir haben unseren Sound, von dem können und wollen wir uns auch gar nicht lösen. Manchmal klingt ein Riff also nach The Jester Race, manchmal nach Reroute To Remain. Man könnte natürlich auch sagen: Manchmal klingen In Flames nach In Flames (lacht). Wir versuchen, uns nicht zu wiederholen, aber auch unsere Gitarren haben nur diese Anzahl an Noten…

Und wie dosiert ihr dann Fortschritt?

Gute Frage. Es ist uns wichtig, uns immer weiterzuentwickeln. Aber wir wollen nie so weit gehen, dass man uns nicht mehr erkennt. Ich denke, das haben wir geschafft. Sicher gab es Änderungen und eine Menge Evolution, aber man darf nicht vergessen, dass wir mittlerweile sehr viele Jahre, sehr viele Tourneen und sehr viele Biere hinter uns haben. Doch unser Sound ist sofort erkennbar. Man hört einem Song an, dass es ein In-Flames-Song ist. Das liegt sicherlich an meiner Stimme, aber auch an der Art und Weise, wie wir Songs schreiben. Das können nur wir so.

„Jede neue Band ist voller Naivität und Aufbruchstimmung“

Wie ist Foregone entstanden?

Wir schreiben weder, wenn wir auf Tour sind, noch alleine für uns. Björn [Gelotte] und ich müssen im selben Raum sein, sonst gibt es keine Magie. Wir zehren voneinander, beflügeln uns gegenseitig. Was sich nie ändern wird: Wir schreiben Alben, keine Singles. Da werden wir für immer alte Schule bleiben.

Du wirst im März 50. Was macht das Älterwerden mit dir?

Es bringt mehr Ruhe. Privat wie musikalisch. Jede neue Band ist voller Naivität und Aufbruchstimmung. Und das ist ja auch das Schöne daran. Deswegen fand ich mein Zuhause in der Heavy-Metal-Szene: Es gab keine Regeln. Doch sobald man dann ein paar Alben veröffentlicht hat, ist plötzlich alles voller Regeln. Fremde sagen dir, was du tun darfst und was nicht und du wirst plötzlich unsicher und weißt nicht mehr, wo du stehst. Das ändert sich mit dem Älterwerden zum Glück wieder. Du wirst dein eigener Kompass und hörst auf deine innere Stimme. Ich mache das seit 1989, da bleibt schon bisschen was hängen.

Was darf man als Band nie verlieren?

Die Leidenschaft. Ich will auf die Bühne geben und das Gefühl haben, dass es auf der ganzen Welt nichts Besseres gibt. Wenn das mal nicht mehr da ist, höre ich auf. Warum sollte ich das sonst auf mich nehmen? Ich war 2022 fast pausenlos auf der ganzen Welt unterwegs…

Was wünschst du dir zum 50. Geburtstag?

Ein Urlaub auf einer einsamen Insel mit meiner Familie, weit weg von euch allen. (lacht)

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Zeitsprung: Am 3.9.2002 wagen In Flames etwas mit „Reroute To Remain“.

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Popkultur

Zeitsprung: Am 8.2.2013 verliert Axl Rose den Prozess gegen „Guitar Hero III“.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 8.2.2013.

von Christof Leim

2010 verklagte W. Axl Rose die Firma Activision, die das Computerspiel Guitar Hero III auf den Markt gebracht hatte, in dem auch Guns N’ Roses vorkommen. Der Sänger störte sich vor allem daran, dass beim Song Welcome To The Jungle Gitarrist Slash als spielbare Figur auftaucht. Nicht nur das: Sein alter Kollege ziert sogar die Verpackung. Mit seiner Beschwerde kommt Axl allerdings nicht durch…

Hört euch hier die Klassiker von Guns N’ Roses an und lest weiter:

Den Deal damals hatte Axl als Herrscher über das Guns-N’-Roses-Imperium abgesegnet. Dabei vereinbarte er mit der Firma, dass auf keinen Fall sein (damals) ungeliebter Ex-Kollege Slash zu sehen sein darf. Dass zudem einige Songs von dessen neuer Combo Velvet Revolver in der Bonussektion gespielt werden können, störte den Rotschopf ebenso. Nach Meinung von Axl habe die Firma ihn trotz entsprechender Versprechen damit schlicht hintergangen und sei vertragsbrüchig. Als Schadenersatzsumme warf seine anwaltliche Vertretung eine praktische runde Summe in den Ring: 20 Millionen Dollar.

Tauchen beide in Guitar Hero III auf: W. Axl Rose und Slash. Das geht gegen die Abmachung, fand Axl. Credit Foto rechts: Stefan Brending / via Wikimedia Commons.

Die Klage wird abgewiesen

Doch daraus wird nichts: Am 8. Februar 2013, wird die Klage mit Schwung abgewiesen. Hauptgrund: Das Spiel war schon 2007 erschienen, aber Team Axl hat sich drei Jahre Zeit mit der Klageerhebung gelassen – zu lange. Und das, obwohl der Agent des Künstlers schon viel früher eine Beschwerdemail an Activision geschrieben hatte. Rose hatte aber einen guten Grund zu warten, denn die Firma hatte ihm ein eigenes Spiel angeboten. Da wartet man doch gerne. Über die juristischen Details streiten sich in der Folge diverse Anwaltskanzleien.

Ganz schön viel Theater um Daddelei und Rockbands, könnte man meinen. Allerdings geht es um viel Geld und, vielleicht wichtiger, Außenwirkung. Immerhin ist Axl Rose damals mit einer ganz neuen Gunners-Besetzung unterwegs. Glücklicherweise hat sich das aber erledigt: Heute sind er und Slash wieder Freunde und touren höchst erfolgreich um die Welt. Ist auch besser so.

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Zeitsprung: Am 21.7.1985 spielen Guns N’ Roses auf einer Universitätsparty.

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Popkultur

Prince, Madonna und die Rolling Stones: Die besten Super-Bowl-Halbzeitshows aller Zeiten

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Prince
Foto: Jonathan Daniel/Getty Images

Ein Auftritt im Rahmen der Super-Bowl-Halbzeitshow gleicht einem popkulturellen Ritterschlag, nirgendwo ist das TV-Publikum größer. Vielen Sternchen wurde diese Ehre in den vergangenen Jahrzehnten bereits zuteil. Von U2 bis hin zu den Rolling Stones: Diese zehn Halbzeitshows finden wir besonders gelungen.

von Timon Menge

10. The Blues Brothers, ZZ Top, James Brown (1997)

Wenn der Super Bowl in einer Blues-Metropole wie New Orleans stattfindet, muss natürlich auch eine Blues-orientierte Halbzeitshow her. Mit Everybody Needs Somebody To Love und Soul Man gaben die Blues Brothers am 26. Januar 1997 zwar vor allem Soul-Klassiker zum Besten, genau wie James Brown im Anschluss; doch spätestens ZZ Top versorgten das Publikum mit reichlich Bluesrock. Eine coole Sonnenbrillen-Party zwischen zwei Halbzeiten!

9. U2 (2002)

Den Iren U2 wurde am 3. Februar 2002 eine ganz besondere Verantwortung zuteil. Die Terroranschläge von 11. September 2001 lagen noch kein halbes Jahr zurück, da sollten Bono und Co. bei der größten Unterhaltungsveranstaltung der Welt auftreten – übrigens erneut in New Orleans. Doch U2 wurden ihrem Auftrag gerecht, lieferten ein hervorragendes Set ab und gedachten auf einer riesigen Leinwand all jenen, die am 11. September ums Leben gekommen waren.

8. The Rolling Stones (2006)

Auf eine große Bombast-Show verzichteten die Rolling Stones bei ihrem Auftritt am 5. Februar 2006 in Detroit. Doch ganz ehrlich: Wenn Mick Jagger und seine jahrzehntelangen Weggefährten eine Bühne betreten, braucht es keine Schnörkel und kein Chichi. In wenigen Minuten rockten sich die Stones durch große Hits wie Start Me Up und (I Cant Get No) Satisfaction. Einen Luxus gönnten sich die Briten dann allerdings doch: eine Bühne in Form einer riesigen roten Zunge.

7. Katy Perry (2015)

Zugegeben, für hartgesottene Rocker*innen klingt der Sound von Katy Perry etwas ungewohnt. Doch mindestens zwei Dinge kann ihr keiner nehmen: hervorragende Popsongs und einen mehr als nur gelungenen Auftritt am 1. Februar 2015. In Sachen Show macht den größten Pop-Sternchen einfach niemand etwas vor, wie wir auch im weiteren Verlauf unserer Liste feststellen werden. Als Gäste durfte Perry Hip-Hop-Legende Missy Elliott und Gitarrengott Lenny Kravitz begrüßen.

6. Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, Kendrick Lamar & 50 Cent (2022)

Diese Halbzeitshow ist noch nicht lange her, setzte am 13. Februar 2022 aber völlig neue Standards. Zum ersten Mal in der Geschichte des Super Bowl durfte sich die Hip-Hop-Welt nach Herzenslust präsentieren. Das Line-up des Abends liest sich wie ein Who‘s who: Dr. Dre, Snoop Dogg, Eminem, Mary J. Blige, Kendrick Lamar … Sie alle waren dabei und setzten dem Sprechgesang ein etwa 15-minütiges Popkultur-Denkmal. Als Gaststars tauchten 50 Cent und Anderson .Paak auf.

5. Madonna (2012)

Wenn die „Queen Of Pop“ eine Halbzeitshow gestaltet, darf man einiges erwarten. Und wie so oft wurde Madonna den Erwartungen am 5. Februar 2012 vollständig gerecht. Als griechische Göttin verkleidet, ließ sie sich von ihren Spartaner-Tänzern über die Bühne tragen und manifestierte ihren Status als größte Popkünstlerin aller Zeiten. Unterstützung erhielt sie unter anderem von Cee Lo Green, Nicki Minaj, M.I.A. und LMFAO. Den Abschluss der Show markierte ein Gospelchor, mit dem Madonna Like A Prayer zum Beten … äh … zum Besten gab.

4. Lady Gaga (2017)

Als die Verantwortlichen der NFL den Vertrag mit Lady Gaga unterzeichneten, dürften ihnen durchaus ein paar Schweißperlen auf der Stirn gestanden haben. Schließlich kann man bei der exzentrischen Künstlerin nie so genau wissen, mit welchen Show-Einlagen sie ihr Publikum überrascht. (Wir erinnern uns an das Rindfleischkleid von 2010.) Bei der Super-Bowl-Halbzeitshow am 5. Februar 2017 ging die Musikerin allerdings auf Nummer sicher und legte einen unfassbaren Auftritt hin. Die Performance ihrer LGBTQ-Hymne Born This Way ließ sich Gaga trotzdem nicht nehmen.

3. Michael Jackson (1993)

Zu den Eigenheiten der Super-Bowl-Halbzeitshow zählt unter anderem der enge Zeitplan. Selten stehen für die Performance mehr als 15 Minuten zur Verfügung; meist wird jede Sekunde davon genutzt. Michael Jackson ging das Ganze im Januar 1993 ein wenig anders an. Länger als eine Minute blieb er vor seiner fulminanten Show still auf der Bühne stehen, als sei er eine Statue – und wurde dafür auch noch bejubelt. Das sagt einiges über seinen damaligen Stand des „King Of Pop“ aus.

2. Beyoncé & Destiny’s Child (2013)

Die Super-Bowl-Halbzeitshow 2013 war in jeder Hinsicht etwas Besonderes. Nicht nur, dass mit Beyoncé eine der hochkarätigsten Künstlerinnen des 21. Jahrhunderts das Programm gestaltete. Nein, es kam auch zur lange erwarteten Reunion von Destiny’s Child, denn Kelly Rowland und Michelle Williams waren ebenfalls mit von der Partie. An jenem Abend dürften Beyoncé und ihre Kolleginnen viele Frauen und Mädchen sehr glücklich gemacht haben. Im Anschluss an ihren Auftritt fiel allerdings für mehr als eine halbe Stunde der Strom aus.

1. Prince (2007)

Der Auftritt von Prince im Rahmen der 41. Super-Bowl-Halbzeitshow ist nichts anderes als eine Lehrstunde in Sachen Rockstar-Perfektion. Scheinbar mühelos fegte der gerade einmal 1,57 Meter große Musiker am 4. Februar 2007 über die Bühne in Form seines Logos. Keine Sekunde verging, ohne dass er das Publikum fest im Griff hatte. Prince und eine Blaskapelle? Oh ja. Prince spielt Purple Rain im Regen? Absolut. Ein Abend für die Geschichtsbücher!

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„California Love“: Die musikalischen Höhepunkte der Super-Bowl-Halbzeitshow

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