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Popkultur

Die Alben der Foo Fighters im Ranking: Alle 10 Platten der Alternative-Rocker

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Foo Fighters
Foto: MAURO PIMENTEL/Getty Images

Große Ausreißer gibt es in der Diskografie der Foo Fighters nicht, doch manche Platten der Gruppe aus Seattle sind ein bisschen gelungener als andere. In diesem Artikel erfahrt ihr, welche Werke von Dave Grohl und Co. zu unseren Favoriten gehören. Wie immer: Ihr seid der gleichen Meinung? Wunderbar! Euer Ranking wäre anders ausgefallen? Lasst uns wissen, wie!

von Timon Menge

10. Concrete And Gold (2017)

Dass selbst das schlechteste Foo-Fighters-Album immer noch gut ist, stellt unser zehnter Platz unter Beweis. Klar, viele Hits gibt es auf Concrete And Gold nicht zu hören. Doch die beiden Songs Run und The Sky Is A Neighborhood fangen viel von dem auf, was auf der Platte ansonsten nicht funktioniert. So überrascht Run die Zuhörer*innen nach einem ruhigen Intro mit einem echten Rock-Donnerwetter, während The Sky Is A Neighborhood über die gesamten vier Minuten relativ ruhig bleibt, dafür aber besonders episch klingt.

9. Sonic Highways (2014)

Auf Sonic Highways ist der Name Programm: Statt sich wie üblich in ein Studio einzumieten, ziehen die Foo Fighters für ihr achtes Album mit Produzent Butch Vig durch die USA und spielen die Platte an allerhand musikhistorisch relevanten Orten ein. Nicht nur das: Mit Joe Walsh von den Eagles und zahlreichen anderen hochkarätigen Musikern, können Dave Grohl und Co. interessante Gaststars für ihr Album gewinnen. Leider klingt das Ergebnis nicht so spannend wie die Entstehungsgeschichte.

8. Medicine At Midnight (2021)

Dave Grohl goes Disco? Ganz so schlimm ist es auf Medicine At Midnight zum Glück nicht, doch es lässt sich kaum wegdiskutieren, dass die Foo Fighters auf ihrem zehnten Album eher ihre poppige Seite in den Vordergrund rücken. Mit Shame Shame, Making A Fire und Waiting On A War können sich einige Ergebnisse dieses Experiments zwar durchaus hören lassen — doch so richtig energiegeladen klingen die neuesten neun Songs der Gruppe leider nicht. Lediglich No Son Of Mine sticht diesbezüglich heraus.

7. In Your Honor (2005)

Mit ihrer Doppel-LP In Your Honor zeigen sich die Foo Fighters 2005 von zwei unterschiedlichen Seiten. So spielt die Band ihre Instrumente für die erste CD wie gewohnt elektrisch, stöpselt das Equipment für CD Nummer zwei allerdings aus. An sich eine gute Idee, doch im Großen und Ganzen krankt In Your Honor ein wenig an der fehlenden Gesamtqualität. More filler than killer, quasi. Songs wie DOA, No Way Back und der ewige Foo-Klassiker Best Of You entschädigen allerdings dafür.

6. One By One (2002)

Kurz nach der Jahrtausendwende geht es bei den Foo Fighters ein wenig chaotisch zu. Schlagzeuger Taylor Hawkins hatte gerade eine Heroin-Überdosis überlebt, Dave Grohl war kurzzeitig bei den Queens Of The Stone Age eingestiegen und mit Chris Shiflett hatte die Gruppe einen neuen Gitarristen an Bord geholt. Ähnlich zerstreut klingt auch One By One, das mit All My Life und Times Like These zwar zwei überlebensgroße Hits enthält, teilweise aber auch reichlich uninspiriert vor sich hinplänkelt.

5. There Is Nothing Left To Lose (1999)

1999 ereilte die Foo Fighters ein Schicksal, dem sich so viele Bands nach ein paar Alben ausgesetzt sehen: dem Vorwurf der Kommerzialisierung. So hielten auf There Is Nothing Left To Lose erstmals deutlich poppigere Melodien Einzug in die Musik der Gruppe, zum Beispiel in der überaus erfolgreichen Single Learn To Fly. Auch Breakout klingt zu Beginn beinahe ein bisschen pop-punkig, in Generator kommt sogar eine Bon-Jovi-mäßige Talkbox zum Einsatz. Heute wissen wir: So klingen die Foo Fighters halt.

4. Wasting Light (2011)

Mit Wasting Light kehren Dave Grohl und die Foo Fighters 2011 in vielerlei Hinsicht zu ihren Wurzeln zurück. Nicht nur, dass die Band ihr siebtes Album komplett analog aufnimmt. Nein, für die Produktion setzt sich auch Nevermind-Produzent Butch Vig an die Schieberegler und Gitarrist Pat Smear kehrt nach 13 Jahren der Abwesenheit zu den Foo Fighters zurück. Das Ergebnis: ein lupenreines, qualitativ hochwertiges Rock-Album ohne viele Schnörkel und mit starken Songs.

3. Foo Fighters (1995)

Zugegeben, das Debüt der Foo Fighters wirkt noch ein wenig rumpelig. Zumal vom Debüt der Foo Fighters keine Rede sein kann, denn Songs wie Big Me, This Is A Call und I’ll Stick Around nimmt Dave Grohl noch komplett im Alleingang auf. Damit, dass sein neues Projekt nach Nirvana derart durchstarten wird, rechnet er zu jener Zeit noch nicht, wird aber schnell eines Besseren belehrt: Aus dem Stand erreicht er mit Foo Fighters die Top 25 der US-Charts. Es soll nicht der größte Chart-Erfolg der Foo Fighters bleiben.

2. Echoes, Silence, Patience & Grace (2007)

Auf ihrer Doppel-LP In Your Honor hatten sich die Foo Fighters noch ein wenig verlaufen, doch für ihr sechstes Studioalbum schneidet die Band das gesamte Fett vom Fleisch und serviert ein Alternative-Rock-Prachtsteak der Extraklasse. Ob der granatenstarke Opener The Pretender, der Ohrwurm Long Road To Ruin oder das balladeske Stranger Things Have Happened: Auf Echoes, Silence, Patience & Grace zeigen sich die Foo Fighters fast von ihrer besten Seite. Doch ein Album gefällt uns noch besser.

1. The Colour And The Shape (1997)

Hatte Frontmann Dave Grohl das Debüt der Foo Fighters noch im Alleingang aufgenommen, scharte er für das zweite Album The Colour And The Shape zum ersten Mal eine komplette Band um sich — darunter auch den ehemaligen Nirvana-Tourgitarristen Pat Smear. Mit Songs wie Monkey Wrench, My Hero, Walking After You und dem Über-Hit Everlong kann The Colour And The Shape nur den ersten Platz in unserem Foo-Fighters-Ranking belegen. Herzlichen Glückwünsch!

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The Colour And The Shape: Das erste Gemeinschaftswerk der Foo Fighters

Popkultur

40 Jahre „Nebraska“: Als Bruce Springsteen durch Zufall zum einsamen Cowboy wurde

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Bruce Springsteen
Foto: Bill Marino/Getty Images

Vor 40 Jahren nimmt Bruce Springsteen Demos auf, die er eigentlich mit seiner E Street Band einspielen will. Er entscheidet sich dagegen – und veröffentlicht mit Nebraska sein vielleicht bestes Album.

von Björn Springorum

 

Hier könnt ihr euch Nebraska von Bruce Springsteen anhören:

Die Fabeln der Arbeiterklasse und der Mythos Amerikas sind Tropen, ohne die Bruce Springsteens Kanon auseinanderfallen würde. Immer schon haben ihn die Geschichten der vermeintlich einfachen Leute mehr interessiert als alles andere. Die Folklore der Menschen, die die Vereinigten Staaten von der Ostküste westwärts erschlossen und aufgebaut haben, die Arbeiter an den Docks, den Schienen, in den Minen.

Im Oktober 1980 veröffentlicht der Boss mit The River ein vielbeachtetes Doppelalbum voller jener Themen. Ein ganzes Jahr ist er damit auf Tour, vor allem in den USA, taucht auf den langen Fahrten über die Highways erneut tief ein in den Mythos des Wilden Westens. Die Eindrücke, Begegnungen und Erfahrungen inspirieren ihn in seinem Zuhause in New Jersey zu neuer Musik. Er verwendet vor allem die akustische Gitarre, eine Mundharmonika oder ein Tambourin für die Demo-Aufnahmen, die er als Grundlage für die eigentliche Studioarbeit mit seiner E Street Band nutzen will.

Drei Akkorde für ein Halleluja

Doch der folkloristische, pure, rohe Charme der oftmals mit drei Akkorden auskommenden Stücke bringt etwas in ihm zum Schwingen. Zwar arbeitet er im April 1982 mit seiner Band an Rock-Versionen dieser Song; das Ergebnis, das sagt ihm jedoch nicht zu. Für ihn fehlt den Songs im Bandkontext der verwunschene Americana-Kontext, die Seele des Landes, aus dem er sie schöpfte. Er und sein Manager Jon Landau entscheiden, diese spärlich instrumentierten Songs vom Rest zu trennen und aus ihnen eine Springsteen-Soloplatte mit Namen Nebraska zu machen. Aus den als Electric Nebraska bekannten Sessions sollen dennoch acht Songs für den Nachfolger Born In The U.S.A. von 1984 hervorgehen. Unproduktiv ist echt anders.

Eine magische Nacht

Im Grunde ist Nebraska somit ein Album, das am 3. Januar 1982 erschaffen wird. In den Abend- und Nachtstunden nimmt Bruce Springsteen wie entfesselt 15 Demos auf. Die meisten davon landen auf Nebraska. „Ich war immer nur so lang im Studio, weil das Komponieren so viel Zeit brauchte“, so sagte Springsteen mal. „Deswegen besorgte ich mir einen kleinen Vierspurrekorder, um schon mal grobe Songs aufzunehmen, die ich dann der Band zeigen würde. Ich hatte also dieses Tape wochenlang mit mir dabei, bis ich merkte: Das ist kein Demo, das ist das Album.“

Bis heute ist Nebraska ein einnehmendes, sehnsüchtiges Fernweh-Folk-Album voller Antihelden, tragischer Geschichten und amerikanischer Weite. Es lebt vom kargen Charme und von einem Schwermut, den man in dieser Intensität noch nicht von Springsteen vernommen hat. Passt zu den Themen: Die Songs drehen sich um einfache Menschen, vom Pech verfolgt oder in die Kriminalität abgerutscht. Im Titelsong geht es um den Mörder Charles Starkweather auf dem Weg zum elektrischen Stuhl, im abschließenden Reason To Believe brechen zumindest vereinzelte Sonnenstrahlen durch die tiefhängenden Wolken über den Great Plains.

Hommage an Atlantic City

Keine Inspiration braucht er natürlich für Atlantic City, Ode und Brandbrief an die einstmalige Casino- und Strandhochburg am Atlantik. Die Stadt ist wie ein pars pro toto für den Mythos der untergegangenen USA, ein einstmals glanzvoller Boardwalk, jetzt weitgehend verlassen, heruntergekommen. Im Song singt Springsteen mit Verzweiflung in der brechenden Stimme von einem Liebespaar, das nach Atlantic City flüchtet, wo er aufgrund seiner Schulden in der organisierten Kriminalität versinkt. Es sind Songs wie dieser, von dem sich die Killers zu ihrem Akustikalbum Pressure Machine inspirieren lassen.

Nebraska ist auch 40 Jahre später ein Monument und Springsteens wahrscheinlich bestes Album. Bis Western Stars (2019) ist es das einzige Album, das nicht auf einer eigenen Tournee vorgestellt wird. Es war ihm wohl immer zu düster.

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Zeitsprung: Am 4.6.1984 erscheint „Born In The U.S.A.“ von Bruce Springsteen.

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Popkultur

Review: „The End, So Far“ verschafft Slipknot neun neue Leben

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Slipknot
Foto: Venla Shalin/Getty Images

Das verflixte siebte Studioalbum wird bei Slipknot zur Wasserscheide: Nach zuletzt eher homöopathischen Änderungen im brachialen Soundbild stellen Corey Taylor und seine Maskencrew mit The End, So Far die Weichen für die Zukunft. Ihre beste Platte ist es nicht. Aber zweifellos eine beeindruckende.

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch The End, So Far anhören:

Das Ende naht. Vielleicht nicht für Slipknot als Band. Aber definitiv für die Strukturen, in denen sich die Seelenstripper aus Iowa bisher bewegten: The End, So Far ist das letzte Album der Band für ihr Label Roadrunner und trägt das Ende der 25-jährigen Partnerschaft bereits im Titel.

Den Fans dürfte das egal sein. Für Slipknot geht dennoch eine Ära zu Ende. Und anstatt ein halbgares neues Album oder gar eine Best-Of auf den Markt zu werfen, um aus dem Vertrag zu kommen, geht man richtig in die Vollen. The End, So Far ist zwar nicht das brutalste, das heftigste, das härteste Album, das Slipknot jemals gemacht haben; das muss es aber auch gar nicht sein, dafür warne schließlich Iowa und Co. Zuständig.

Synthies, Chöre, klarer Gesang

Die siebte Platte porträtiert eine Band, die älter geworden ist. Und das endlich auch selbst anerkennt. Man umkreist solangsam die 50, da muss man nicht mehr so tun, als sei man 28. Deutlich wird das sofort: Der Opener Adderall ist der vielleicht untypischste Slipknot-Song aller Zeiten: Getrieben von flirrenden Synthies, Chören und durchgehend klarem Gesang, erinnert die Nummer eher an David Bowie oder an Tool.

Slipknot achten sorgfältig und gewissenhaft auf Dynamik, auf Songreihenfolge und Stimmungsbilder. Sie sind eine Albumband, groß geworden in Zeiten, in denen man Platten noch ganz hörte. Dem werden sie auch mit The End, So Far gerecht. Mehr denn je breiten Slipknot ihre irisierenden Flügel aus, decken so viele musikalische Gefilde ab wie nie zuvor. Klar ist die Platte auch brutal, in einem Song wie H377 sogar so durchgehend, kompromisslos und nervenzerfetzend knallhart wie auf ihrem tollwütigen Exorzismus Slipknot. Überwiegend steht jedoch eine Balance zwischen abgründiger Härte und trostspendenden Momenten auf der Agenda.

Grunge-Gefühle

Slipknot wissen längst, wie man Dynamik ausschöpft und präzise einsetzt. Die tosenden, grollenden Abriss-Monumente wirken wenn überhaupt, dann noch heftiger als auf früheren, eher durchgebolzten Werken. Melancholische, schwebende Momente wie die Alternative-Rock-Nummer De Sade zeigen zwischendrin aber eben immer wieder, dass man Dämonen und mentalen Horror auch ohne durchgehendes Metal-Inferno verhandeln kann. Hölle, bei Acidic kommen sogar Grunge-Gefühle auf!

Das Vermächtnis der Toten

Einen mehr als ordentlichen Job macht der neue Percussionist und Drummer Jay Weinberg. Er versucht gar nicht erst, in die XXL-Fußstapfen von Joey Jordison zu trommeln, füllt sein dynamisches, tightes Spiel aber dennoch mit mancher Referenz an den 2021 verstorbenen Drummer – voller Respekt und Demut. Es ist der sensible und richtige Weg, die tragische Geschichte einer Band zu verhandeln und weiterzutragen: Nach Paul Gray ist Joey Jordison schon das zweite Mitglied, das Slipknot zu Grabe tragen mussten.

Das Vermächtnis der Toten lebt auch auf The End, So Far fort. Ein Album voller Schatten, gespenstischer Melodien und gurgelnder Härte. Nicht alle Songs sind Treffer, manche verlieren sich in Post-Rock-Wolkengebilden und unpassenden Ausbrüchen. Unterm Strich bleibt aber eine knappe Stunde eindrucksvolles Flexen von einer Band, die ungebrochen vor Evolution, Kreativität und Aufbruchstimmung steht. Und endgültig keine Lust mehr hat, Konventionen zu pflegen oder Erwartungen zu erfüllen.

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Slipknot: Von Masken-Weirdos zu globalen Superstars

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Popkultur

30 Jahre „Küssen verboten“: Als die Prinzen zu Königen wurden

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Die Prinzen
Foto: Hulton Archive/Getty Images

Sie gründen sich noch zu DDR-Zeiten und werden gleich nach der Wende zu gesamtdeutschen Popstars: Vor 30 Jahren verkünden die Prinzen mehrstimmig: Küssen verboten! Ohrwurm in drei, zwei eins…

von Björn Springorum

Hier könnt ihr euch das Küssen verboten anhören:

Alles beginnt im Knabenchor. Mehr oder weniger alle späteren Mitglieder der Prinzen singen sich erst mal in ostdeutschen Chören die Seele aus dem Leib – Sebastian Krumbiegel, Wolfgang Lenk sowie Henri Schmidt etwa im weltweiten Leipziger Thomanerchor. Was man eben so macht in der DDR. Daraus entsteht eine erste Band mit dem unglücklichen Namen Die Herzbuben. Der Versuch: Mit A-capella-Stücken erfolgreich werden.

Annette Humpe greift ein. Zum Glück

Das klappt zwar ganz gut, aber das große Problem ist: Immer wieder verlieren Die Herzbuben Mitglieder, weil sie sich aus der DDR absetzen. Es dauert also noch bis nach der Wende, bevor die Geschichte endlich Fahrt aufnehmen kann. Zu verdanken ist das übrigens Annette Humpe, die mit Ideal große Erfolge feiern konnte und mit Blaue Augen einen gewaltigen Hit komponiert hatte. Sie wird auf die Band aufmerksam, erkennt das Potential und verfrachtet sie im November 1990 zu Anselm Kluge für erste Aufnahmen in dessen Studio. Ihr ist auch zu verdanken, dass man den Namen Die Herzbuben ablegt und sich auf Die Prinzen einigt. Mit den Wildeckern wollte man dann auch nicht unbedingt verwechselt werden.

Danach geht es schnell: Schon die erste Single Gabi und Klaus wird 1991 zum Erfolg, das Debüt Das Leben ist grausam kann sich mehr als eine Million Mal verkaufen und bringt sie auf Tour mit Udo Lindenberg. Danach soll natürlich schnell ein Nachfolger her. Deutschland ist nach David Hasselhoffs Niedersingen der Mauer wiedervereint und dürstet nach deutschsprachiger Popmusik, die Prinzen sind als ostdeutsche Band in den alten und neuen Bundesländern der absolute Verkaufsschlager.

Auch Olli Dittrich mischt mit

Ihr Rezept – A-capella-Gesang trifft Pop mit teils hintersinnigen, teils albernen Texten – trifft den unbeschwerten Zeitgeist, der nach all dem Drama einfach mal eine gute Zeit haben will. Nur ein Jahr nach dem Erstling sind Die Prinzen mit Küssen verboten zurück. Diesmal produziert Annette Humpe gleich das komplette Album und hilft der Band beim Texten, zusätzliche Unterstützung bei den Lyrics kommt von Comedian Olli Dittrich – so etwa der Text zu Kleines Herz.

Aufgenommen wird im Frühjahr 1992 in den Boogie Park Studios im Hamburg, am 28. September erscheint das zweite Album der Prinzen. Und wird ein ähnlich großer Erfolg: Es verkauft sich über 800.000 Mal, was damals drei Goldene Schallplatten bedeutet. Neben dem großen Erfolg der Single Küssen verboten ist es vor allem der von Sebastian Krumbiegel verfasste Song Bombe, der einen bleibenden Eindruck hinterlässt. Anders als die humorigen, leichten Songs der Leipziger postieren sich Die Prinzen mit fast schon punkiger Attitüde klar gegen Rechtsextremismus.

Gegen rechte Gewalt

Gemeinsam mit Annette Humpe spielen sie Bombe live beim „Heute die! Morgen du!“-Festivals gegen rechte Gewalt in Frankfurt vor 150.000 Zuschauern. Als der Song im Februar 1993 als Single erscheint, gehen viele besorgte Eltern auf die Barrikaden. So viel Sex und Kritik ist man von den Prinzen nicht gewohnt. Dem Erfolg schadet es nicht. Im Gegenteil: Die große Tournee zu Küssen verboten wird zum Durchmarsch, zu den fast 60 Konzerten in den größten Hallen des Landes kommen über 200.000 Besucher.

In nur zwei Jahren sind Die Prinzen von einer ostdeutschen A-Capella-Seltsamkeit zu einer der größten Popbands des Landes geworden. Wieder vergeht nur ein Jahr, bis sie diese Erfolgsgeschichte mit Alles nur geklaut fortsetzen werden. Nicht übel für so ein paar Typen aus dem Knabenchor…

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Zeitsprung: Am 31.10.1965 probt die DDR-Jugend den Beat-Aufstand.

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