Zeitsprung: Am 20.8.1948 kommt Robert Plant zur Welt.

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August 20, 2023

Foto: Phil King

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 20.8.1948.

Mit Led Zeppelin hat er definiert, was Rockmusik ausmacht. Als Solokünstler bleibt er fortwährend in Bewegung. Mit seiner Stimme hat er mehr Leute beeinflusst, als wir hier aufschreiben können. Am 20. August feiert er seinen Geburtstag – und wir blicken auf ein höchst kreatives Leben zurück.

Hört hier in die besten Solo-Songs von Robert Plant rein:

Man sieht folgendes Bild, wenn man an Robert Plant denkt: Blonde Locken, blanke Brust und die Haltung eines jungen Mannes, der mit jedem Schrei, jeder Pose Zehntausende in seinen Bann zieht. Dabei will die Hälfte der Fans mit ihm ins Bett, die andere Hälfte will schlicht sein wie er. So geht „Rockgott“, ein ikonisches Bild aus den Siebzigern, geprägt nicht zuletzt durch Plant als Frontmann der größten Band der Zeit. Doch der legendäre Sänger der noch legendäreren Led Zeppelin hat sein künstlerisches Schaffen schon lange über diese Rolle hinaus ausgedehnt – und gilt weiterhin als eine der großartigsten Stimmen der Rockmusik. Nach über fünf Dekaden bleibt Plant als Künstler weiter kreativ, wandelbar und auf der Suche nach neuen Klängen. In der Vergangenheit möchte er nicht leben, deshalb ist er es, der weiteren Reunion-Aktivitäten von Led Zeppelin konsequent eine Absage erteilt.

Selbständige musikalische Frühbildung

Robert Anthony Plant kommt am 20. August 1948 im englischen West Bromwich in Staffordshire zur Welt. Schon als kleiner Junge entwickelt er ein Interesse an Musik und Gesang. Vor allem der Blues hat es ihm angetan, zu seinen Helden gehören Willie Dixon und Robert Johnson. Als Teenager verlässt er die Schule, auf eine Ausbildung als Buchhalter hat er nach zwei Wochen keine Lust mehr. Stattdessen schreibt er sich an einer Universität ein und versucht, in der Blues-Szene von Mittelengland Fuß zu fassen. „Ich habe mein Zuhause mit 16 verlassen und mich meiner musikalischen Bildung gewidmet“, wird er später im Classic Rock zitiert. „Auf eine Band folgte die nächste, was mein Verständnis des Blues nur noch verstärkt hat, ebenso für andere Arten von Musik mit einem gewissen Gewicht und Wert.“ Berufsmusiker wird man allerdings nicht aus dem Stand, also muss Robert eine Menge an eines zukünftigen Rockgottes unwürdigen Jobs erledigen. So arbeitet er im Straßenbau und in einem Kaufhaus, nimmt aber immerhin drei obskure Singles für CBS Records auf, die jedoch alle umgehend in der Bedeutungslosigkeit verschwinden. Außerdem arbeitet er mit Terry Reid (der beinahe Led-Zeppelin-Sänger geworden wäre) und Alexis Korner. Außerdem singt Plant in einer Vielzahl an Bands, darunter die Crawling King Snakes, bei denen er einen Drummer namens John Bonham kennenlernt. In der Band Of Joy widmen sich die beiden dem Blues in Verbindung mit neueren psychedelischen Sounds. Schade finden wir, dass aus der Gruppe Hobstweedle nichts wurde – der Name ist doch so schön.

1968 schließlich sucht Yardbirds-Gitarrist und Sessionprofi Jimmy Page neue Musiker. Als er Plant singen hört, fragt er sich, ob mit dem Mann irgendwas nicht stimmt: „Vielleicht seine Persönlichkeit, vielleicht kann man mit ihm nicht vernünftig arbeiten“, sagt er später. „Ich konnte einfach nicht verstehen, warum nach einigen Jahren als Sänger noch nicht zu den ganz großen Namen gehörte. Ich habe ihn zu mir nach Hause eingeladen, und wir haben uns prima verstanden.“ Mit John Paul Jones findet Page einen passenden Bassisten, Plant empfiehlt seinen Drummer-Kumpel John Bonham – und am 12. August 1968 spielen die vier Musiker von Led Zeppelin dann zum ersten Mal zusammen (alles dazu hier). Der Rest ist Rock’n’Roll-Geschichte vom Feinsten…

Sex & Hobbits

Schon ein halbes Jahr später sorgt das Debüt Led Zeppelin für Furore, in den folgenden Jahren wird das Quartet zu einer der größten und aufregendsten Rockbands aller Zeiten. Ihre Musik gilt als Grundlage für den harten Rock, bietet neben Riffs aber noch viel mehr: Blues, Folk, Country, keltische Musik, Americana, Spurenelemente von Pop, Funk und Reggae und sogar Weltmusik. Texte schreibt Plant zunächst keine, doch anspornt von Page entwickelt er ab Led Zeppelin II (1969) seinen eigenen Stil, der oft mystisch, philosophisch und spirituell klingt. Der Sänger bezieht sich in seinen Worten gerne auf nordische Mythology, walisische Geschichte – und J.R.R. Tolkiens Der Herr der Ringe. Anderseits folgt er der Tradition des Blues und der frühen Rock’n’Roller und lässt jede Menge sexuell aufgeladene Zwei- und auch Eindeutigkeiten vom Stapel (man höre etwa The Lemon Song).

Led Zeppelin werden zu weltweiten Stars und leben ein Leben als überlebensgroße Rockgötter. Sie spielen riesige Shows, verdienen eine noch riesigere Menge an Geld und reisen auf Tour sogar in einem Luxusflugzeug. Plant gilt als der archetypische Frontmann, mit überbordendem Selbstbewusstsein, Sex-Appeal und begeisterndem Ausdruck. (Die englische Sprache bietet dafür die wunderbaren Begriffe „bravado“ und „swagger“.) In dieser Rolle können ihm damals höchstens Mick Jagger (The Rolling Stones), Roger Daltrey (The Who) und Jim Morrison (The Doors) das Wasser reichen. Als Songwriter schafft Plant vor allem in Zusammenarbeit mit Jimmy Page unsterbliche Stücke. Doch am 25. September 1980 ist alles vorbei: John Bonham stirbt an den Folgen seines ausschweifenden Lebensstiles. Weil Led Zeppelin von der Chemie genau dieser vier Musiker lebt, löst sich die Band auf. Robert Plant ist da gerade mal 32 Jahre alt.

Den Blick immer, immer nach vorne

Kurzzeitig denkt Plant darüber nach, die Musik hinter sich zu lassen. Angeblich soll er sogar eine Laufbahn als Lehrer an einer Rudolf-Steiner-Schule ins Auge gefasst haben. Rockfans wie wir müssen an der Stelle erstmal schlucken und danken schweigend allen uns sympathischen Gottheiten, denn Plant besinnt sich eines besseren und startet eine erfolgreiche, vielseitige und bis heute andauernde Solokarriere. Dazu redet ihm insbesondere Genesis-Drummer Phil Collins ins Gewissen; später spielen die beiden sogar zusammen. Sein erstes Soloalbum Pictures At Eleven erscheint 1982, bis 1993 folgen fünf weitere. Auf den dazugehörigen Tourneen gehören Stücke seiner alten Band zunächst nicht zum Programm, weil Plant nicht bis in alle Zeiten als „ehemaliger Led-Zeppelin-Sänger“ bekannt sein will.

Über die Jahre kooperiert er trotzdem immer wieder mit seinem Songwriting-Partner Jimmy Page, etwa 1984 in der kurzlebigen All-Star-Truppe The Honeydrippers, die die gemeinsamen R&B-Wurzeln feiert. (Jeff Beck spielt ebenfalls mit.) 1988 wirkt Plant an Jimmy Pages Solowerk Outrider mit, der revanchiert sich auf Now And Zen im gleichen Jahr. 1994 schließlich macht das Duo wieder ganz offiziell gemeinsame Sache als Page & Plant und veröffentlicht das Album No Quarter: Jimmy Page And Robert Plant Unledded, auf dem sie Led-Zeppelin-Stücke im Akustikgewand und mit Weltmusik-Einschlag präsentieren und sogar neues Material schreiben. Die Tour erfreut sich großer Beliebtheit, die Fans wünschen sich (natürlich) eine „richtige“ Led Zeppelin-Reunion, doch zunächst schreiben unsere beiden Helden mit Walking Into Clarksdale (1998) ein neues Studioalbum (alles dazu hier).

Geld ist nicht mehr wichtig

Doch für Robert Plant muss es nicht immer „groß“ sein, denn er gründet die Folk Rock-Truppe Priory Of Brion und spielt für ein, zwei Jahre am liebsten in kleinen Läden. Danach gibt es noch eine neue Band namens Strange Sensation, die mit Dreamland (2002) Blues- und Folk-Songs wiederbelebt und auf Mighty ReArranger (2005) sogar neue Stücke bietet. Das funktioniert so gut, dass dabei vier Grammy-Nominierungen rausspringen. Aber Robert Plant hält sich nie gerne an Erwartungen – und tut sich mit Bluegrass-Musikern Alison Krauss zusammen. 2007 erscheint Raising Sand, und damit gewinnen die beiden sogar mehrere Grammys. Mit über 60 könnte sich der Mann dann theoretisch zur Ruhe setzen, aber das kommt selbstredend nicht in Frage: 2010 veröffentlicht er mit Band Of Joy ein gleichnamiges Album – eine Referenz an seine erste Band mit John Bonham Dekaden vorher. 2012 und 2013 spielt er schließlich mit den Sensational Shape Shifters. (Mal ehrlich: Wenn ihr an der Stelle schon den Überblick über Bands von Robert Plant verloren habt, macht euch nix daraus. Das geht uns auch so.)

Mit all diese vielseitigen Aktivitäten erweitert Plant konsequent seinen künstlerischen Ausdruck, doch der Schatten Led Zeppelin bleibt groß – und das ist nicht mal schlimm, finden wir. Mit den überlebenden Mitgliedern der Band tritt er am 13. Juli 1985 bei Live Aid auf (Phil Collins und Tony Thompson trommeln), außerdem am 15. Mai 1988 beim 40. Jubiläum von Atlantic Records, hier mit Bonhams Sohn Jason am Schlagzeug. Beide Male spielen die Musiker nur wenige Songs mit minimaler Vorbereitung, was Plant mit „Sex mit der Ex-Frau“ vergleicht. Am 10. Dezember 2007 passiert es dann endlich: Led Zeppelin spielen mit Jason Bonham ein zweistündiges Konzert in London (alles dazu hier). Schon im Vorfeld war die mediale Aufmerksamkeit gewaltig, die Show wird ein großes Ereignis (aber angeblich setzt sich Plant danach erstmal alleine in eine Kneipe). Die Nachfrage nach weiteren Gigs überrascht nicht, doch eine Tour mit Led Zeppelin – für 200 Millionen Dollar – lehnt er ab.

Heute hat er sich als Solokünstler etabliert, dessen Liebe zur Musik ungebrochen scheint (und der immer noch eine blonde Löwenmähne trägt). Sein Einfluss auf alle Rockstimmen der Welt ist immens. Die Encyclopædia Britannica schreibt: „Plant übertreibt den Stil und Ausdruck von Blues-Vokalisten wie Howlin’ Wolf und Muddy Waters und kreiert so den Sound, der viel von Hard Rock und Heavy Metal definiert mit großem Stimmumfang, viel Lautstärke und emotionalem Exzess.“ Gut so.

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Zeitsprung: Am 4.8.1975 hat Robert Plant einen folgenschweren Unfall.

Popkultur

Zeitsprung: Am 21.9.1993 erscheint Nirvanas drittes und letztes Album „In Utero“.

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September 21, 2023

Christina Wenig

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 21.9.1993.

von Christof Leim und Timon Menge

Im Jahr 1993 haben Nirvana die Schnauze voll vom Superstar-Dasein. Sie möchten nicht länger auf ihren Megahit Smells Like Teen Spirit reduziert werden und stattdessen ein authentisches, rohes Album aufnehmen. Das Ergebnis: In Utero.

**Hört hier in In Utero rein:**

Mit ihrem dritten Album verfolgen Nirvana ein klares Ziel: In Utero soll sich deutlich von seinem eingängigen Vorgänger Nevermind abheben und die Extreme der Band in den Vordergrund rücken. „Einige Songs klingen härter, andere noch radiotauglicher“, gibt Songwriter, Sänger und Gitarrist Kurt Cobain im Vorfeld der Aufnahmen zu Protokoll. „Das Album wird nicht so eindimensional wie Nevermind.“

Produziert wird die Platte von Steve Albini, der bereits Erfahrung mit der US-amerikanischen Punk- und Indieszene hat. Das Album trägt zunächst den Arbeitstitel I Hate Myself And I Want To Die, benannt nach einem Stück, das während des Aufnahmeprozesses entsteht. Eigentlich hat Albini keine Lust auf Nirvana und bezeichnet sie als „R.E.M. mit Fuzzbox“. Den Job habe er nur aus Mitleid mit der Band angenommen. Seine Meinung ändert sich im Zuge der zweiwöchigen Aufnahmephase im Pachyderm Studio in Cannon Falls, Minnesota, wo die Musiker sich unter dem Namen The Simon Ritchie Bluegrass Ensemble eingemietet haben. „Ich kann gar nicht in Worte fassen, wie sehr meine Bewunderung für diese Band zugenommen hat“, korrigiert er sich. Kurt Cobain und er teilen sogar eine gemeinsame Leidenschaft: Telefonstreiche. So rufen sie während der Sessions zum Beispiel Pearl Jam-Frontmann Eddie Vedder an und geben sich als Produzent Tony Visconti aus.

Jetzt in unserem Shop erhältlich:

Eigentlich soll In Utero bereits im Sommer 1992 eingespielt werden, doch die Bandmitglieder leben zu jener Zeit in verschiedenen Städten, was eine Zusammenkunft erschwert. Außerdem erwarten Cobain und seine Partnerin Courtney Love ihre gemeinsame Tochter Frances Bean. Die Plattenfirma DGC wird ungeduldig und veröffentlicht kurzerhand Incesticide, eine Compilation mit B-Seiten, Studio-Outtakes und raren Songs.

Vom Umfeld der Band hält Produzent Albini nicht viel, wie der NME in diesem Artikel berichtet. „Alle Personen, die an Nirvana beteiligt waren und nicht zur Band gehörten, waren Arschlöcher“, schimpft er. Tatsächlich stehen die Parteien während der Albumproduktion auf Kriegsfuß: auf der einen Seite Albini und die Band, auf der anderen Seite das Management und die Plattenfirma. Mehrfach stellen Albini und Nirvana klar, dass sie während der Arbeiten nicht gestört werden möchten, doch immer wieder erscheinen DGC-Abgesandte und möchten Zwischenstände hören — ein Verhalten, dass Albini bestraft, indem er alle Nichtmusiker eiskalt ignoriert. Für seine Arbeit erhält der Produzent stolze 100.000 US-Dollar, weigert sich aber, zusätzliche Royalties anzunehmen und bezeichnet derartige Beteiligungen als „Beleidigung für den Künstler“. Stark.

Als das Material fertig ist, halten Management und Plattenfirma es für unzureichend und werfen der Band und Albini vor, ein Album aufgenommen zu haben, das nicht veröffentlicht werden kann. Der Gesang sei nicht zu hören, das Schlagzeug viel zu laut und zu überladen mit Effekten. Zwar sind auch Nirvana selbst der Überzeugung, dass die Scheibe kein kommerzieller Erfolg werden kann, haben mit dieser Vorstellung aber keine großen Schwierigkeiten.

Die konservativen US-amerikanischen Einzelhandelsgiganten Wal-Mart und Kmart finden In Utero inhaltlich zu heiß, weshalb sie eine alternative Version fordern. Der Song Rape Me wird zu Waif Me umbenannt, die Cover-Collage von Kurt Cobain wird retuschiert und zeigt nun Frösche statt Babys und Föten. An den Song All Apologies legt R.E.M.-Produzent Scott Litt Hand an und befreit ihn von strittigen Textzeilen. Die Band stimmt den Änderungen zu, weil Cobain und Bassist Krist Novoselić in ihrer Kindheit nur zwei Möglichkeiten hatten, an neue Musik zu kommen: bei Wal-Mart und Kmart. Dass In Utero gleich auf Platz eins der Billboard-Charts landet und innerhalb der ersten Woche 180.000 Mal über die Ladentheke geht, erwartet niemand. Bis heute verkaufen sich mehr als 15 Millionen Exemplare des Albums.

In Utero zeigt Nirvana von ihrer aggressivsten Seite. Ob Scentless Apprentice, eine Vertonung des Romans Das Parfüm von Patrick Süskind, oder Pennyroyal Tea, eine Anspielung auf das als Abortivum benutzte (also einen Schwangerschaftsabbruch induzierende) Küchenkraut Polei-Minze – Nirvana wühlen in menschlichen Abgründen, dass es wehtut. Die Songs stammen alle von Kurt Cobain; lediglich Scentless Apprentice wird als Gemeinschaftswerk angegeben und maßgeblich von Dave Grohl beeinflusst, der das Riff und einige Drum-Parts für das Stück liefert. Marigold, der erste und einzige Song, den Grohl im Alleingang schreibt, schafft es zwar nicht auf das Album, wird aber als B-Seite für Heart-Shaped Box verwendet. Auch auf dem Foo Fighters-Livealbum Skin And Bones ist er zu hören. Das Cover gestaltet Cobain gemeinsam mit Robert Fisher, der schon das legendäre Nevermind-Artwork realisiert hat (alles dazu hier).

Mit Heart-Shaped Box (1993) und All Apologies/Rape Me (1993) flankieren zwei erfolgreiche Singles das Album. Letzteres zieht den Ärger zahlreicher Feministinnen auf sich, bis Cobain klarstellt, dass es sich um einen Anti-Vergewaltigungssong handelt. Hätte man auch so drauf kommen können. Überhaupt: Rape Me liefert Diskussionsstoff. Schon bei den MTV Music Awards 1992 lehnt der Musiksender die Aufführung des Songs vor einem größeren Publikum ab. Stattdessen soll die Band Smells Like Teen Spirit spielen, ein Stück, das Kurt Cobain selbst nicht mehr hören kann. MTV droht sogar damit, Amy Finnerty zu entlassen, eine enge Freundin des Frontmanns und Mitarbeiterin des Senders. Man einigt sich auf die damals aktuelle Single Lithium, doch Cobain lässt es sich nicht nehmen, den Auftritt mit den ersten Takten von Rape Me zu beginnen. Kurz bevor MTV zur Werbung schaltet, geht er wie besprochen in Lithium über, und die MTV-Verantwortlichen kommen mit einem ordentlichen Schreck davon. Die legendäre Performance endet mit Novoselić, der sich sein Instrument ins Gesicht schlägt (zu sehen hier – aua!), und ironischen Grüßen von Cobain und Grohl an Axl Rose.

Die Message von Nirvana, eingefangen in einem Pressefoto.

Legendär sind auch die Entstehungsgeschichten zu Cobains Songs. So gibt seine Witwe Courtney Love zu Protokoll, dass er Heart-Shaped Box innerhalb von fünf Minuten in einem Kleiderschrank geschrieben habe. Die Inspiration für die Nummer, die ursprünglich Heart-Shaped Coffin heißen soll, liefert eine herzförmige Schachtel, der Sänger von seiner Partnerin erhält. Love behauptet, der Text handele von ihrer Vagina. Für die Geduldigen hält In Utero einen Hidden Track namens Gallons Of Rubbing Alcohol Flow Through The Strip bereit, der etwa 20 Minuten nach All Apologies einsetzt. Sowas gibt’s heute gar nicht mehr. Der verborgene Song ist ein spontaner Jam, der im Januar 1993 in Rio de Janeiro entsteht.

Im Anschluss an die Albumveröffentlichung gehen Nirvana mit dem heutigen Foo Fighters-Mann Pat Smear an der zweiten Gitarre auf die Welttournee, in deren Rahmen auch das Livealbum MTV Unplugged in New York (1994) entsteht. Am 1. März 1994 spielen Nirvana in München ihr letztes Konzert. Die dritte In Utero-Single Pennyroyal Tea (1994) wird kurz nach Auslieferung an den Handel zurückgezogen, weil Kurt Cobain sich am 5. April 1994 das Leben nimmt. Nur wenige hundert Exemplare gelangen in den Verkauf und sind bis heute gefragte Sammlerstücke. In Utero setzt damit ein krachiges, schräges, selbstbewusstes Ausrufezeichen an das tragische Ende von Nirvana.

Zeitsprung: Am 18.11.1993 nehmen Nirvana ihr legendäres „MTV Unplugged“ auf.

Popkultur

Zeitsprung: Am 20.9.1973 verschwindet die Leiche von Byrds-Gitarrist Gram Parsons.

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September 20, 2023

Christina Wenig

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 20.9.1973.

von Christof Leim

Die vielversprechende Karriere von Gram Parsons endet leider typisch für viele der zu wilden Musiker der Siebziger: Der Country Rock-Pionier und zeitweilige Byrds-Gitarrist stirbt im September 1973 mit nur 26 Jahren an einer Überdosis. Sein Leichnam soll nach Louisiana zu seiner Familie überführt werden, doch seine Kumpels haben da ganz andere Pläne – immerhin aus ehrenhaften Gründen…

**Hört hier in Sweetheart Of The Rodeo rein, Parsons Album mit The Byrds:**

Unter Eingeweihten genießt Gram Parsons einen hervorragenden Ruf: Als Gitarrist hat er seit Ende der Sechziger maßgeblich die Genres Country und Rock zusammengebracht. Einem größeren Publikum wird er wegen seinen kurzer Zeit bei den Byrds bekannt, deren Album Sweetheart Of The Rodeo (1968) er prägte. Nach einem ebenfalls kurzen Intermezzo bei den Flying Burrito Brothers startet er eine Solokarriere und hängt mit vielen hochkarätigen Freunden rum, etwa mit einem gewissen Keith Richards in dessen Villa im französischen Villa Nellcôte. Für sein Soloalbum GP entdeckt Parsons die Sängerin Emmylou Harris.

Gram Parsons auf dem Cover seines Soloalbums „GP“

Oft und gerne verbringt der Musiker seine Zeit im Joshua Tree National Park östlich von Los Angeles. Am 17. September 1973 begibt sich der Gitarrist mit ein paar Freunden wieder dorthin, um sich vor einer anstehenden Tour noch ein wenig zu erholen. Und selbstredend wird ordentlich gefeiert: Gram Parsons trinkt Alkohol in rauen Mengen und wirft Drogen ein, dass es nur so eine Art hat. (Später sagt sogar Keith Richards, dass sein Kumpel es hätte besser wissen müssen, was die Kombination von Opiaten und Schnaps angeht.)

Es kommt, wie es kommen muss: Der erst 26-Jährige erleidet nach einem Schuss Morphin eine Überdosis. Seine geschockten Freunde können ihn nicht wiederbeleben, kurz nach Mitternacht des 19. September wird Gram Parsons für tot erklärt.

Bis hierhin klingt das wie eine typische Live-fast-die-young-Geschichte des Rock’n’Roll, aber dann wird es bizarr: Schon vor seinem Tod hatte Parsons erklärt, dass seine Asche über die Felsformation Cap Rock im geliebten Joshua Tree Park verstreut werden soll. Allerdings plant seine Familie, ihn nach Hause, nach Louisiana zu bringen. Deswegen befindet sich der Sarg mit dem Leichnam am 20. September am Los Angeles Airport.

Von den Überführungsplänen halten Parsons Kumpels Phil Kaufman und Michael Martin nichts. Sie wollen dem Verstorbenen lieber seinen letzten Wunsch erfüllen, zumal zum privaten Familienbegräbnis in New Orleans kein einziger Wegbegleiter aus der Musikwelt eingeladen wurde. Die beiden verfolgen also noble Beweggründe für die folgende Aktion, doch vielleicht, ganz vielleicht schießen sie ein bisschen über das Ziel hinaus.

Kaufman und Martin fahren in einem Leichenwagen am Flughafen vor, erzählen dort einem Mitarbeiter ein Märchen von „geänderten Plänen“ und laden den Sarg ein. Die entsprechenden Papiere unterschreiben sie mit „Jeremy Nobody“. Auf dem Weg ins 150 Meilen entfernte Joshua Tree kaufen sie mehrere Liter Benzin und halten an einer Bar, um auf ihren Freund zu trinken. Am Ziel angekommen, schleppen sie ihre Fracht bis Cap Rock, angeblich sogar im Mondschein (wenn schon, denn schon). Dort öffnen sie den Sarg, in dem der nackte Leichnam von Gram Parsons liegt, schütten das Benzin darüber und werfen ein brennendes Streichholz hinein. Den resultierenden Feuerball kann man über Kilometer sehen.

Das erregt die Aufmerksamkeit der Polizei, die die beiden Kollegen jedoch nicht zu fassen bekommt. Erst zwei Tage später werden sie gestellt. Allerdings gibt es verblüffenderweise kein Gesetz, dass den Diebstahl eines Leichnams verbietet. Kaufman und Martin erhalten eine kurze Bewährungsstrafe und müssen eine Stange Geld zahlen für die Entwendung des Sarges. Von ihrem Freund bleiben nur 16 Kilogramm an verbrannten Überresten zurück, die schlussendlich in New Orleans ihre letzte Ruhe finden.

Kaufman und Martin verteidigen sich damit, nur den letzten Wunsch Parsons ausgeführt zu haben. Das ist ehrenvoll. Und eigentlich bietet diese Episode ein aufsehenerregenderes Ende für die Lebensgeschichte des Musikers als eine einsame Überdosis in einem Hotelzimmer.

Zeitsprung: Am 10.11.1969 erscheint „Ballad Of Easy Rider“ der Byrds.

Popkultur

Zeitsprung: Am 18.9.1978 veröffentlichen die Kiss-Musiker am gleichen Tag Soloalben.

Published on

September 18, 2023

Christina Wenig

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 18.9.1978.

von Christof Leim

Wenn schon dicke Hose, dann richtig: Ende der Siebziger läuft es bei Kiss. Die Schminkemonster sind vor allem in den USA zu einem Phänomen geworden, das wirklich jeder kennt. Insbesondere der legendäre Konzertmitschnitt Alive! von 1975 hat die Truppe zu Stars gemacht. In den fünf Jahren nach der ersten Probe der Urbesetzung sind sechs Studioalben und zwei Liveplatten erschienen, dank üppiger Verkäufe, ausverkaufter Hallen und eines lukrativen Merch-Imperiums inklusive Kiss-Comics haben die vier New Yorker Millionen auf dem Konto. Und erst einer von ihnen ist über 30. Allerdings lässt die Stimmung in der Band zu wünschen übrig…

Hört hier in die vier Kiss-Soloalben rein:

Kiss mögen 1978 auf ihrem kommerziellen Höhepunkt angekommen sein, doch Paul Stanley, Gene Simmons, Ace Frehley und Peter Criss streiten sich über die kreative Ausrichtung, Kontrolle und Drogenkonsum, und vermutlich haben sie nach etlichen Jahren ununterbrochenen Arbeitens einfach die Nase voll voneinander. Um die Spannungen zu entschärfen, fassen die Kollegen zusammen mit ihrem Manager Bill Aucoin den Entschluss, dass jeder der Musiker völlig frei und unabhängig von den anderen ein Soloalben veröffentlicht. So lautet zumindest die am häufigsten kommunizierte und durchaus einleuchtende Begründung. Tatsächlich sieht manchen Quellen zufolge der Plattenvertrag von 1976 solche Einzelveröffentlichungen explizit vor.

Gene, Ace, Paul und Peter können so ihre musikalischen Vorlieben ausleben und komponieren, was immer sie wollen. Die Ergebnisse fallen durchaus unterschiedlich aus: Paul Stanleys Solowerk klingt am meisten nach den Kiss der Siebziger, vielleicht sogar noch ein bisschen dramatischer. Gene Simmons lässt die Beatles, Siebziger-Disco-Funk und Disney-Soundtracks durchklingen. Auf seiner Scheibe, der „buntesten“ der vier, spielen Joe Perry von Aerosmith, Donna Summer und seine Freundin Cher mit. Bei den Background-Vocals singt auch eine unbekannte Schauspielerin namens Katey Sagal, die später als Peggy Bundy aus Eine schrecklich nette Familie berühmt werden sollte.

Ace Frehley haut ein kräftiges Hard Rock-Scheibchen raus und kann sogar entgegen seiner sonstigen Gewohnheiten als Sänger punkten. Mit seinem Cover der Siebziger-Disco-Nummer New York Groove, im Original von der Band Hello, schafft er als einziger einen Single-Hit. Drummer Peter Criss hingegen überrascht mit vergleichsweise entspannten Nummern zwischen Soul und frühem Rock’n’Roll.

Natürlich hauen Kiss für die ganze Aktion mit beiden Händen auf die Sahne: Alle vier Soloalben erscheinen unter großem Getöse am gleichen Tag, dem 18. September 1978. Das hat es bis dahin nicht gegeben, und nachher auch nicht. Jede Platte ziert ein ähnliches Cover, nämlich ein Gemälde des jeweiligen Musikers im vollen Make-up.

Das Label fährt dazu eine megafette Werbekampagne für einen siebenstelligen Dollar-Betrag und stellt von jeder Platte über eine Million Exemplare in die Läden. Das heißt, die Alben erhalten quasi von Tag eins an eine Platinauszeichnung. Ein voller Erfolg? Nicht ganz.

Denn „Platin ausliefern“ und „Platin verkaufen“ sind zwei verschiedene Dinge. Da der Markt ohnehin von Kiss-Produkten überflutet ist, kommen viele der Soloalben nach einer Weile wieder zurück zum Label oder landen preisreduziert auf Wühltischen. Insgesamt sollen sich die vier Scheiben zusammen so gut verkauft haben wie das letzte Studiowerk Love Gun von 1977. Das lief allerdings beachtlich gut, und in Sachen PR und öffentlichkeitswirksamer Kackehauerei liegen Kiss mit der Aktion natürlich weit vorne. Und schlecht sind die Platten tatsächlich nicht…