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Popkultur

Zeitsprung: Am 16.1.1964 öffnet das „Whisky a Go Go“ auf dem Sunset Strip.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 16.1.1964.

von Christof Leim

Alle haben sie da schon gespielt, von den Doors über Mötley Crüe bis Guns N’ Roses. Das Whisky a Go Go in Los Angeles gehört zu den legendären Orten der Rock’n’Roll-Geschichte. Am 16. Januar 1954 ging es los mit Go-Go-Dancing und DJs in Deckenkäfigen, dann kamen die Rocker, die Punks, die Straßenunruhen – und natürlich jede Menge Hair Metal.

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Auf dem Sunset Strip in West Hollywood findet man vermutlich mehr historisch wichtige Krachmusikläden auf einer Straße als anderswo: Hier befindet sich zum Beispiel das legendäre Rainbow, in Fußweite davon noch Key Club, Viper Room und Roxy. Los ging die Herrschaft des Rock’n’Roll auf diesem „Rock Block“ aber mit dem Whisky-A-Go-Go. Das steht seit jeher an der Adresse 8901 Sunset Boulevard an einer wenig glamourösen Ecke zur North Clark Street. Eröffnet wurde der Club am 16. Januar 1964 von einem ehemaligen Chicagoer Polizisten namens Elmer Valentine und drei Kompagnons.

Weil die städtischen Vorschriften damals nicht erlaubten, Vergnügungsetablissements nach Alkohol zu benennen, lassen sie einfach das „e“ in „Whiskey“ im Namen ihres neuen Ladens weg. Später müssen sie sogar zeitweilig „The Whisk“ über die Tür schreiben. Ursprünglich wird der Club zwar als Diskothek angepriesen, was Musik aus der Konserve impliziert, doch vom ersten Tag an finden Konzerte statt. Am Eröffnungsabend spielt Johnny Rivers, der über die Jahre mehrere Liveplatten im Whiskey aufzeichnet. Damit weitergefeiert werden kann, legen zwischen den Sets DJs auf. Weil es für die aber keinen Platz gibt, wird ihr Arbeitsplatz kurzerhand in eine Art gläserne Kanzel unter die Decke verlegt. Am Plattenteller steht in der Anfangszeit eine Dame namens Joanie Labine, die die Menge gleichzeitig durch angeregtes Tanzen unterhält. So wird die Idee der „Go-Go-Dancer“ geboren, für die sich ein Outfit aus kurzem Fransenrock und weißen Stiefeln etabliert. Dieser Trend breitet sich in kurzer Zeit über sämtliche Diskos und Nachtclubs der USA aus.



Das kommt an: Das Whisky ist durchgehend hervorragend gebucht, in abgetrennten Tischnischen amüsieren sich Stars wie Cary Grant, Johnny Carson und die Beatles. Das Hauptaugenmerk des Programms liegt weiter auf der Livemusik. Man könnte behaupten: Hier findet die Rock’n’Roll-Szene von Los Angeles ihren Anfang. Lou Adler, einer der Mitbegründer, erzählt später in Vanity Fair: „Als es im Whisky losging, passierte auch etwas auf dem Sunset Boulevard. Damit kam das Musikgeschäft in L.A. ins Rollen. Die ganze Sache ist explodiert.“

Die Sechziger: Counter Culture & Classic Rock

In der Tat spielt der Laden eine wichtige Rolle in der Entwicklung vieler Bands, insbesondere von Gruppen aus Südkalifornien wie Buffalo Springfield, Love und The Byrds. Daneben machen viele Touren Halt im Whisky, was die heißen Bands der Stunde auf den Strip bringt: Led Zeppelin, Cream, The Who und die Jimi Hendrix Experience zum Beispiel.

Die Doors finden in dem Laden sogar eine Art Heimat: Am 23. Mai 1966 spielen sie ihre erste Show und werden zur Hausband. Sie eröffnen für jeden durchreisenden Headliner, erspielen sich einen guten Namen und entwickeln dabei ihren eigenen Stil. Die Eskapaden der Musiker bei den Whiskey-Shows, insbesondere natürlich von Jim Morrison, werden dabei zum vieldiskutierten Thema in Fankreisen. Als der Sänger Ende August 1966 den „Ödipus-Part“ von The End improvisiert, werden die Doors gefeuert.



Der Szene kommt sehr zugute, dass Elmer Valentine grundsätzlich lokale Bands als Support auftreten lässt. So erhalten Frank Zappa und seine Mothers Of Invention ihren Plattenvertrag nach einem besonders gelungen Auftritt (und Zappa selbst heiratet später Gail Sloatman, eine Sekretärin des Clubs). Auch afroamerikanische Künstler vor allem aus dem R&B-Bereich gehören schon 1967 regelmäßig zum Programm, was in anderen Teilen des Landes keinesfalls die Regel ist.

Weil ein gut besuchtes Etablissement natürlich viel Getümmel und Verkehr vor der Tür bedeutet, kommt es 1966 zu den „Sunset Strip Police Riots“: Nach Beschwerden der Nachbarschaft setzen die Behörden eine strikte Sperrstunde von 1 Uhr morgens fest, was zu Protesten und Zusammenstößen zwischen Polizei und jungen Partygängern führt – ein erstes Auftauchen der so genannten „Counter Culture“ der Sixties.



Die Siebziger: Punks & Ladenschluss

Irgendwann verliert das Whisky a Go Go seinen Status als Dreh- und Angelpunkt für neue vielsprechende Musik, 1974 macht der Laden sogar für eine Weile dicht. Zwei Jahre später geht es  aber weiter: Jetzt tummeln sich die Punks auf dem Strip, im Kalender stehen Shows von The Go-Go’s, The Germs, X und The Screamers. 1980 hat sich sich die Punkszene allerdings auch wieder erledigt.

Die Achtziger: Metal & Haare

Am 27. März 1982 spielt eine kleine Kapelle namens Metallica ihr zweites Konzert im Whisky als Einheizer für die britischen Legenden Saxon, zum Set gehören schon drei eigene Songs namens Hit The Lights, Jump In The Fire und Metal Militia. Die Geschichte, dass Lars Ulrich und James Hetfield ihren zukünftigen Starbassisten Cliff Burton im Whisky a Go Go kennenlernen, stimmt allerdings nicht. (Sein Vorgänger Ron McGovney und Metallica-Intimus Brian Slagel nennen das nahegelegene Troubadour.)

1982 schließt der Club erneut seine Pforten und öffnet erst vier Jahre später, als Hard Rock und Hair Metal das Land regieren. MTV und Headbanger’s Ball sind das Gesetz der Stunde. Damit gehören testosterongetriebene Krachkapellen wie Guns N’ Roses, Mötley Crüe und Poison quasi zur Inneneinrichtung, Haarspray zur Standardausstattung und Party-Rock’n’Roll zum Pflichtprogramm. Die Chaoten von Mötley wohnen der Einfachheit halber nur ein paar Blocks entfernt in einem abgerockten Appartement. Als sie das Whisky dreimal hintereinander ausverkaufen, empfinden sie das als einen frühen Höhepunkt ihrer Karriere.



Natürlich kommen auch die Partys nicht zu kurz. Bassist Nikki Sixx wird auf der Website des Clubs zitiert mit folgender Erinnerung: „Habe ich euch erzählt, wie ich mal ein Mädel in der Toilette des Whisky mit Mick Mars’ Gitarrenkabel gefesselt habe und dann zu Tommy gelaufen bin, um mehr Koks zu schnorren? Ich habe die Frau komplett da drin vergessen!“ Goldene Zeiten also, deren sich die Band auch noch erinnert, als sie die Tour zum Nummer-eins-Album Dr. Feelgood am 5. Oktober 1989 mit einem Geheimkonzert im Whisky starten – unter dem wie immer geschmackssicheren Namen The Foreskins. Dabei entsteht das Video zum Kracher Kickstart My Heart.



Die Kollegen von Guns N’ Roses treten in ihren frühen Jahren ebenfalls regelmäßig im Whiskey auf, ihre Megahits Sweet Child O’ Mine und Mr. Brownstone erleben am 23. August 1986 hier ihre Livepremiere. Jahre später kehrt die Band für ein Überraschungskonzert zurück. Ab 1990 kommen natürlich auch die großen Grunge-Kapellen wie Alice In Chains immer wieder zu Besuch.

Die Lieder

Die Liste der Songs über das und Liveplatten aus dem Whisky a Go Go ist lang: So singen Status Quo 1978 in Long Legged Linda die Zeilen “Well, if you’re ever in Los Angeles and you’ve got time to spare / Take a stroll up Sunset Boulevard, you’ll find the Whisky there.“ Mötley Crüe blicken 2008 in Down At The Whisky auf die alten Zeiten zurück, Zappa behauptet in Bwana Dik „girls from all over the world flock to write my name on the toilet walls of the Whisky A-Go-Go“. Konzerte wurden im Laufe der Jahrzehnte unzählige mitgeschnitten, etwa von den Stooges, Soundgarden, Racer X, Stryper, Vince Neil, Sebastian Bach, The 69 Eyes, Otis Redding und Kansas.



Und heute?

Das Whisky a Go Go gibt es weiterhin, immer noch weht der Geist vor allem des Rock’n’Roll der Achtziger durch den 500 Gäste fassenden Club. 2006 wird das Club sogar als erste Konzerthalle in die Rock And Roll Hall Of Fame aufgenommen. Nur fliegende DJ-Käfige mit Go-Go-Tänzern gibt es nicht mehr.

Das Whisky a Go Go 2015 – Pic: Ken Lund/Wikimedia Commons

Zeitsprung: Am 16.4.1972 eröffnet das Rainbow Bar & Grill in Hollywood.

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Popkultur

„Der Triumph des Jazz“: Die musikalischen Einflüsse des Martin Luther King, Jr.

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Martin Luther King Jr.
Foto: Donald Uhrbrock/Getty Images

Am 15. Januar 2022 hätte die US-amerikanische Bürgerrechtsikone Martin Luther King ihren 93. Geburtstag gefeiert. Zu Ehren Kings möchten wir an dieser Stelle seine Verbindung zur Musikkultur ein wenig näher beleuchten.

von Markus Brandstetter

Die Bilder und Worte sind fest im kollektiven Bewusstsein verankert, selbst wenn man zu jener Zeit noch nicht auf der Welt war: Im August 1963 fanden sich über 200.000 Menschen in Washington, DC zum „Marsch auf Washington für Arbeit und Freiheit“ (englischer Titel: March on Washington for Jobs and Freedom) zusammen.

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Vor dem Lincoln Memorial hielt Martin Luther King seine berühmte Rede, deren Worte „I have a dream“ in die Geschichte eingingen. Musik war (nicht nur) an diesem Tag ein wesentlicher Bestandteil der Proteste. Bob Dylan und Joan Baez traten auf, Peter, Paul & Mary, Odetta Holmes, Mahalia Jackson und der Eva Jessye Choir, auch Harry Belafonte war anwesend. Für King war Musik aber weit mehr als eine akustische Untermalung — er sah sie als Mittel zur Veränderung an — und, im Falle von Jazz, Triumph der Schwarzen — dazu später mehr.

Kings musikalischer Background

Für Martin Luther King, das schreibt der US-amerikanische Autor Alfonso Pollard in seinem Artikel The Extraordinary Influences of Dr. Martin Luther King, Jr., habe Musik seit seiner Kindheit eine bedeutende Rolle gespielt. Kings Mutter Alberta King spielte hier wohl die Schlüsselrolle: Sie war Chorleiterin und Organistin in der Ebenezer Baptist Church. Auch Kings spätere Ehefrau Coretta Scott, die er an der Universität kennenlernte, war Kirchenchorleiterin, außerdem Sopranistin und Multiinstrumentalistin.

Geht es nach Pollard, gab es in Kings musikalischer Sozialisation zwei große Säulen: die Gospelmusik zum einen, zeitgenössische Sängerinnen wie Mahalia Jackson, Sister Rosetta Tharpe, Nina Simone, Miriam Makeba zum anderen. Später wurde auch Jazz für ihn immer wichtiger — eine Musik, die er als „triumphal“ bezeichnete. Damit meinte er den Triumph der Afroamerikaner*innen über die Unterdrückung, über Ungerechtigkeit, Kummer, Tragödien.

Der Triumph des Jazz

1964 wurde King gebeten, die Eröffnungsrede auf dem JazzFest Berlin (damals „Berliner Jazztage“ genannt) zu halten. In seiner Rede sprach er über eben dieses Triumphale im Jazz: „Gott hat viele Dinge aus der Unterdrückung heraus geschaffen. Er hat seine Geschöpfe mit der Fähigkeit ausgestattet, zu erschaffen, und aus dieser Fähigkeit sind die süßen Lieder der Trauer und der Freude hervorgegangen, die es dem Menschen ermöglicht haben, mit seiner Umwelt und vielen verschiedenen Situationen zurechtzukommen. Der Jazz spricht für das Leben. Der Blues erzählt von den Schwierigkeiten des Lebens, und wenn man einen Moment nachdenkt, wird man feststellen, dass er die härtesten Realitäten des Lebens in Musik umsetzt, um dann mit neuer Hoffnung oder einem Gefühl des Triumphs wieder herauszukommen.“

„Die letzte Bastion des Elitismus“

Wie die Verbindung Kings zur klassischen Musik ist, ist indes nicht hinreichend beleuchtet. Der US-Dirigent Paul Freeman (1936-2015) berichtete einst in einem Interview von ein Zusammentreffen mit dem Bürgerrechtler. Als dieser ihn fragte, was er in Atlanta mache, erklärte ihm Freeman, er habe ein Engagement als Gastdirigent des Atlanta Symphony Orchestra. Die Antwort von King darauf kann als sozialkritisch bis sarkastisch gelesen werden: „Ah, die letzte Bastion des Elitismus! Glory, Halleluja!“ Freeman, dessen erklärte Mission es war, die Klassik (sowohl als Musiker*in als auch als Hörer*in) für alle zugänglich zu machen, sah dies aber nicht als Seitenhieb, sondern als Inspiration, sein Ziel zu verfolgen.

Nachzusehen ist dies in diesem Interview:

Wie wichtig King war, zeigen zahlreiche Tribute. Soul-Legende Stevie Wonder war ausschlaggebend dafür, dass Martin Luther Kings Geburtstag zum Feiertag erklärt wurde — und widmete ihm das Stück Happy Birthday. U2 schrieben Pride (In The Name Of Love) über ihn, James Taylor zollte ihm mit Shed A Little Light Tribut — und natürlich darf man Nina Simones Stück Why (The King Of Love Is Dead) nicht vergessen, dass sie drei Tage nach seinem Tod vorstellte.

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Zeitsprung: Am 15.1.1969 kehrt George Harrison zu den Beatles zurück.

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 15.1.1969.

von Timon Menge und Christof Leim

Getrennte Wege gehen die Beatles erst zu Beginn der Siebziger, doch dicke Luft herrscht schon vorher. Die Musiker fühlen sich ausgelaugt, gemeinsamer Tatendrang bleibt die Ausnahme. Am 10. Januar 1969 verlässt George Harrison sogar die Band. Fünf Tage später kehrt er zurück — allerdings mit Forderungen…

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Hört hier in Let It Be rein:

Klickt auf „Listen“ für das ganze Album.

Im Januar 1969 befinden sich die Beatles im Twickenham Studio in London und arbeiten an ihrer Platte Let It Be. Das White Album (1968) hallt noch nach, das Erscheinen von Yellow Submarine (1969) steht kurz bevor. Als die Band am Morgen des 10. Januar mit wenig Erfolg an den Songs Get Back und Two Of Us arbeitet, hat George Harrison die Nase voll. Er verlässt das Studio und lässt die anderen drei Musiker im Regen stehen. Nachdem sich McCartney, Lennon und Starr die erste Wut von der Seele gespielt haben, sagt Lennon trocken: “Ist er am Dienstag nicht zurück, holen wir Clapton.” Am 12. Januar treffen sich die Beatles bei Harrison zuhause, doch die Zusammenkunft verläuft alles andere als gut und endet von Harrisons Seite mit einem: “Man sieht sich.”

Einer der Gründe für Harrisons Abgang: Immer wieder geraten er und Paul McCartney aneinander. Harrison emanzipiert sich zu jener Zeit als Songschreiber und empfindet McCartney als zu dominant. In einem Interview mit dem Rolling Stone erzählt er: „Es ist mir immer sehr schwergefallen, beim Songwriting mitzumischen, weil Paul diesbezüglich sehr aufdringlich war. Wenn er meine Songs gespielt hat, lief das immer gut. Ich musste allerdings 59 seiner Ideen ausprobieren, bevor er sich meine überhaupt anhören wollte.“



Auch John Lennon und Harrison sind sich zu jener Zeit nicht grün. So stellt der britische Musikjournalist David Stubbs in einem Artikel für das Magazin Uncut die These auf, Harrison sei sogar noch genervter von Lennon als von McCartney, weil Lennon Probleme mit Harrisons wachsendem Einfluss auf das Songwriting gehabt habe. Nicht nur das: Lennons Beziehung zu Yoko Ono treibt einen Keil zwischen die beiden Beatles, die sich gerade erst richtig angefreundet hatten — vermutlich auch über ihre gemeinsame Vorliebe für LSD.

Außerdem stört Harrison sich daran, dass im Studio ein Film gedreht werden soll, obwohl die Beatles nur streiten. „Es kam vor der Kamera nie zum Eklat“, räumt er später ein. „Aber ich habe mich die ganze Zeit gefragt, was das eigentlich soll.“ Er beschließt, die Band zu verlassen — ein Prozess, den auch Schlagzeuger Ringo Starr durchläuft, und zwar nur wenige Monate zuvor während der Sessions zum White Album.



Einige Tage nach Harrisons Abgang merken McCartney, Lennon und Starr endgültig, dass die Band nicht ohne den Gitarristen funktioniert. Die Musiker setzen ein Treffen für den 15. Januar an, und der verlorene Sohn taucht wieder auf — allerdings mit Forderungen. Harrison möchte im Gegensatz zu McCartney nach unfassbar vielen Konzerten nicht mehr live auftreten. Außerdem bittet er darum, das Studio zu wechseln. Die übrigen Bandmitglieder schlagen ein, die Beatles ziehen in die Apple Studios um und setzen den Aufnahmeprozess fort.


Die Symptome lassen sich durch die Veränderungen kurzzeitig bekämpfen, doch die Ursachen liegen tiefer. Trotz vorübergehender Wiedervereinigung kommt es langfristig zur Auflösung der Band. Vorher schließen die Briten die Aufnahmen des Albums Abbey Road ab, das durch diverse Umstände sogar noch vor Let It Be erscheint. Zur endgültigen Trennung kommt es im Frühjahr 1970, etwa einen Monat vor der Veröffentlichung der letzten Platte.

Zeitsprung: Am 21.1.1966 heiratet George Harrison. Eric Clapton grätscht rein.

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The Ronettes: 6 wegweisende Songs der legendären Girlgroup

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The Ronettes
Foto: Michael Ochs Archives/Getty Images

Am 12. Januar 2022 starb Ronnie Spector, die Leadsängerin der geschichtsträchtigen The Ronettes. Die Girlgroup aus New York war in den 1960er-Jahren eine wegweisende Popgruppe, die sich in Sachen Sound und Image deutlich vom Durchschnitt abhob.

von Markus Brandstetter

Ab 1963 arbeitete die Gruppe mit der Produzentenlegende (und dem späteren verurteilten Mörder) Phil Spector zusammen, den die Sängerin auch heiratete. Unseren Nachruf auf Ronnie Spector findet ihr hier. Zu Ehren der Sängerin wollen wir uns heute durch die größten Hits und wichtigsten und wegweisenden Songs von The Ronettes hören und ein wenig ihre Historie und den Hintergrund der Stücke beleuchten.

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1. Good Girls

Good Girls war die letzte Single von The Ronettes, die die Band über ihr altes Label Colpix Records veröffentlichte. Die Single schaffte keinen Platz in den Charts, die Band  war deswegen schwer enttäuscht und trennte sich von ihrem alten Label. Neue Geschäftsmöglichkeiten taten sich auf, die Gruppe unterschrieb bei Phil Spectors Label Philles Records. Der kommerzielle Erfolg konnte damit beginnen. Good Girls, die Single vor dem Erfolg, war vielleicht nicht so wegweisend, wie das, was unter Spectors Produktion folgen sollte — ist aber dennoch ein eingängiger, erinnerungswürdiger  Song.

2. Be My Baby

Be My Baby stammt aus der Feder von Phil Spector, Jeff Barry und Ellie Greenwich und ist der größte Hit der Band. Wobei: Spector hat im Grunde nur deswegen einen Songwriting-Credit, weil seine Produktion eben Kernstück des Songs ist. Be My Baby wurde am 15. August 1963 als Single veröffentlicht und schaffte es auf Platz zwei der US-Popcharts. Darauf zu hören ist die Creme de la Creme der damaligen Studiomusiker*innen-Szene — unter anderem spielt die großartige Carol Kaye (gemeinsam mit Ray Pohlmann) Bass, dazu sind mit Tommy Tedesco, Billy Strange, Barney Kessel und Bill Pitman gleich vier Gitarristen zu hören. Und weil ein Keyboard für eine Wall of Sound nicht reicht, sind auch vier Keyboarder mit dabei.

 3. Baby I Love You

Nachdem Be My Baby ein Erfolg wurde, war in Phil Spector der Ehrgeiz geweckt, nachzulegen. Allerdings gab es da ein Problem: The Ronettes sollten eigentlich touren. Ronnie blieb bei Phil im Studio, Estelle und Nedra gingen auf Tour, mit Verstärkung der Cousine Elaine. Weil man aber weitere Stimmen beim Aufnehmen brauchte, halfen Bekannte aus: So übernahmen Cher, Sonny Bono und Darlene Love die Backing Vocals auf dem Stück. Am Piano: der große Leon Russell.

 4. (The Best Part Of) Breakin’ Up

„Wenn Phil einen Song so sehr liebte wie (The Best Part of) Breakin’ Up, konnte er tagelang daran arbeiten, ohne jemals müde zu werden. Er verbrachte Stunden damit, die Harmonien mit Nedra und Estelle auszuarbeiten, und sprang jedes Mal auf und ab, wenn er etwas hörte, das ihm gefiel“, erinnerte sich Ronnie Spector in ihrer Autobiografie an die Aufnahmen zu  (The Best Part Of) Breakin’ Up.

 5. Do I Love You?

Junge Liebe – davon handelt Do I Love You?, das die Ronettes 1964 mit dem Song Bebe And Susu als B-Seite veröffentlichten. Geschrieben wurde der Song von Phil Spector, Pete Andreoli and Vini Poncia.

6. Walkin’ In The Rain (1964)

Walkin’ In The Rain — geschrieben von Barry Mann, Phil Spector und Cynthia Weil, wurde im Laufe der Jahre oft gecovert — unter anderem von The Walker Brothers und Jay & The Americans. The Ronettes, für die der Song geschrieben wurde, landeten 1964 damit auf Platz 23 der Billboard Top 100 Song, in den Billboard R&B Charts war sogar Platz 8 drin.

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Riot Girls: Die Musikerinnen, die die Welt veränderten

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