Popkultur

„Mein eigener Trauermarsch“: Die Geschichte von Procol Harums „A Whiter Shade Of Pale“

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March 4, 2022

Foto: Ivan Keeman/Redferns/Getty Images

Nicht oft ist die allererste Single einer Band zugleich auch ihr größter Erfolg. Auf Procol Harum und A Whiter Shade Of Pale trifft das zu. Im Mai 1967 erscheint die barocke Verwehung eines Songs – und läutet in England den Summer Of Love ein. Zum Tod des Schöpfers Gary Brooker zeichnen wir die Geburt des Jahrhundertsongs nach.

von Björn Springorum

Das Frühjahr 1967 ist eine wilde Zeit in London. Gerade erst haben die Beatles in Gegenwart vieler prominenter Persönlichkeiten ihr Crescendo A Day In The Life eingespielt, hat die Polizei das Haus von Keith Richards auf den Kopf gestellt, hat Jimmy Hendrix im Astoria erstmals seine Gitarre in Brand gesteckt. Als der Frühling in der Luft liegt, kündet er von großen Umwälzungen, Veränderungen – und immer neuen wegweisenden Platten. Die Erste der Doors, Surrealistic Pillow von Jefferson Airplane, The Velvet Underground & Nico… Die künftigen Referenzwerke geben sich die Klinke in die Hand.

Die Katze von Liz Coombes

Mittendrin in diesem legendären Tumult: Eine junge Band namens Procol Harum. Zuvor als The Paramounts bekannt, die mit Poison Ivy immerhin einen kleinen Beitrag zur Musikgeschichte der Sechziger leisten, nennen sich Sänger Gary Brooker und Texter Keith Reed künftig nach der Katze einer Katze ihrer Freundin Liz Coombes – Schreibfehler inklusive, mit Procol statt Procul. Ursprünglich wollen Brooker und Reed gar nicht selbst in der Band auftauchen und stattdessen nur die Songs schreiben. Aber es kommt natürlich mal wieder alles anders.

In der ersten fixen Besetzung Gary Brooker (Gesang, Piano), Matthew Fisher (Orgel), Ray Royer (Gitarre), David Knights (Bass) und Bill Eyden (Schlagzeug) bucht man sich im April 1967 in die Londoner Olypmic Studios ein – zur selben Zeit, als die Rolling Stones hier gerade ihren psychedelischen Versuchsballon Their Satanic Majesties Request aufblasen. Im Gepäck hat man den allerersten Song: ein ungewöhnliches, sanftes, jenseitiges Stück mit dem klangvollen Namen A Whiter Shade Of Pale.

„Das klingt nach einem gewaltigen Hit!“

Ob Denny Cordell und die anderen Produzenten und Techniker in den Olympic Studios wissen, was sie da gerade aufnehmen, ist nicht kolportiert. Es scheint aber nicht so: Cordell ist sich alles andere als sicher, dass sich die extrem prominenten Drum-Becken im Song als radiotauglich erweisen würden und schickt vorsichtshalber mal ein Vorabexemplar des Songs an Radio London. Die spielen den Song kurzerhand und verkünden: „Das klingt nach einem gewaltigen Hit!“

Schon wenige Wochen später ist klar: Der Radio-DJ hat Recht. Aber so was von. Nur zwei Takes brauchen Procol Harum, um diesen melancholischen, nostalgischen Tagtraum aufzunehmen, wenige Wochen später erscheint das Stück schon. Und macht die Band über Nacht zu Stars. Das liegt zum Teil daran, dass A Whiter Shade Of Pale einerseits vertraut verwaschen und dezent psychedelisch klingt wie vieles 1967. Die üppige barocke Aura des Songs und die sehr nah an Johann Sebastian Bach angelehnte Hammond-Melodie verpassen dem Stück aber vor allem eine surreale Sogwirkung, die von dem verschleppten Tempo gekrönt wird. „Ich versuchte nicht bewusst, Rock und Klassik zu kombinieren“, sagte Gary Brooker 2014. „Bach war einfach in mir.“

Geht’s um Sex?

Gerätselt wird seit 1967 über den kryptischen, merkwürdigen Text. Glaubt man Texter Keith Reed, dann ist ihm die erste Idee zu diesem Song auf einer Party gekommen, wo irgendjemand zu einer Frau sagte: You’ve turned a whiter shade of pale, du bist ja bleicher als bleich. Und das blieb stecken. Hoch allegorisch und metaphorisch wird hier mit nautischen Symbolen und Begrifflichkeiten aus der Welt des Tanze wahrscheinlich eine Verführung unter Alkoholeinfluss beschrieben. Sagen zumindest einige.

Reed selbst gehört interessanterweise nicht dazu. „Ich wollte eine stimmungsvolle ‚Mädchen verlässt Jungen‘-Geschichte schreiben. Ich wollte einfach eine Szene malen, nicht extra mysteriös sein.“ Vielleicht habe er während der Ideenfindung etwas geraucht, meint er, aber nicht, als er den Text geschrieben hat. „Ich war von Büchern beeinflusst, nicht von Drogen.“

Zehn Millionen verkaufte Exemplare

Ist auch so ungewöhnlich genug: Mit knapp über vier Minuten ist er länger als die meisten damaligen Radio-Hits, zudem folgt er nicht dem typischen Pop-Schema mit mindestens drei Refrains. Zehn Millionen verkaufte Exemplare von dieser ersten Single allein zeigen aber wohl recht deutlich, dass sich niemand großartig daran stört. A Whiter Shade Of Pale gehört somit zu den erfolgreichsten Singles aller Zeiten und ist so oft über den Ladentisch gewandert wie Elvis Presleys Hound Dog oder My Sweet Lord von George Harrison. 2004 wurde bekannt gegeben, dass der Song die am meisten ausgestrahlte Nummer im Großbritannien der letzten 70 Jahre ist.

Der erste Tag des Summer Of Love

Nicht schlecht für die allererste Komposition. Die Kehrseite: An diesen Erfolg können Procol Harum nicht mal ansatzweise anknüpfen. Homburg, die zweite Single, in der ein bestimmtes Hutmodell besungen wird (!), bleibt weit hinter den Erwartungen zurück, und auch das selbstbetitelte Debüt macht keine großen Sprünge. Was bleibt, ist dieser eine unvergessene Song. Am 1. Juni 1967 steht er zum ersten Mal ganz oben an der Spitze der UK-Singlecharts – zeitgleich mit Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, das in den Albumcharts ganz oben ist. Für Jim Irvin vom Mojo Magazin ist dieser Tag offiziell der erste vom britischen Summer Of Love.

Brian Wilson von den Beach Boys, damals reichlich derangiert und ob der Arbeiten an Smile einen Schritt vom Abgrund entfernt, hat wenige positive Assoziationen: Als er den Song das erste Mal hört, denkt er, es sei sein eigener Trauermarsch.

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Popkultur

„Atomic City“: Neuer U2-Song feiert die Post-Punk-Jahre

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September 29, 2023

Phoebe Myers

Foto: Jason Kempin/Getty Images

Und plötzlich ist ein brandneuer Song von U2 gelandet: Auf Atomic City schwelgen die Iren im Sound früherer Jahre und läuten zugleich eine furiose neue Ära ein. Hier bei uns gibt es Song samt Video!

U2 fahren die Motoren langsam hoch. Kürzlich erst gaben sie einen Überraschungsauftritt mitten auf dem Strip in Las Vegas, um ihre furiose Residence im Sphere zu bewerben. Die startet am heutigen Freitag und verspricht ein revolutionäres Konzerterlebnis: 160.000 Lautsprecher und 260 Millionen Videopixel läuten dieses Wochenende eine neue Ära in Sachen Livemusik ein.

Hommage an Las Vegas

Passend dazu erscheint heute die brandneue Single Atomic City. Produziert wurde der Song von Jacknife Lee und Steve Lillywhite und ist als Hommage an Las Vegas zu verstehen – die Stadt wurde in den fünfziger Jahren als Atomic City bezeichnet. Musikalisch ist der Song ein Kniefall vor dem magnetischen Geist des Post-Punk der Siebziger und Bands wie Blondie oder The Clash, die U2 beide stark beeinflussten. Hier gibt es die starke Nummer zu hören:

Aufgenommen wurde die Single in Los Angeles und erscheint passend vor den anstehenden Terminen der Band im Sphere in Las Vegas, wo sie ihr bahnbrechendes Album Achtung Baby aus dem Jahr 1991 zelebrieren. Der Frontmann Bono selbst sagt über die Single: „Es ist ein Liebeslied an unser Publikum: Where you are is where I’ll be.“ Das dazugehörige Musikvideo wurde unter der Regie von Ben Kutchins gedreht und zeigt U2s nächtlichen Überraschungsauftritt des Songs in Downtown Las Vegas letzter Woche. Da hat sich mal jemand mit Schnitt und Post-Production beeilt.

Jetzt können wir nur noch warten und morgen schon die Bilder dieser grandiosen neuen Show mit Ersatzschlagzeuger Bram van den Berg bestaunen. Oder doch vielleicht eher gleich Flüge buchen?

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Popkultur

„Monsters Of California“: Alles über den UFO-Film von Blink-182-Sänger Tom DeLonge

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September 29, 2023

Phoebe Myers

Foto: Christopher Polk/Getty Images

Blink-182-Fans wissen: Frontmann Tom DeLonge hat nicht nur ein Faible für Rock, sondern auch für Roswell. Schon seit vielen Jahren interessiert er sich für UFOs, außerirdische Lebensformen und alles, was damit zu tun hat. Mit Monsters Of California bringt er bald seinen ersten Film raus. Und darin geht es natürlich um …

von Timon Menge

Hier könnt ihr euch Nine von Blink-182 anhören:

… genau. In Monsters Of California hängt der Teenager Dallas Edwards am liebsten mit seinen verpeilten Freund*innen herum. Eines Tages findet die südkalifornische Clique zufällig einige Unterlagen von Dallas’ Vater, die darauf schließen lassen, dass er beruflich mit mysteriösen und paranormalen Ereignissen zu tun hat. Die Jugendlichen verknüpfen ihre Erkenntnisse miteinander, stellen Theorien auf — und werden auf einmal von uniformierten Männern mit Maschinengewehren umstellt. Spätestens jetzt wissen sie, dass etwas Großem auf der Spur sind. Doch sie haben natürlich noch keine Ahnung, wie groß ihre Entdeckung wirklich ist …

Tom DeLonge: Pop-Punk-Ikone und UFO-Fan

Die meisten kennen Tom DeLonge als Sänger und Gitarrist der erfolgreichen Pop-Punks Blink-182. Doch der Kalifornier ist auch ein ausgewiesener Alien-Fan, der sich in seiner Freizeit ausgiebig mit UFO-Sichtungen, Area-51-Theorien, außerirdischen Lebensformen und paranormalen Aktivitäten beschäftigt. (Mit dem Song Aliens Exist vom Blink-182-Album Enema Of The State brachte er DeLonge beiden Leidenschaften 1999 unter einen Hut — und genau diese Nummer ist natürlich auch im Trailer von Monsters Of California zu hören.) Immer wieder hinterfragt und forscht er im Namen der Wissenschaft nach Aliens und sucht Erklärungen für diverse Verschwörungstheorien. Schräg, oder?

DeLonges Engagement geht so weit, dass er am 18. Februar 2017 zum Beispiel den „UFO Researcher of the Year Award“ von OpenMindTV verliehen bekam. 2015 erzählte er in einem Interview von einer mutmaßlichen Begegnung mit Außerirdischen — während eines Camping-Trips nahe der sagenumwobenen Area 51. „Mein ganzer Körper hat sich angefühlt, als sei er statisch aufgeladen gewesen“, versicherte der Sänger. Auch Freunde von ihm könnten über Begegnungen mit Aliens berichten. Außerdem verfüge er über Regierungsquellen und auch sein Telefon sei aufgrund seiner Forschungen schon abgehört worden. Wenn er meint …

***Monsters Of California*: Wann startet der erste Film von Tom DeLonge?**

In den USA läuft Monsters Of California am 6. Oktober 2023 an, doch wann der Streifen in Deutschland erscheinen soll, ist bisher nicht klar. So oder so: Der Trailer verspricht mindestens einen unterhaltsamen Kinobesuch — nicht nur für Blink-182-Fans.

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Popkultur

Zeitsprung: Am 29.9.1986 trumpfen Iron Maiden erneut auf mit „Somewhere In Time“.

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September 28, 2023

Christina Wenig

Foto: Cover

Anekdoten, Jubiläen und wilde Geschichten: Was an diesem Tag in der Welt der Musik passiert ist, lest ihr täglich in unserem Zeitsprung. Heute: 29.9.1986.

von Christof Leim

In den Achtzigern stürmen Iron Maiden von einem Triumph zum nächsten. Dabei reiben sie sich fast bis zur Überlastung auf, halten aber konsequent Kurs und Niveau und entdecken neue Sounds. Am 29. September 1986 erscheint Somewhere In Time – und Eddie wird zum Cyborg.

Hier könnt ihr das Album hören:

Die Geschichte von Somewhere In Time beginnt mit völliger Erschöpfung. Kann nach einer Welteroberung schon mal passieren: 1984 hatten die fünf Briten auf der World Slavery Tour elf Monate lang in 28 Ländern auf vier Kontinenten gespielt – und zwar satte 193 Shows vor geschätzten 3,5 Millionen Fans. Der Preis: Bruce Dickinson (Gesang), Steve Harris (Bass), Dave Murray (Gitarre), Adrian Smith (Gitarre) und Nicko McBrain (Schlagzeug) sind fix und fertig. Deshalb fordern die Musiker sechs Monate Pause. Daraus werden zwar nur vier, doch zum allerersten Mal seit Jahren steht die Maiden-Maschine ein Weilchen still.

Neues Spielzeug

Die Konsequenzen hört man: Harris, Smith und Murray experimentieren mit Gitarrensynthesizern, mit denen sich Keyboardsounds über die Gitarre und den Bass erzeugen lassen. Dickinson indes zweifelt an seiner Motivation und will musikalisch in eine andere Richtung. Er komponiert vor allem akustisches (also stromloses, ruhiges) Material, das von den Kollegen und dem Produzenten aber abgelehnt wird. Der Sänger zeigt sich verletzt, freut sich aber darüber, für eine Weile „nur“ singen zu müssen. Für ihn springt Adrian Smith in die Bresche und liefert im Alleingang mehrere fertige Tracks, die auf einhellige Begeisterung stoßen und Somewhere In Time maßgeblich prägen sollten.

Futuristische Fahrzeuge, klassische Patronengurte: Iron Maiden auf dem Pressefoto für „Somewhere In Time“ – Foto: Aaron Rapoport/Promo

Erst im Januar 1986 geht es zurück ins Studio, genauer: in mehrere Studios. Drums und Bass nehmen Iron Maiden in den Compass Point Studios auf den Bahamas auf, in dem auch AC/DC Back In Black eingespielt hatten. Gitarren und Gesänge bringen die Musiker in den Wisseloord Studios im niederländischen Hilversum auf Band, abgemischt wird schließlich in den Electric Lady Studios in New York. Damit wird Somewhere In Time nicht nur zum teuersten Album der bisherigen Bandkarriere, sondern auch zum technisch ambitioniertesten. Wie für die Beständigkeit in der Maiden-Welt der Achtziger typisch, ändert sich an der sonstigen Formel wenig. Die Produktion übernimmt ein weiteres Mal Stammproduzent Martin Birch.

Fünf Minuten mindestens

Somewhere In Time erscheint am 29. September 1986 und steigt in Großbritannien auf Platz drei ein. In den USA schafft die Band mit Platz elf ihre bis dato beste Platzierung. Auf dem Cover prangt natürlich das unvergleichliche Iron Maiden-Monster Eddie in einem aufwändigen Science-Fiction-Gemälde. Schon im Intro der ersten Nummer, dem vom Film Blade Runner inspirierten Quasi-Titelstück Caught Somewhere In Time aus der Feder von Steve Harris, hören die Fans die besagten Gitarren-Synthesizer. Doch am grundsätzlichen Stil von Iron Maiden hat sich nichts geändert. Es galoppiert der Bass, wie es sich gehört, die Gitarren riffen, und Dickinson lässt seine Sirenenstimme aufheulen. Wo Iron Maiden drauf steht, ist Heavy Metal drin, vermutlich bis ans Ende aller Tage. Allerdings klingt Somewhere In Time insgesamt weniger rau, sondern bei gleichem Energieniveau erwachsener, vielschichtiger und, wenn mal so will, futuristischer.

Von den acht Songs fällt keiner kürzer aus als fünf Minuten aus, das Gros stammt von Steve Harris, drei Beiträge kommen von Adrian Smith. Dazu gehört die erste Single Wasted Years, in der Maiden so eingängig klingen wie es nur geht, ohne ihren eigenen Sound zu verlieren. Der Text erzählt von Heimatlosigkeit und Entfremdung – ein klarer Kommentar zur endlosen World Slavery Tour. Als Wasted Years drei Wochen vor dem Album als Single ausgekoppelt wird, sieht man auf dem Cover das Cockpit einer Zeitmaschine, in deren Armaturenbrett sich der Kopf von Eddie spiegelt. Der Grund: Sein neues Aussehen sollte nicht vor Erscheinen des Albums verraten werden, schließlich hat das Maskottchen mittlerweile Kultstatus erreicht.

Auf der Vorabsingle durfte Eddie sich noch nicht ganz zeigen…

Filme und Bücher als Inspiration

Das folgende Sea Of Madness, ein dramatischer Uptempo-Banger, stammt ebenfalls von Smith, setzt aber keine besonderen Akzente. Für Heaven Can Wait, einen Harris-Song über eine Nahtoderfahrung, rekrutieren Maiden die Gäste einer Kneipe, um die „Oh-Oh“ -Fußballchöre im Mittelteil einsingen zu lassen.

Das ebenso harte wie vertrackte The Loneliness Of The Long Distance Runner basiert nicht nur im Titel auf einer Kurzgeschichte des britischen Autoren Alan Sillitoe. Stranger In A Strange Land hingegen geht direkt ins Ohr und wird deshalb als zweite Single ausgekoppelt. Inspiriert wurde Adrian Smith hierfür durch ein Gespräch mit einem Arktisforscher, der einen gefrorenen Körper im Eis gefunden hatte. Vom gleichnamigen Science-Fiction-Roman von Robert A. Heinlein hingegen leiht sich Smith lediglich den Titel.

Egal, wo und wann: Eddie ist immer cool

Die Credits für Deja-Vu teilt sich Harris mit Dave Murray, der im Schnitt für jedes zweite Album einen Song beisteuert. Alexander The Great stammt vom Bassisten alleine und reiht sich mit einer Spielzeit von achteinhalb Minuten in den Reigen der großen Maiden-Epen ein, diesmal mit explizit historischem Bezug.

Ein Cover wie ein Bildband

Ein sicherer Hit ist zweifelsfrei das Artwork der Platte: Hier steht Eddie als Weltraum-Terminator mit Cyborg-Auge und Laserpistolen in einer futuristischen Stadt, die vor Details nur so überquillt. Der Künstler Derek Riggs, der Künstler hinter diesem Werk, erinnert sich an den Arbeitsauftrag: „Wir haben uns eigens in Amsterdam getroffen und drei Tage lang über das Cover gesprochen. Sie wollten eine Kulisse wie in Blade Runner, eine Science-Fiction-Stadt.“ Um das zu erreichen, erschafft Riggs eine Skyline mit Werbeslogans und Firmennamen, die er größtenteils erfindet, um Copyright-Probleme zu vermeiden. Dabei dreht er richtig auf und auch ein wenig durch.

Immense Detailfülle und jede Menge versteckte Späßchen: Das Artwork aus der Feder von Derek Riggs

Wer genau hinguckt, kann unter anderem erkennen: den Sensenmann und die Katze mit Heiligenschein von Live After Death, den abstürzenden Himmelsstürmer aus Flight Of Icarus, ein Flugzeug über der „Aces High Bar“ , das „Ancient Mariner Seafood Restaurant“, ein Straßenschild zur „Acacia Avenue“ , ein Konzertposter mit dem Ur-Eddie, die Dame aus Charlotte The Harlot, die Tardis aus Doctor Who, Batman, eine Uhr, die zwei Minuten vor Mitternacht anzeigt, das „Phantom Opera House“ , den Ruskin Arms Pub (eine der ersten Spielstätten der Band) sowie die exakt gleiche Straßenlaterne wie auf dem Cover des Debüts. Irgendwo steht sogar auf Japanisch „Pickelcreme“ , auf Russisch „Joghurt“ und in Spiegelschrift „Dies ist ein sehr langweiliges Gemälde“. Drei Monate sitzt Derek Riggs an dem Werk, mitgezählt eine mehrwöchige Zwangspause, weil er irgendwann Halluzinationen bekommt und aussetzen muss. Kurzum: Das Cover ist Wahnsinn. Und absolut großartig.

…und die Rückseite ist genauso bombastisch.

Auf die Straße. Natürlich.

Natürlich geht es für die fünf Musiker umgehend auf Konzertreise: Der Somewhere On Tour getaufte Trek zieht von September 1986 bis Mai 1987 um die Welt, mit dabei ein überdimensionaler Cyborg-Eddie, der über die Bühne spaziert, zwei riesige Podeste rechts und links in Form von Monsterkrallen, eine aufwändige, sehr helle Lightshow sowie ein pulsierendes Leuchtherz als Teil von Bruces Bühnenoutfit.

Somewhere On Tour: Dave Murray schreddert, Eddie guckt kritisch – Foto: Ebet Roberts/Redferns/Getty Images

So stressig und geradezu selbstmörderisch wie zwei Jahre zuvor auf der World Slavery Tour sollte es jedoch nicht mehr werden, auch die Zeiten, in denen Iron Maiden jedes Jahr ein Album und eine Welttour hinlegen, sind mit Somewhere In Time vorbei. Doch die Metal-Weltherrschaft der Achtziger haben Iron Maiden da längst inne.