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Die musikalische DNA von Creedence Clearwater Revival

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Zwischen 1967 und 1972 passierte einiges in der Weltgeschichte, vor allem aber in der Rock-Welt. Woodstock allein wurde zum Symbol für den Aufbruchswillen einer ganzen Generation. Dass eine kalifornische Band mit dem nebulösen Namen Creedence Clearwater Revival dort ebenfalls auf der Bühne stand, ist heutzutage fast in Vergessenheit geraten. Denn anders als von so vielen anderen – Joe Cocker, Jimi Hendrix, Jefferson Airplane oder Janis Joplin – gibt es kaum offizielle Aufnahmen des Quartetts, das bei seinem Set in 50 Minuten von Born On The Bayou bis hin zu ihrem Suzie Q-Cover alle seine Hits im Schnelldurchlauf durchnudelte. Bandleader John Fogerty ließ kein gutes Wort an der Vorband Grateful Dead, dem Publikum oder der Performance seiner Band und verbat sich, dass Mitschnitte des Auftritts im heute ikonischen Woodstock-Dokumentarfilm und dem dazugehörigen Soundtrack zu sehen oder zu hören waren.


Hört euch hier einen Vorgeschmack der musikalischen DNA von Creedance Clearwater Revival an:

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Das allein sagt wohl schon alles über die von Fogerty mit seinem Bruder Tom an der Gitarre gegründete Band aus, die mit Stu Cook am Bass und Doug Clifford hinter dem Kit eine erstklassige Rhythmussektion vorweisen konnte. Creedence Clearwater Revival gingen nie den Weg des geringsten Widerstands, sondern schwammen am liebsten gegen den Strom – mit hohem Tempo obendrein, wie ihre Diskografie beweist. Das sorgte nicht nur für Konflikte untereinander und mit ihrer Plattenfirma Fantasy, sondern versperrte ihnen sicherlich auch den einen oder anderen Erfolg. Insbesondere Mastermind John Fogerty ist als herrischer Querkopf bekannt. Wann auch immer seine Kollegen sich ins Songwriting einmischen wollten, es gefiel ihm nicht. So vergraulte er erst seinen Bruder Tom und konnte die Band selbst dadurch nicht retten, kurz vor ihrer Auflösung einen demokratischeren Weg einzuschlagen: Creedence Clearwater Revival gingen sang- und klanglos unter.

Die Band ging dennoch in die Geschichte ein. Mit einem Sound, der so gar nicht nach ihrer Herkunft aus dem „Sunshine State“ Kalifornien, sondern nach dem sumpfigen Süden der USA klang – schwer und süßlich wie die Luft vor einem Unwetter, mit viel Blues im Gepäck. Was diesen einzigartigen Sound geprägt hat und welche Einflüsse nicht allein John Fogerty in sich aufnahm, das erfahren wir mit Blick auf die musikalische DNA der Band.


1. Vince Guaraldi Trio – Cast Your Fate to the Wind

Wie wäre die Karriere von Creedence Clearwater Revival wohl verlaufen, wäre es nicht zu den internen Konflikten und den Auseinandersetzungen mit ihrer Plattenfirma gekommen? Ihren Anfang nahm die Band immerhin auf noch recht klassische Weise: John Fogerty, Doug Clifford und Stu Cook lernten sich in der Schule kennen und fingen an, im Jahr 1959 regelmäßig zu jammen, bevor sie Johns Bruder Tom ins Boot holten. Damals firmierten sie noch unter dem Namen The Blue Velvets, ein zugegebenermaßen eingängigerer Titel als der, mit dem sie später für kurze Zeit berühmt werden sollten. Kurzzeitig benannten sie sich aber zuerst noch auf Anraten von Fantasy-Mitbegründer Max Weiss in The Visions um, dann in The Golliwogs.

Auf Fantasy waren sie gestoßen, weil das Label mit Cast Your Fate to the Wind von Vince Guaraldi einen US-weiten Hit landen konnte. Der war eigentlich weit vom Sound der jungen Band entfernt, die sich schon unter dem Namen The Blue Velvets mit Songs wie Come On Baby am klassischen Rock’n‘Roll orientierten und sich zunehmend den Klängen der Südstaaten näherten. Der lange Findungsprozess des Quartetts endete schlagartig nach acht Jahren, als Saul Zaentz das Label Fantasy aufkaufte, die Gruppe zum Namenswechsel überredete und sie für die Aufnahme ihres Debütalbums ins Studio schickte. Es sollte der Beginn einer schwierigen Beziehung zwischen Fantasy und den vier CCR-Mitgliedern sein, die noch lange nach Ende der Gruppe viel Streit ertragen mussten.


2. Dale Hawkins – Suzie Q.

Zuerst aber gelang es der mit neuem Selbstvertrauen ausgestatteten Band, einen moderaten Hit zu landen. Der allerdings stammte nicht aus der Feder des Haupt-Songwriters John Fogertys, sondern ging auf Dale Hawkins zurück. Neben einer CCR-Interpretation von Screamin’ Jay Hawkins’ I Put A Spell On You und zwei Stücken, welche die Band bereits unter dem Namen The Golliwogs veröffentlicht hatte, war Suzie Q. keine neue Komposition. Das Stück bewies aber in vollem Umfang, dass die Truppe auf ihrem Debütalbum ihren Sound gefunden hatte.

Ganze achteinhalb Minuten lang ist die Album-Version des Stücks, in dem Hawkins 1957 den Sound Louisianas eingefangen hatte. Der scharfkantige Groove der CCR-Interpretation, die minimalistische Gitarrenfigur, das entspannte und doch mitreißende Gitarrensolo – in all dem zeigten Creedence Clearwater Revival erstmals ihr volles Könnn. Erstaunlicher Weise war das Cover aus Kalkül heraus entstanden, erklärte John. „Diese kleine Underground-Radiostation aus San Francisco, KMPX, spielte allerhand verrückten Kram. Ich erzählte den Jungs, dass wir es am ehesten ins Radio schaffen würden und mehr Aufmerksamkeit bekämen, wenn wir ins Studio gingen und eine Version von Suzie Q einspielen würden, die dort gespielt werden könnte.“ Gesagt, getan!


3. Louis Armstrong & The Miller Brothers – Old Folks at Home (Swanee River)

So ganz glücklich war die Band, insbesondere John, mit dem Stück aber nicht. Ein schlechtes Omen vielleicht? Bis zum Ende ihrer kurzen Karriere zumindest waren sie quasi verpflichtet, es immer wieder zu spielen – auch in Woodstock, versteht sich. Immerhin konnten sie dem Stück einen ganz eigenen Spin geben. John allerdings klärte eifrig ein hartnäckiges Missverständnis auf, als er 1993 mit dem Rolling Stone sprach: „Es wird gerne gesagt, dass das, was wir da machten, sehr weit von dem entfernt war, was in San Francisco abging“, meinte er damals. „Aber das stimmt so nicht. Suzie Q war genau für diesen Sound gemacht.“

Dennoch orientierte sich die Band eindeutig in den Osten der USA, genauer gesagt dem Südosten, wie es Hits à la Born on the Bayou bewiesen. Das mag auch viel mit der Früherziehung der Fogerty-Brüder zu tun haben. Elvis, Little Richard, Chuck Berry, Pete Seeger, Chet Atkins und Duane Eddy rockten durchs Elternhaus, die Mutter brachte dem kleinen John sogar das Liedgut von Stephen Foster bei. Der „Vater der amerikanischen Musik“ schrieb Mitte des 19. Jahrhunderts Songs wie Old Folks at Home, der heute unter dem Titel Swanee River bekannt ist und der unter anderem in einer Version von Louis Armstrong und den Miller Brothers weltberühmt wurde. Der mystische Süden schien für John so viel spannender als die langweilige kalifornische Kleinstadt El Cerrito. Und die Musik erst!


4. Elvis Presley – Blue Suede Shoes

Neben dem klassischen Liedgut allerdings standen auch neue Releases aus den Südstaaten auf dem Programm, versteht sich. Die Revolution, die Elvis Presley lostrat, ging auch an den Fogertys nicht unbemerkt vorbei. „Ich sag‘ euch was, ich habe die erste Elvis-Platte gekauft, als sie 1956 herauskam“, erinnerte sich John noch 2011 an den Wasserscheidenmoment der Rock-Geschichte. „Ich wage mal zu behaupten, dass ich sie seitdem tausendmal gehört habe. Ich hatte es 30 oder 40 Jahre nicht gehört, letztens aber wieder über meinen iPod angemacht. Es war, als wäre ich zurück im Jahr 1956, so tief in mir verwurzelt war dieser Sound.“

Die Platte mit dem ikonischen Schriftzug nimmt mit Blue Suede Shoes ihren Auftakt, einer Komposition des Rockabilly-Musikers Carl Perkins. Bis heute ist Perkins fast nur für dieses Stück bekannt, das der junge Elvis auch deswegen so gerne coverte, weil er als glühender Verehrer des älteren Musikers diesem einen Gefallen tun wollte. Das gelang ihm zwar, denn Perkins konnte sich an jeder Menge Tantiemen erfreuen. Doch das Stück selbst scheint für immer Elvis zu gehören – so wie die anderen Stücke auf Elvis Presley, die nicht aus der Feder des jungen Wilden stammten. Dass dieser übrigens 1970 mit Proud Mary einen CCR-Hit vom Album Bayou Country coverte, dürfte für John Fogerty einem Ritterschlag gleichgekommen sein.


5. Lead Belly – Pick a Bale of Cotton

„Es ist schon merkwürdig, wie sehr wir an der Musik hängen, die wir lieben“, sinnierte Fogerty im Rolling Stone-Interview über sein Verhältnis zum Elvis Presley-Album. Gerade als Songwriter gesprochen mag das stimmen. Die für ihre unglaubliche Produktivität bekannten Creedence Clearwater Revival wandten sich schließlich nicht selten dem Material anderer Musiker zu, um daraus Inspiration zu beziehen. 1969 veröffentlichten sie satte drei Alben in nur einem Jahr! Kein Wunder, dass dafür in die Trickkiste gegriffen wurde: Bei Cotton Fields und Midnight Special handelte es sich um Coverversionen von zwei Lead Belly-Stücken, wobei das zweite wiederum auf ein Traditional zurückgeht.

Obwohl die LP Willy and the Poor Boys, das letzte der drei in diesem Jahr veröffentlichten Alben, vor allem wegen seines Openers Down on the Corner im popkulturellen Gedächtnis geblieben ist, lässt die Auseinandersetzung mit Lead Belly tief blicken. „Er war ein großer Einfluss“, gab Fogerty 2012 im Interview mit Uncut zu. „Ich habe ihn durch Pete Seeger kennengelernt. Wenn du die Musik von diesen Typen anhörst, kommst du immer näher zu den Wurzeln des Baums.“ Moment, welcher Baum denn? Na klar, was Fogerty hier meint, ist der klassische Rock-Sound, der seinen Anfang im Blues nahm. Der Multiinstrumentalist Lead Belly trug einen Löwenanteil dazu bei, den Weg für Rock’n‘Roll zu ebnen.


6. Little Richard – Good Golly, Miss Molly

Zwischen Lead Belly und Creedence Clearwater Revival besteht so eine deutliche Verbindungslinie. Diese führt unter anderem durch das Werk Elvis Presleys, aber auch andere Musiker waren bei der Transformation vom Blues in den modernen Rock-Sound von Bedeutung. Wer Rock sagt, darf von Little Richard nicht schweigen! Der nämlich – und nicht etwa Elvis – gilt als Erfinder des Rock’n‘Rolls. Und war nebenbei an der Entstehung von Soul- und Funk-Musik beteiligt. Seine Musik gehörte selbstverständlich auch zur musikalischen Früherziehung der Teenager, die sich zuerst unter dem Namen The Blue Velvets zusammenschlossen und als Creedence Clearwater Revival die Welt erobern sollten.

Das Stück Travelin’ Band, das CCR im Januar 1970 veröffentlichten, lässt deutlich den Sound des flamboyanten Tutti Frutti-Sängers anklingen. Das fiel auch den Rechteinhabern von Little Richards Song Good Golly, Miss Molly auf… Es kam, wie es kommen musste: 1972 waren CCR gezwungen, sich vor Gericht zu den Plagiatsvorwürfe zu äußern, konnten die Angelegenheit aber außergerichtlich klären. Little Richard scheint es der Band allerdings nicht übel genommen zu haben. Bei den 50. Grammy Awards im Jahr 2008 teilte er sich gemeinsam mit John und Jerry Lee Lewis eine Bühne und gab mit ihnen zusammen auch Good Golly, Miss Molly zum Besten. Bestens gelaunt natürlich. Da herrschte garantiert kein böses Blut!


7. Booker T. & The M.G.’s – Green Onions

Obwohl das verkorkste Little Richard-Cover also zuerst einen schlechten Beigeschmack hatte, glätteten sich die Wogen doch im Laufe der Zeit. Sowieso trugen Creedence Clearwater Revival im Allgemeinen ihr Herz auf der Zunge, wenn es um ihre musikalischen Einflüsse ging. Ihr sechstes Studioalbum Pendulum etwa steht explizit unter dem Einfluss von Booker T. & the M.G.’s, mit denen die Band für eine ausgedehnte Jam-Session ins Studio ging, die als Fantasy Session ‘70 in die Geschichtsbücher einging.

Neben dem bereits bekannten Screamin‘ Jay Hawkins-Stück I Put a Spell on You standen dabei vor allem CCR-Songs auf dem Programm. Jones‘ E-Orgelspiel hinterließ dennoch einen mehr als bleibenden Eindruck. Have You Ever Seen the Rain? ist einer der Hits von Pendulum und lebt auch von den markanten Orgeltönen, die sich zur Hälfte des Songs langsam in den Hintergrund schleichen. Ein eindeutiger Gruß an den Sound von Booker T. Jones, der neben der Orgel übrigens noch eine ganze Reihe anderer Instrumente perfekt beherrscht. Doch für den wuchtigen, warmen Sound des Geräts ist er am ehesten bekannt – allem voran wegen der Hit-Single Green Onions natürlich.


8. Ricky Nelson – Hello Mary Lou (Goodbye Heart)

Pendulum war bereits von den internen Spannungen in der Band geprägt. Tatsächlich hat John in Interviews angedeutet, dass sich Have You Ever Seen the Rain? auf metaphorischer Ebene mit dem Schicksal seiner Gruppe befasste: Zu diesem Zeitpunkt hatten Creedence Clearwater Revival (eigentlich) alles erreicht, standen auf dem Höhepunkt ihres Zenits, waren reich und berühmt – zugleich aber enttäuscht und deprimiert, zerstritten und unschlüssig über ihren zukünftigen Werdegang. „Have you ever seen the rain / coming down on a sunny day“ sprach das deutlich aus. Noch deutlicher wurde die innere Zerrissenheit von CCR auf Mardi Gras – ihrer letzten LP, der ersten Tom, welcher nach den Aufnahmen von Pendulum das Handtuch geworfen hatte.

Auf Mardi Gras verteilten sich die Rollen neu, Cook und Clifford konnten sich endlich als gleichberechtigte Songwriter neben John beweisen – und scheiterten kläglich. Obwohl sich die Platte noch solide verkaufte, konnten weder die Presse noch die Fans viel Gutes an Mardi Gras finden. Was für ein klägliches Ende! Die Zeilen „Well, hello Mary Lou / Goodbye heart“ schienen in dem Kontext geradezu zynisch: Das hintergründige Liebeslied, das Gene Pitney für das ehemalige Teenie-Idol der Rock’n‘Roll-Ära, Ricky Nelson, geschrieben hatte, klang in der CCR-Version hohl und kraftlos. So ließ es sich nicht ordentlich Abschied nehmen, erst recht nicht von einer Band, in die so viel Herzblut geflossen war!


9. Marvin Gaye – I Heard It Through the Grapevine

Die besseren Cover-Versionen von Creedence Clearwater Revival hörten sich stattdessen wie musikalische Manifeste an. Die elfminütige (!) Interpretation des Motown-Klassikers I Heard It Through the Grapevine zum Beispiel, die auf dem Album Cosmo’s Factory zu hören war, legte nicht nur das Interesse der Band am zeitgenössischen Soul-Sound offen, sondern zeigte sie auch in ihrer vollen musikalischen Blüte. Die Komposition von Norman Whitfield und Barrett Strong, die von Detroits Goldkehlchen Marvin Gaye weltberühmt gemacht wurde, gerann bei CCR zu einem fiebrigen Ausdauer-Jam. Der psychedelische Anstrich, der bereits bei Gaye zu hören war, wurde hier voll ausgekostet.

Vielleicht ist es kein Wunder, dass sich die Band ausgerechnet einen Song über Betrug auswählte, während es innerhalb des Gefüges und mit ihrer Plattenfirma so langsam zügig bergab ging. Die harte Studioarbeit – schon der Titel, ein kleiner Scherz in Bezug auf Cliffords Spitznamen „Cosmo“, spielte auf den Arbeitsethos der Gruppe an – und die vielen Touren sowie Johns zunehmend diktatorisches Gehabe setzen den drei anderen Mitgliedern ziemlich zu. Und während sich Fantasy-Chef Saul Zaentz von den Platteneinnahmen ein Riesenanwesen für das Labelhauptquartier gönnte, ging nur wenig von dem Geld an die Band.


10. Tina Turner – Proud Mary

Von da an ging es nur bergab – und das rapide. Eine Reunion schien seit 1972 immer unwahrscheinlich, spätestens seit dem Tod Tom Fogertys an den Folgen seines AIDS-Leidens umso mehr. Zaghafte Annäherungen oder gemeinsame Auftritte der Originalmitglieder hatten höchstens den Anschein einer einmaligen Angelegenheit und die jeweiligen an CCR-Material angelehnten Projekte von John hier und Clifford mit Cook dort schienen nie das Wahre zu sein. Es verwundert auch nicht, wenn wir uns die Scherereien in den Sinn rufen, die Creedence Clearwater Revival nach ihrer Auflösung durchmachen mussten.

Wusstet ihr beispielsweise, dass Zaentz John verklagte, nachdem ihm dieser alle Rechte für den CCR-Katalog überschrieben hatte? Der Vorwurf: Fogerty hätte als Solo-Künstler seine Arbeit mit CCR plagiiert. Bizarr, oder? Bis 1987 sollte John bei öffentlichen Auftritten kein CCR-Material mehr spielen. Solange, bis ihn Bob Dylan und George Harrison umstimmen konnten. „Wenn du den Song nicht spielst, denkt die ganze Welt irgendwann, dass Proud Mary ein Tina Turner-Stück ist!“, hieß es, als sie ihn bei einem Auftritt in Los Angeles auf der Bühne besuchten. Das wäre – nichts gegen Tina und ihre Version! – ja allerdings dann doch zu schade. Creedence Clearwater Revivals sowieso schon tragische Geschichte hätte kein solches Ende verdient.


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David Lee Roth veröffentlicht nostalgischen Song über Van Halen

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Foto: Seth McConnell/Getty Images

Nothing Could Have Stopped Us Back Then Anyway heißt der neue Solo-Song von David Lee Roth. Darin setzt sich der Sänger auf sehr emotionale Weise mit der goldenen Ära von Van Halen auseinander.

von Björn Springorum

Nostalgie und ein wenig wohlverdiente Verklärung bestimmen das Bild in David Lee Roths neuestem Solo-Song. Das soeben veröffentlichte Nothing Could Have Stopped Us Back Then Anyway ist eine Hymne an das klassische Line-Up von Van Halen, deren Sänger Roth von 1974 bis 1985 und dann noch mal von 2007 bis 2020 war. Auf YouTube gibt es zu dem Song ein wunderbares Foto aus der goldenen Ära der Band (siehe oben).

Denkmal für Van Halen

Die folkige, retroeske Ballade klingt wie eine Mischung aus Crosby, Stills & Nash und den ruhigeren Sachen von Van Halen und zeigt David Lee Roth in reflektierender Stimmung. In den Lyrics heißt es unter anderem:

We laughed, we cried, we threw the television off that balcony – that memory means so much to me.

Wofür der Song gedacht ist, bleibt allerdings ein kleines Geheimnis. Wahrscheinlich wollte der Sänger einfach mal wieder die Vergangenheit hochleben lassen. Schon 2020 haute David Lee Roth mal fünf Songs für ein Projekt rund um ein Comic raus, an dem auch Rob-Zombie-Gitarrist John 5 musikalisch beteiligt war. Der hat sich übrigens schon lang auf dieses Van-Halen-Tribut gefreut, das jetzt endlich erschienen ist und auf dem er auch spielt. „Einen schöneren Song habe ich mit Dave noch nie gemacht“, schwärmte er kürzlich. „Ich weiß nicht, warum er den nicht veröffentlicht. Die Leute müssen ihn hören, weil er sich um Van Halen dreht. Einfach nur wundervoll!“

Spätestens jetzt können wir alle wohl sagen: Recht hat er!

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„A Different Kind Of Truth“: Van Halens Abschied mit David Lee Roth

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Red Hot Chili Peppers liefern erfolgreichste Rockplatte seit Januar 2021

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Foto: Anna Webber/Red Hot Chili Peppers

Unlimited Love von den Red Hot Chili Peppers ist in vielen Ländern direkt auf der Pole Position der Charts eingestiegen. In den USA ist es sogar das erfolgreichste Rock-Album seit Januar 2021 – und das, obwohl John Frusciante „das beste Zeug“ für den Nachfolger aufgehoben hat.

von Björn Springorum

Die Stimmung scheint gut im Lager der Red Hot Chili Peppers. Gerade erst haben sie ihr mit großer Spannung erwartetes neues Album Unlimited Love veröffentlicht. Und können sich schon eine gute Woche später ordentlich freuen: Nicht nur, dass die erste Platte mit John Frusciante seit Stadium Arcadium in Deutschland, Großbritannien und den USA direkt auf die Nummer Eins der Charts kletterte; in den USA ist das zwölfte Album der Band aus Los Angeles zudem die erfolgreichste Rock-Platte seit Januar 2021.

Allein in der ersten Woche konnten sie dort 97.500 Platten absetzen. Das übertraf zuletzt Sir Paul McCartney, der im Januar 2021 von McCartney III noch ein paar Exemplare mehr unter die Leute bringen konnte. Dennoch ein Triumph und ein wohlverdienter Erfolg für die Band, die augenscheinlich wieder zu alter Form, Stärke und Harmonie zurückgefunden hat.

48 neue Songs: so viele wie nie

Das Erstaunliche: Laut Rückkehrer John Frusciante hat sich die Band ganz bewusst „das beste Zeug“ für den Nachfolger aufgehoben, wie er in einem neuen Interview preisgegeben hat. Ganze 48 Songs sollen die Red Hot Chili Peppers diesmal geschrieben haben, bevor sie ins Studio gingen – so viele wie nie zuvor. „Ich wollte schon bei 20 Songs aufhören, weil ich der Meinung war, das reicht“, erzählt er bei Total Guitar. „Doch eines führte zum anderen und irgendjemand brachte mich immer wieder dazu, noch mehr Songs anzuschleppen. […] Einige der besten Sachen haben wir uns für den Nachfolger aufgehoben. Klar, das sich mich schon jetzt darauf freue!“

Alles scheint darauf hinzudeuten, dass die Pause bis zum nächsten Album nicht wieder sechs Jahre lang wird. Erst mal geht es aber natürlich mit Unlimited Love auf Welttournee – und sind im Juli auch in Deutschland zu Gast.

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Red Hot Chili Peppers: 10 Dinge, die uns beim Hören von „Unlimited Love“ in den Sinn gekommen sind

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Zeitsprung: Am 8.10.1948 wird der legendäre Punkrock-Gitarrist Johnny Ramone geboren .

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Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 8.10.1948.

von Christof Leim und Tom Küppers

Heutzutage werden die Ramones als essenzielle Wegbereiter angesehen, ohne die die Geschichte der Rockmusik anders verlaufen wäre. Die Reduktion auf das Wesentliche spiegelt sich nicht bloß in ihren Kompositionen wider, sondern auch im brachialen Sound ihres Gitarristen Johnny Ramone. Bevor die Ramones als Kulturgut anerkannt wurden, musste allerdings erst ein ganzes Bandleben vergehen.


Die größten Hits der Ramones. Muss man kennen. Hier reinhören.

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Johnny Ramone wird am 8. Oktober 1948 in Queens, New York als Einzelkind geboren und auf den Namen John William Cummings getauft. Sein Vater hat vom Militär eine Vorliebe für Disziplin mit nach Hause gebracht, die die Erziehung seines Sohnes prägt. Wenn bei TV-Sportübertragungen die Nationalhymne gespielt wird, hat man gefälligst aufzustehen, und auch sonst lässt der alte Cummings keine Ausreden zu. Einmal bricht sich der kleine Johnny einen Zeh, was für den Vater noch lange nicht als Grund gilt, das anstehende Baseball-Spiel abzusagen: „Was soll das heißen, du bist verletzt? Habe ich etwa ein Baby großgezogen? Ich habe in meinem ganzen Leben noch nicht einen Tag auf der Arbeit gefehlt!“, lautet die knallharte Ansage, wie Johnny sich in der Biografie On The Road With The Ramones erinnert. In der neunten Klasse entscheidet sich der Junge schließlich für den Besuch einer Militärschule. „Offizier werden und früh in den Ruhestand gehen. Ich dachte, das klingt nach einem guten Lebensentwurf“.

Immer Vollgas: Johnny Ramone 1977. Credit: Michael Markos. Credit: Michael Markos

Zwei Jahre später wechselt er jedoch zurück in den normalen Schulbetrieb. Mittlerweile haben die Beatles und die Stones den Rock’n’Roll nach Amerika gebracht, Johnny lässt sich die Haare wachsen und weiß nach dem Abschluss nichts mit sich anzufangen. Im Alter von 19 Jahren durchlebt er eine kurze, aber heftige Drogenphase, beklaut Mitschüler sowie ältere Menschen und landet deswegen mehrfach im Knast. Mit 20 beschließt er, sein Leben wieder auf die Reihe zu kriegen, und sucht sich einen Job. Doch die Sache mit der Musik lässt Johnny nicht los. Seine erstes Konzerterlebnis hatte er 1964 mit den Stones, in den folgenden Jahren entgeht ihm keine größere Show. Egal, ob Hendrix, Alice Cooper, MC5 oder die Stooges nach New York kommen – Johnny ist dabei. 1972 lernt er Dee Dee Ramone kennen, der ihn überredet, sich eine Gitarre zu kaufen und mit ihm eine Band zu gründen. Aus der gehen schließlich die Ramones hervor. Hier ein ganz früher Mitschnitt:



Prinzipiell sind die Ramones der Gegenentwurf zu den seinerzeit angesagten Klängen. „Wir haben unsere Band gegründet, weil uns alles gelangweilt hat, was man zu hören bekam“, fasst Sänger Joey Ramone zusammen. „Endlose Jams, lange Gitarrensoli – uns fehlte Musik, wie sie früher einmal war.“ Ein paar Akkorde, einfache Songs mit noch einfacheren Refrains und eingängigen Textphrasen in bis dato unerhörtem Tempo und Sound – das ist das Rezept, dem die Ramones bis zu ihrem Ende folgen werden. Johnny erweist sich nicht als der beste Songschreiber und überlässt diese Aufgabe Joey und besonders Dee Dee, der für einige der größten Perlen im Katalog verantwortlich ist. Doch der Gitarrist bringt im Gegenzug die vom Vater geerbte Disziplin ein. Er sieht Konzerte als „Jobs“, besteht auf Pünktlichkeit und strengen Busregeln. Was unterm Strich dafür sorgt, dass die Ramones 22 Jahre permanent auf Achse sind, was sich in sagenhaften 2263 Auftritten, 14 Studioalben und einem Kultfilm manifestiert.

Die Ramones in voller Fahrt 1976 in Toronto. Credit: Plismo

Damit legen die Ramones den Grundstein für das, was wir Punkrock nennen. Ihr Einflussauf die Welt der Krachmusik lässt sich nicht groß genug einschätzen, unzählige Rocker weltweit nehmen wegen der Ramones Gitarren in die Hand und lärmen los. Das liegt vor allem am Stil von Johnny: Drei Akkorde reichen, konsequent von oben angeschlagen, kein Firlefanz, kein Soli, dafür immer volles Brett und Vollgas. Songs wie Blitzkrieg Bop, I Wanna Be Sedated und Sheena Is A Punk Rocker werden zu Initialzündungen und unsterblichen Hymnen.



Unter den gegebenen Umständen grenzt die Langlebigkeit der Band nahezu an ein Wunder, denn Johnny und sein Sänger Joey reiben sich konstant aneinander. Der eine pflegt einen disziplinierten Lebensstil und bekennt: „Seit Nixon gegen Kennedy angetreten ist, wähle ich die Republikaner.“ Der andere entwickelt sich zum liberalen Freigeist, leidet an ODC und trinkt zu viel. Der endgültige Bruch in ihrer persönlichen Beziehung passiert Anfang der Achtziger, als Johnny Joey dessen Freundin Linda ausspannt und später heiratet. The KKK Took My Baby Away thematisiert diese Spannungen nicht gerade subtil. In den folgenden Jahren reden Johnny und Joey, die als einzige von Anfang bis Ende zur Band gehören, de facto nicht mehr miteinander. Das ändert sich auch nicht, als Joey 2001 auf dem Sterbebett liegt.

Eheleute Johnny und Linda Ramone in trauter Zweisamkeit. Credit: Azula Mitchell

1983 wird Johnny dann vor seiner Haustür zusammengeschlagen. Er erleidet eine Schädelfraktur und überlebt nur dank einer Notoperation am Gehirn. Offiziell wird dieses Thema nie wieder angesprochen, doch die Wahl von Too Tough To Die (1984) als Titel für das nächste Album sagt schon genug.



Ansonsten gilt Johnny Ramone als harter Knochen und nicht immer angenehmer Zeitgenosse. Manchmal fällt sogar explizit das Wort „Arschloch“. Zeitzeugen wie der Iggy Pop-Manager John Giddings berichten, Johnnys Ansichten seien „konservativer als die von Attila dem Hunnen“. Ronald Reagan erklärt er zum „besten Präsidenten, den ich Zeit meines Lebens erleben durfte“. Als sich Reagan 1985 mit der Bitburg-Kontroverse in die Nesseln setzt, widmen ihm die Ramones mit Bonzo Goes To Bitburg eine eigene Single. Die muss auf Johnnys vehementes Drängen für die Albumversion in My Brain Is Hanging Upside Down (Bonzo Goes to Bitburg) umgetauft werden. (Der Text bleibt unangetastet.)



1996 löst sich die Band auf, Johnny lebt mittlerweile in Los Angeles. Als die Ramones 2002 in die Rock And Roll Hall Of Fame aufgenommen werden, bedankt sich der Gitarrist beim damaligen amerikanischen Präsidenten George W. Bush. Am 15. September 2004 schließlich verstirbt Johnny Ramones im Alter von 55 Jahren in seinem Haus an Prostatakrebs. Mittlerweile sind aller vier Originalmitglieder der Ramones wieder auf der anderen Seite vereint.

Johnnys letzte Ruhestätte. Credit: Matt RF Webb


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