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Popkultur

Die frühen Frauen des Rock’n’Roll: Wichtig, aber übersehen

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Sister Rosetta Tharpe
„Godmother of rock and roll“: Sister Rosetta Tharpe im Jahr 1940. Foto: James Kriegsmann/Michael Ochs Archives/Getty Images

Suzi Quatro, Grace Slick oder Patti Smith: Sie alle verehren wir mindestens genau so sehr wie ihre männlichen Pendants, wenn wir über Rock reden. Ihnen ging jedoch eine Generation an Musikerinnen voraus, deren Namen sich nicht so stark ins popkulturelle Bewusstsein einfräsen konnten – dabei haben die frühen Frauen des Rock ganz schön was zu bieten. Schauen wir uns fünf beeindruckende Vertreterinnen an!

von Victoria Schaffrath

1. Peggy Jones

Wen man als „Königinmutter der Gitarre“ bezeichnet, hat sich eine Nennung in dieser Liste offensichtlich verdient. 1940 im New Yorker Stadtteil Harlem geboren, besucht sie eine Schule für die darstellenden Künste. Mit 15 gibt es dann die erste Gitarre, die die junge Frau praktisch nicht mehr aus der Hand legt, bis sie durch Zufall auf Bo Diddley trifft. Der holt die ehrgeizige Dame prompt in seine Band, wo sie so zur womöglich ersten veritablen Rock-Gitarristin wird. Hören kann man sie außerdem auf Aufnahmen von Les Cooper, James Brown und den Animals. Diddley schätzt sie auch später noch sehr: „Sie ist die einzige, die auf die echte Art spielen kann. Sie kennt alle meine Moves.“ Den Spitznamen „Lady Bo“ trägt sie dank dieser Zeit bis an ihr Lebensende im Jahr 2015. Bis zuletzt bleibt sie musikalisch aktiv.

2. Sister Rosetta Tharpe

Gospel kann auch Rock’n’Roll: In den Dreißigern und Vierzigern erspielt Sister Rosetta Tharpe, geboren 1915 als Rosetta Nubin, mit ihrer Mischung aus Gospel und rhythmischem Blues eine völlig neue Musikrichtung. Klar, wer mit vier Jahren schon Gitarre lernt, hat Großes vor sich! Weltweiter Erfolg stellt sich 1938 mit Rock Me und spätestens 1944 mit Strange Things Happen Every Day ein. Letzterer Song gilt als wichtiger Vorbote des Rock’n’Roll.

Tharpes energiegeladene Musik beeinflusst nicht nur Little Richard, Elvis und Chuck Berry, sondern nach Europa-Tourneen Anfang der Sechziger auch die Herren Beck, Clapton und Richards. Woran das liegt? Die gute Frau nutzt eine ordentliche Portion Verzerrung, die damals wie heute mächtig Eindruck schindet. Mit brillanten Schachzügen trickst sie zudem die Segregation aus und stellt sich stets vor mitreisende Nachwuchsmusikerinnen, wenn diese mit Rassismus oder Sexismus konfrontiert werden. Passend also, dass man sie „Godmother of rock and roll“ tauft. Für die LGBTQIA-Gemeinschaft gilt sie als Ikone, denn auch wenn ein Coming-out ausbleibt, gilt ihre mögliche gleichgeschlechtliche Beziehung mit Marie Knight als offenes Geheimnis. 1973 stirbt sie viel zu früh an einem Schlaganfall.

3. Sparkle Moore

Gut, der Name Sparkle („Funken“) Moore steht 1936 freilich nicht in der Geburtsurkunde von Barbara Morgan, dennoch ist er Zeit ihres Lebens Programm. Schon seit der frühen Kindheit hört sie unterschiedlichste Musikrichtungen, lässt sich von Vaudeville, Gospel und Country inspirieren und greift schließlich selbst zur Hawaiianischen Steel-Gitarre. Mit Mitte zwanzig jubelt sie Bill Haley zu und ist fortan Feuer und Flamme für den Sound des Rock’n’Roll, wodurch sich ihr eigenes Spiel dem Rockabilly annähert. Ihre blonde Tolle und ihr Stil fallen auf; das Magazin Dick zieht Vergleiche zu James Dean und Elvis Presley, denn Moore interessiert sich wenig für gesellschaftliche Vorgaben und trägt einfach die gleichen Klamotten wie ihre männlichen Kollegen. So legt Moore einen frühen Grundstein für androgyne Rockstar-Looks.

4. Memphis Minnie

Wir gehen zurück bis ins Jahr 1897, in dem das Leben von Lizzie Douglas alias Memphis Minnie beginnt. Mit zehn Jahren beherrscht das Mädchen das Banjospiel, wenig später meistert sie die Gitarre. Als sie mit 13 von zu Hause wegläuft, schlägt sie sich mit Straßenmusik durch – und zwar auf der legendären Beale Street in Memphis. Hier wird sie Teil der sich rasant entwickelnden Blues-Szene. Zunächst füllt sie das schwache Portemonnaie noch mit gelegentlicher Prostitution (zu dieser Zeit für Musikerinnen nicht unüblich); in den Dreißigerjahren veröffentlicht sie mit ihrem zweiten Ehemann erstes Material. Nach der Scheidung experimentiert sie dann mit einem härteren Sound oder liefert sich gern mal Gesangswettbewerbe mit Big Bill Broonzy. In einer Biografie heißt es: „Sie hat die Gitarre nie aus der Hand gelegt, bis sie sie buchstäblich nicht mehr hochheben konnte.“ 1973 verstirbt sie an einem Schlaganfall, ihr Erbe bleibt jedoch lebendig: Jefferson Airplane, Donovan und Led Zeppelin sollen später ihre Songs covern.

5. Carol Kaye

Der Erfolg einer der produktivsten Bassspielerinnen überhaupt entsteht durch einen Zufall: Eigentlich zupft die 1935 geborene Carol Kaye nämlich den Sechssaiter, unterrichtet sogar und spielt in kalifornischen Big Bands. Das läuft so gut, dass sie beginnt, mit Größen wie Quincy Jones und Brian Wilson aufzunehmen. Genau bei so einer Session vermisst man eines Tages die für den Bass gebuchte Person, also schnappt sich Kaye kurzerhand selbst das neue Instrument. Das läuft so gut, dass sie fortan im Rock’n’Roll-Orchester The Wrecking Crew mitmacht – und damit quasi zur Hausband von Phil Spector gehört. Bis heute kann man sie daher auf Werken von Sonny & Cher, Stevie Wonder und den Supremes hören; zudem unterstützt sie auf Wahnsinns-Alben wie Pet Sounds und Smile von den Beach Boys. Schon einmal den weltbekannten E-Bass-Lauf auf These Boots Are Made For Walkin’ von Nancy Sinatra gehört? Den gibt es dank Carol Kaye.

Außerdem drückt sie schon früh in ihrer Karriere Evergreens wie La Bamba von Ritchie Valens und You’ve Lost That Loving Feeling von den Righteous Brothers ihren Stempel auf. Meist ist sie da die einzige Musikerin im Raum und ihrer Zeit damit weit voraus. Später beschäftigt sie sich mit Film-Soundtracks, so zum Beispiel bei Mission: Impossible. Um Geld geht es ihr dabei nicht: In einer Dokumentation über die Wrecking Crew gibt sie 2008 an, zeitweise mehr Geld verdient zu haben als der amtierende US-Präsident.

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Riot Girls: Die Musikerinnen, die die Welt veränderten

Popkultur

30 Jahre „MTV Unplugged“: Eric Claptons intimster Moment

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Eric Clapton
Titelfoto: David Redfern/Getty Images

Der größten Tragödie seines Lebens folgt sein größter Erfolg: Vor 30 Jahren veröffentlicht Eric Clapton sein MTV Unplugged-Album. Es löst einen Boom aus und beflügelt seine Karriere.

von Björn Springorum

Das MTV-Unplugged-Format ist nicht neu, als Eric Clapton am 16. Januar 1992 an der Reihe ist. Sein Konzert vor Livepublikum in den Bray Film Studios in Windsor, England, wird dem Format aber einen ebenso großen Popularitätsschub verleihen wie seiner Karriere. Das konnten Paul McCartney, Don Henley, Stevie Ray Vaughan, The Allman Brothers Band, Sting oder Elvis Costello, die alle vor Clapton dran waren, nicht von sich behaupten.

Das eigentlich Besondere an Claptons Performance für MTV Unplugged ist aber ihr Zeitpunkt: Im Januar 1992 ist es nicht mal ein Jahr her, dass sein vierjähriger Sohn Conor aus dem 53. Stock eines New Yorker Apartments in den Tod stürzte. Clapton zieht sich zurück, schreibt Tears In Heaven, um die Trauer zu bewältigen. Sein Auftritt in den Bray Film Studios ist einer der ersten öffentlichen Auftritte des Sängers nach der Tragödie. Es soll sein Triumphzug werden.

Die Tickets wurden verlost

Davon ahnt zunächst mal niemand etwas. Die BBC verlost 150 Ticketpaare für die Aufzeichnung, beantwortet werden muss die Frage, wo Eric Clapton während der Aufnahmen zu I Shot The Sherrif wohnte. Die Antwort ist 461 Ocean Boulevard in Golden Beach bei Miami, zugleich der Titel des Albums, auf dem die Nummer steht. Für Clapton-Ultras natürlich eine Fingerübung, die 300 Tickets sind dementsprechend ratzfatz weg.

In Bussen geht es raus aus London nach Windsor, wo Eric Clapton die intimste und purste Show seiner bisherigen Karriere spielen wird. Nach Ansicht einiger Zeitzeug*innen auch seine beste. Überwiegend ausgerüstet mit Akustikgitarren von Martin (Modell 000-42), von denen eine mal für fast eine Million US-Dollar bei einer Auktion unter den Hammer kam, spielt sich Clapton auf lässige, ruhige und unaufgesetzte Weise durch sein Repertoire.

Wie beflügelt durch das akustische Setting seiner Band schwingt sich seine Stimme in ganz neue Sphären auf, klingt voll und präsent wie vielleicht nie zuvor. „Es fällt mir viel leichter, meine eigene Lautstärke anzupassen, wenn alle akustisch spielen“, sagte er mal. „Normalerweise klinge ich immer furchtbar platt auf der Bühne. Hier konnte ich wirklich dynamisch singen.“ Es soll nicht der einzige Benefit sein, den Clapton aus Windsor mit nach Hause nimmt: Er wendet auch an der elektrischen Gitarre vermehrt Fingerpicking an.

In Gedenken an seinen Sohn

Die Songauswahl des Abends ist längst so ikonisch wie das Unplugged-Setting selbst: Der instrumentale Samba Signe eröffnet den Abend leichtfüßig, danach kommt Bo Diddleys Blues Before You Accuse Me. Was folgt, ist eine Mischung aus Clapton-Material und alten Blues-Croonern. Besonders intensiv sind natürlich die neuen Songs, die Clapton im Sommer 1991 nach dem Tod seines Sohnes schreibt: Circus, Lonely Stranger und natürlich Tears In Heaven, das in seiner Unplugged-Version riesige Erfolge feiern wird. Das Besondere: Sowohl Tearns In Heaven als auch seine neue Fassung des Klassikers Layla von Derek And The Dominos klingen an diesem Abend in ihren akustischen Arrangements kraftvoll, aber vollkommen anders. Tears In Heaven hat bei aller Melancholie eine gewisse Leichtigkeit, Layla klingt eher schelmisch als verzehrend. Liegt natürlich auch an der stellaren Begleitband um Andy Fairweather Low, Chuck Leavell, Nathan East und weiteren Assen.

26 Millionen verkaufte Platten

Insbesondere für Tears In Heaven wird man dieses Konzert, dieses Album und diese schwierige Phase in Eric Claptons Leben in Erinnerung behalten. „Eric war an diesem Abend in Hochform“, erinnert sich der Musikhistoriker Marc Roberty. „Nach dem Songs, die er in Gedenken an Conor geschrieben hat, wurde er von seinen Emotionen übermannt.“ Auch das Publikum zeigt sich sichtlich gerührt. Viel von Claptons Rückkehr ins Rampenlicht ist diesem besonderen Moment zuzuschreiben. Seit 1992 ist Clapton immer wieder akustisch aufgetreten, generell sind Unplugged-Konzerte dieser Art heute nichts Außergewöhnliches mehr. 1992 sind sie das noch.

Merkt man auch an den Verkaufszahlen: Das Album verkauft sich mehr als 26 Millionen Mal, ist die erfolgreichste Live-Platte aller Zeiten und das bestverkaufte aller Clapton-Werke. Bei den Grammys 1993 staubt Eric Clapton ganze sechs Trophäen ab, drei allein für MTV Unplugged. Das Format wird 1993 durch Nirvana noch ikonischer, Claptons Karriere nach einem schwachen Start in die Neunziger revitalisiert. Nicht übel für ein einfaches Steckerziehen.

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Zeitsprung: Am 20.3.1991 stirbt Eric Claptons Sohn bei einem Sturz aus dem Fenster.

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Popkultur

Zeitsprung: Am 18.8.1964 starten die Beatles zu ihrer ersten US-Tour.

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Foto: Universal Music

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 18.8.1964.

von Victoria Schaffrath und Christof Leim

Am 18.8.1964 starten John, Paul, George und Ringo ihre Reise nach Amerika, um dort ihre erste volle US-Tour zu spielen. Nebst skurrilen Anekdoten und einem Treffen mit Bob Dylan hält die Tour jedoch auch brenzlige Situationen bereit, die schon am Tag der Anreise beginnen. Wir erinnern uns, wie die Beatles die „British Invasion“ vollzogen.

Hört euch hier die das damals aktuelle Album A Hard Day’s Night an:

Bereits im Februar 1964 hatten die Beatles vier Shows in den Vereinigten Staaten gespielt und so den Grundstein für die Massenbegeisterung gelegt. Am 18. August 1964 reist die Band dann von London aus für weitere 26 Termine über den Teich und muss unterwegs zweimal anhalten, um das Flugzeug zu betanken. Mit jedem Boxenstopp werden die Umstände wahnsinniger: Erwarten sie beim ersten Halt in Winnipeg, Kanada noch 500 Fans und einige Radiojournalisten, zählt man wenige Stunden später in Los Angeles bereits 2.000 kreischende Anhänger und ein stattliches Presseaufgebot. Bei Halt Nummer drei in San Francisco zeigt die Uhr 18:24 und 9.000 Beatles-Fans machen ihrer ohrenbetäubenden Begeisterung Luft.

Einige Meilen vor dem Flughafengebäude errichten Organisatoren in weiser Voraussicht „Beatlesville“. Was sich nach Freizeitpark oder luxuriösem Rückzugsort anhört, ist lediglich ein abgezäunter Bereich, in dem die „Fab Four“ für Fotos posieren sollen. Die Zäune halten jedoch der schieren Kraft der „Beatlemania“ nicht stand. Als mehr und mehr Fans sich gegen die Absperrung drücken, gibt sie nach. Lennon, McCartney, Harrison und Starr entkommen im letzten Augenblick in die Sicherheit ihrer Limousine, die sie in ihr Hotel bringt.

Die „Fab Four“ auf dem Titel des „Life“-Magazins während ihrer US-Tour im Sommer 1964)

Während eine Hälfte des Quartetts, nämlich Paul und George, das Gesehene erst einmal verarbeiten muss, rappelt sich der Rest der Truppe auf: John, Ringo, Publizist Derek Taylor und weitere Mitglieder der Entourage sowie Little Richards Organist (und später beinahe fünfter Beatle) Billy Preston wollen das kalifornische Nachtleben unsicher machen und landen wenig später im Rickshaw, einem Laden in Chinatown, der auch andere prominente Gäste aufweist. 

Starr erinnert sich später wohlwollend an eine Begegnung mit dem Schauspieler Dale Robertson: „Wir gingen in eine Bar, und er war da. Wow, Dale Robertson! Wir nahmen einen Drink, aber in Kalifornien schließt alles um zwei Uhr morgens. Sie schlossen also die Bar, der Kellner und alle anderen gingen raus, aber dann gingen wir wieder rein und machten weiter. Ich habe es geliebt.“ Dass die Polizei die von Beatles-Fans konfiszierten Drogen ungefragt an die Band weiterreichte (!), hat sicher zu diesem positiven Gesamteindruck beigetragen.

Am nächsten Tag geht die Tour dann so richtig los: Die Beatles spielen im Cow Palace in San Francisco vor 17.130 Zuschauern. Auch hier müssen sie flüchten, nachdem die Bühne von Fans gestürmt zu werden droht. Sie lassen buchstäblich die Instrumente fallen und werden in einem Krankenwagen zum Hotel transportiert, da ihre Limousine belagert wird. Die „Beatlemania“ erreicht im Verlauf dieser Tour fiebrige Höhen, und die vier Jungs aus Großbritannien lernen die Schattenseiten des Erfolgs kennen. Besonders John Lennon tut sich schwer: „Die Leute denken, Berühmtheit und Geld bringen Freiheit, aber das tun sie nicht.“ 

Während dieses Amerika-Aufenthaltes treffen sie jedoch auch auf Bob Dylan und äußern sich öffentlich gegen die dort noch übliche Segregation. Nicht zuletzt entsteht aus der klaustrophobischen Situation auch der Song Help!, den die Briten 1965 veröffentlichen sollen.

Zeitsprung: Am 18.12.1962 beginnen die Beatles ihr finales Engagement im Star-Club – Sex, Drogen, Pilzköpfe in Hamburg.

 

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Popkultur

Zum Geburtstag der Metal-Diva: Tarja Turunen wird 45!

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Tarja Turunen
Foto: Giuseppe Maffia/NurPhoto via Getty Images

Mit Nightwish hat sie den Metal-Olymp erklommen, seit 2005 verfolgt sie eine überaus erfolgreiche Solokarriere: Tarja Turunen zählt ohne Weiteres zu den erfolgreichsten Sängerinnen der Rockmusik. Doch wie hat eigentlich alles angefangen und was macht die finnische Grande Dame des Metal heute?

von Timon Menge

Hier könnt ihr euch In The Raw von Tarja anhören:

Ob wohlklingend oder nicht: Der erste Schrei von Tarja Turunen ertönt am 17. August 1977 in einem kleinen finnischen Dorf namens Puhos nahe der russischen Grenze. Sie wächst mit einem jüngeren und einem älteren Bruder auf; ihre Eltern arbeiten in der Stadtverwaltung und als Zimmermann. Schon im Alter von drei Jahren fällt Tarja als herausragende Sängerin auf, als sie bei einer Kirchenveranstaltung eine finnische Version des Stücks Vom Himmel hoch da komm’ ich her von Martin Luther zum Besten gibt. Anschließend tritt sie in den Kirchenchor ein, mit sechs nimmt sie die ersten Klavierstunden. Noch weiß das Wunderkind nicht, dass ihm eine große Karriere bevorsteht.

Auch in der Schule bemerkt man Tarjas musikalisches Können. „Man musste ihr nur eine Note geben und sie hat sofort alles verstanden“, erzählt ihr früherer Musiklehrer Plamen Dimov in einem Interview für die offizielle Nightwish-Biografie. „Mit anderen musste ich drei-, vier-, fünfmal proben.“ Tarjas Talent bringt allerdings auch Probleme mit sich. Weil einige Mitschülerinnen neidisch auf ihre Singstimme sind, mobben sie die junge Musikerin. Lehrer Dimov reagiert darauf und verlagert die musikalischen Aktivitäten von der Schule in die Freizeit. Ihren ersten großen Auftritt hat Tarja mit 15, als sie im Rahmen eines Kirchenkonzerts als Solistin vor rund Tausend Menschen auftritt. Doch noch immer steht die Sängerin bloß am Anfang dessen, was noch kommen soll.

Tarja Turunen: Mit Nightwish an die Spitze des Metal-Olymp

Mitten im finnischen Winter 1996 meldet sich Tarjas alter Schulkamerad Tuomas Holopainen bei der damals 19-jährigen Musikerin. Er habe ein neues akustisches Musikprojekt gegründet. Ob Tarja nicht als Sängerin einsteigen wolle. Sie schlägt ein, doch dann kommt alles anders. Gleich bei den ersten Proben merken alle Beteiligten, dass Tarjas Stimme seit der Schulzeit reichlich an Kraft gewonnen hat und gar nicht mehr zu ruhigen Akustik-Songs passt. Gitarrist Emppu Vuorinen steigt auf eine E-Gitarre um, Holopainen beschließt, dass die Band viel massiver klingen muss, um Tarjas Stimme gerecht zu werden. Das Grundgerüst steht. Nur ein Name für das Projekt fehlt noch. Kurze Zeit später ist klar: Die neue Band heißt Nightwish.

„Mehr Bombast, mehr Drama“ lautet das Motto der neu gegründeten Gruppe. Holopainen kann einen Plattenvertrag für Nightwish an Land ziehen und ab da geht es für die Newcomer nur noch in eine Richtung: nach oben. Schon das Debüt Angels Fall First (1997) schlägt ein, sehr zur Überraschung der Plattenfirma. Ab da wird es richtig ernst. Nightwish gehen auf Tour, Tarja bricht ihr Studium ab. Mit den folgenden Alben Oceanborn (1998), Wishmaster (2000) und Century Child (2002) klettern Nightwish immer weiter an die Spitze, 2004 gelingt den Finnen mit Once zum ersten Mal der Sprung auf Platz eins der deutschen Albumcharts. Gleich danach kommt es zum Bruch — und die Finnen setzen ihre Sängerin vor die Tür.

„Es ist an der Zeit, sich zu entscheiden, ob die Geschichte von Nightwish hier endet, oder ob sie weitergehen wird“, schreibt die Band in einem offenen Brief an Tarja. Man wolle die Band fortführen. „Genauso sicher ist aber, dass wir mit dir und Marcelo [Tarjas Ehemann — Anm. d. Aut.] nicht mehr weitermachen können.“ Ihren Rauswurf trägt Tarja mit der maximal möglichen Fassung, doch an einer Sache stört sie sich: „Ich kann die Art und Weise, wie meine Band mir das Ganze mitgeteilt hat, immer noch nicht nachvollziehen“, erklärt sie nach dem offenen Brief von Nightwish. „Es hätte so viele Möglichkeiten gegeben, mir das auf anderem Wege zu sagen.“ Nach einer schweren Phase der Trauer rappelt sich die Sängerin wieder auf — und macht solo weiter.

„Heute ist alles anders.“

Nach wie vor zählt Tarja Turunen zu den berühmtesten und versiertesten Sänger*innen des Metal. Mit ihrer dreieinhalb Oktaven starken Stimme zieht sie weiterhin Fans auf der ganzen Welt in ihren Bann und hat seit 2006 stolze acht Soloalben veröffentlicht. „Heute ist alles anders“, verrät sie 2016 in einem Interview mit dem britischen Metal Hammer. „Ich habe eine Karriere, ich habe mein Publikum und mein Leben als Künstlerin. Ich bin frei. Es ist unglaublich, wenn man sich die Dinge selbst aussuchen kann, entscheiden kann, wie man was macht, und mit wem man zusammenarbeitet. Das möchte ich nicht mehr missen.“ Die aktuelle Nightwish-Sängerin Floor Jansen bezeichnet Tarja im selben Interview als „längjährige Freundin“ und ergänzt: „Wir haben vor ein paar Tagen noch gemailt.“

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Zeitsprung: Am 1.11.1997 debütieren Nightwish mit „Angels Fall First“.

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